Derivart: Buceando en la Burbuja

2404.09


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En unos años, alguien escribirá la historia del papel que jugó en el desastre financiero de 2008 la fe ciega en la tecnología. En el parquet de Wall Street, donde “la información sobre el dinero vale más que el mismo dinero”, los brokers se apoyan en sofisticados programas informáticos para optimizar la posibilidad de beneficios y tomar decisiones en el menor tiempo posible. Estos días, algunos de los que escribieron esas líneas de código confiesan que, quizás el software contribuyó a crear un falso sentido de seguridad, e instauró la ilusión de que los riesgos podían eliminarse por completo.

La Bolsa de Nueva York es uno de los espacios más mediados por la tecnología digital que existen. Allí, los operarios monitorizan a través de interfaces sofisticadas flujos de información en tiempo real, analizando datos y ejecutando órdenes que tendrán después un impacto planetario. Para Daniel Beunza, un sociólogo barcelonés, profesor en la Escuela de Negocios de la Universidad de Columbia, hay algo fascinante en las escenografías de estos espacios, y en las estéticas de la información financiera. Para explorarlas desde otras perspectivas, Beunza fundó en 2004 de la mano del programador Mar Canet y el artista Jesús Rodriguez Derivart, un proyecto que estudia las intersecciones posibles entre el arte, la tecnología y los sistemas financieros.

Sorprendentemente, los mercados de valores y sus arquitecturas han sido un tema muy poco tratado desde el arte contemporáneo. Quizás por la necesidad de mapear sus puntos de referencia, el verdadero arranque de Derivart fue la exposición Derivados (2006), premio Inéditos de nuevos comisarios en La Casa Encendida. En ella, artistas como John Klima, Natalie Jeremijenko o Antoni Muntadas buscaron correlaciones entre las evoluciones bursátiles y el indice de suicidios, o representaban el concepto de “volatilidad” a través de bandadas de pájaros de vuelo impredecible.

Los proyectos propios de Derivart, sin embargo, se acercan al espectador por medio de la irreverencia y la sorpresa como en Spread Player, su trabajo más reciente: un instrumento musical táctil -quizás el primer “homenaje” a la célebre Reactable- cuyos sonidos están determinados por la cotización de los valores del IBEX 35 en el momento de la interpretación.

Para Jesús Rodriguez, los proyectos de Derivart son sobre todo estrategías para abrir debate por medios más o menos inesperados. Desde hace años realizan proyectos sobre una de las zonas calientes por excelencia, la burbuja inmobiliaria y la crisis de la vivienda. Su Burbujómetro transforma un videojuego clásico en un mapa del precio del metro cuadrado en España, mientras la Hipotecadora disfraza de test inofensivo la terrible evidencia de que para la mayoría de la gente, pagar una casa será tarea de toda una vida. Casas Tristes es probablemente su iniciativa más ambiciosa: un proyecto en permamente construcción que propociona datos sobre la especulación inmobiliaria, mientras intenta identificar y localizar las más de tres millones de casas que permanecen vacias en España.

Un sociólogo de la economía, un artista visual y un programador de videojuegos forman Derivart, un equipo de trabajo distribuido entre Barcelona, Nueva York y Austria. Su objetivo es ofrecer desde el arte miradas corrosivas sobre los mercados financieros. El 14 de Mayo enterrarán en La Fabrica de Granollers a las empresas inmobiliarias “fallecidas” en los últimos meses, y más adelante ofrecerán sus remedios para la crisis dentro del festival In Motion del CCCB, Barcelona.


Platoniq: La Ciencia de Compartir

3103.09


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imagen de Neural.it

Susana Noguero y Olivier Schulbaum, un ex-documentalista del canal de televisión Arte, iniciaron el proyecto Platoniq en Berlin hace casi diez años. Junto a Ignacio Garcia y otros colaboradores se dedican a desarrollar herramientas, acciones y eventos para fomentar la producción y distribución de cultura libre y conocimiento compartido. Su proyecto más reciente, Banco Común de Conocimiento, ha sido una presencia constante en festivales y centros de nuevos medios durante el último año y medio. Hoy en el CCCB, Platoniq dirigen la sesión Libertad, Igualdad y P2P, dentro del ciclo ICI.

El Banco es un “laboratorio portátil” que se instala en instituciones culturales, organizaciones y espacios artísticos. En estos momentos, se encuentra en el Centro de Arte Contemporáneo Bòlit de Girona, dentro de la exposición Recursos Propios. Su objetivo es poner en contacto a usuarios que pueden ofrecer conocimento especializado y de alta calidad con otros necesitados de acceder a esa información.

Inspirándose en la filosofía de ayuda mutua de los foros de Internet, los ciudadanos sitúan sobre un tablón de anuncios ofertas y demandas de conocimiento. Las cuestiones cubren un amplio espectro: desde lo práctico (“Cómo darse de baja de Telefónica”, “Mis derechos cómo Inquilino”) a otras que sirven para desencadenar debates ("Explicar las causas de la Crisis Económica") o arrancar iniciativas ("Poner en marcha una red para compartír coche").

Estas ofertas reciben “votos” en forma de usuarios que manifiestan su interés por preguntas concretas. Las más demandadas se seleccionan y pasan a formar parte de los “mercados”, grandes encuentros en que el Banco Común cobra vida y se produce el intercambio de saber.

Platoniq pertenecen a una nueva generación de agentes que más que artistas, entienden su práctica como una forma de investigación y producción cultural. Una investigación que puede llevarse a cabo fuera de los departamentos universitarios y a una distancia más corta de la sociedad civil. Por esto, el Banco Común ha pasado por contextos artísticos altamente especializados como Ars Electronica y Transmediale, los festivales más importantes de new media en Europa, pero también por escenarios de la vida real, como el que le ha llevado en las últimas semanas a las aulas de un Instituto de Educación Secundaria de uno de los barrios más conflictivos de Sevilla, dentro de la programación del festival Zemos98. “Necesitamos del apoyo del mundo institucional del arte para poder investigar y crear modelos”, afirma Olivier Schulbaum, uno de los fundadores del colectivo. “Pero nos sentimos más cercanos a la tradición de la educación libertaria, y a modelos históricos como la Escuela Moderna en Barcelona. Creemos en la idea de educación mutua, y en los que intentaron recuperar el conocimiento público en espacios como los ateneos”.

El otro gran referente del trabajo de Platoniq es, por supuesto, la ética y la política del software libre nacido en Internet. “Somos más parte del movimiento por el conocimiento libre que artistas relacionales.” El Banco Común genera un archivo documental online en el que se va recopilando toda la información recogida en sus distintas presentaciones. Pero para sus creadores, un proyecto así no tendría sentido si existiese sólo en la red. La evolución natural del proyecto tendrá que ver más con eliminar a los intermediarios y construir sistemas donde los usuarios puedan autoorganizarse y responder a la demanda de conocimiento sin necesidad de gestores ni coordinadores. SOS, su próximo proyecto, quiere combinar móviles, tablones de anuncios audiovisuales y motocicletas para crear un red de conocimiento autosuficiente, y de respuesta inmediata.


Las siete vidas del hombre-máquina

1403.09


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Algunos ya lo saben: he hecho una pequeña selección de textos para Impedimenta acerca de un asunto que me apasiona considerablemente: los automatas. Hay cuatro capítulos: los orígenes (featuring: Descartes, Julien de la Mettrie, flautista y pato de Vaucanson, niños de Jacques-Droz), El Turco (feat. ETA Hoffman, Edgar Allan Poe, Sigmun Freud), las Máquinas fatales (featuring un montón de zorras metalizadas) y A mí me hizo J.F. Sebastian, un pequeño guiño a Antonio Parade y su bonita canción, featuring algunas cosas importantes, como El Test de Turing, La Singularidad de Vinge y mi texto favorito del pack; Darwin entre las máquinas, donde Samuel Butler sugiere que nosotros somos los órganos sexuales de las máquinas.

La introducción es de Patrick Gyger, director de la Maison d'Ailleurs, el extraordinario Museo de Ciencia ficción, Utopías y Viajes Extraordinarios de Yverdon. Esta es, de momento, la nota de prensa:

Las siete vidas del hombre-máquina

“El Rival de Prometeo” reune de nuevo a los autómatas más famosos de la historia con los ingenieros, filósofos, emperadores y artistas que los soñaron.


Los autómatas no se inventaron en el siglo XVIII; han existido desde que el hombre es hombre, aunque sólo fuera en sueños, pero no fue hasta el XVIII que su presencia comezó a inundar la imaginación de la gente, que acudía en masa a los circos, teatros y ferias para ver a los prodigios mecánicos con una mezcla de fascinación y horror.

“El Rival de Prometeo (Vidas de Autómatas Ilustres)”, editado y compilado por la periodista Marta Peirano, recorre los avatares de los más conocidos autómatas de la historia, la literatura y el cine. La obra se abre con la edad dorada de los creadores de «anatomías vivientes», las asombrosas criaturas del biólogo Jacques de Vaucanson, artífice del célebre «Pato con Aparato Digestivo», capaz de «comer, beber, graznar, chapotear y hacer sus necesidades en una palangana de plata». En el segundo capítulo, «El Turco» de von Kempelen, un autómata de notoriedad extraordinaria, jugador de ajedrez invencible que derrotaría a las mejores mentes pensantes del mundo, inspira más adelante las aterradoras fantasías de E. T. A. Hoffmann, Edgar Allan Poe y el ensayo sobre "Lo Siniestro", una de las más célebres interpretaciones psicoanalíticas de Sigmund Freud.

Como en el XIX no existía la perfección femenina sin maldad, la misoginia de fin de siglo desbordaría la pintura y la literatura; un capítulo que "El Rival de Prometeo" ilustra con la andreida de Metrópolis o la Eva Futura de Villiers de l’Isle-Adam, la versiń mecánica y fatal de las nereidas, vampiros y medusas de los decadentistas. El libro cierra con un último capítulo dedicado a la Inteligencia Artificial, una transición que incluye tres textos fundacionales jamás traducidos al castellano: "¿Puede pensar una máquina?", el texto donde Alan Touring expone su famoso test de Inteligencia Artificial, "Darwin entre las máquinas", una inolvidable reflexión sobre la inmortalidad de la máquina como especie ingeniada por el irrepetible Samuel Butler y "La Singularidad", una advertencia apocalíptica del ingeniero informático y escritor de Ciencia Ficción Vernon Vinge.


Según Patrick J. Gyger, historiador y director de la Maison d’Ailleurs, Museo de la Ciencia-Ficción, de la Utopía y los Viajes Extraordinarios enclavado en Yverdon-les-Bains, Suiza, quien firma prólogo del libro: «El autómata conserva una facultad inigualable para ayudarnos a delimitar los interrogantes acerca de nuestra propia naturaleza. El androide, instrumento de ficción formidable gracias a su fuerza metafórica, nos permite entablar una investigación metafísica y nos recuerda que el ser humano no ha hecho más que interrogarse a sí mismo al sacarle brillo a su propio reflejo.»


Golden Nica 2008, el termómetro de la Innovación Creativa

2406.08


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Hace un mes comenzamos una sección nueva en ADN.es llamada Think Tank, La Cultura Como Laboratorio. Nace de una impresión: las páginas de cultura de los medios de comunicación suelen ser una mezcla de guía del ocio, boletin de novedades del mercado, y noticias sobre las industrias y las políticas de la cultura. Pero raramente hablan de la función esencial hoy de la cultura como espacio de innovación y experimentación, en el que se imaginan respuestas a los cambios en nuestra forma de vida y se desarrollan los nuevos modelos que acabarán dando forma al ocio, la industria, y las políticas de la cultura de los próximos 10 años. Extrañamente, es más fácil encontrar información sobre estos aspectos de las artes en las páginas de economía, de ciencia o de tendencias que en las de cultura.

En Think Tank pretendemos usar de alguna manera las claves del periodismo de divulgación científica y trasladarlas al ámbito de la creación. Porque la cultura hoy a veces es tan apasionante y tan compleja como la ciencia, pero no hay ninguna razón para que los críticos tengan que escribir como si fuesen físicos cuánticos.

El artículo de esta semana analiza el palmarés de los Ars Electronica Golden Nica, el premio más importante en la escena internacional del Arte y la Tecnología, anunciado esta pasada semana. Los Nica 08 han premiado como nunca antes el trabajo desarrollado en España, y el excelente momento actual de equipos como Medialab Prado, en Madrid, y el Music Technologies Group de la Universidad Pompeu i Fabra de Barcelona.

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En cierta manera podría decirse que Los Golden Nica, los galardones más prestigiosos en el mundo de la creación digital, no premían a obras sino a investigaciones. La célebre Reactable de Sergi Jordá y colaboradores ha tenido un largo recorrido desde sus primeras presentaciones en el 2004, pero el Nica de Ars Electronica no ha llegado hasta este año, después de que se haya revelado como más que una curiosidad de laboratorio. Reactable es una vía real para construir un nuevo modelo de instrumento músical hacía el futuro. El éxito del proyecto además ha trascendido los límites de la comunidad del arte y la tecnología y ha obtenido una repercusión fuera de éste con pocos precedentes, desde su adopción por estrellas del pop hasta episodios más surrealistas, como formar parte de las campanadas de fin de año en Barcelona.

Reactable es el segundo Golden Nica recibido por un artista nacional, tras el otorgado a Antoni Abad en 2006 por su Canal Accesible en la categoría de Comunidades Digitales. El Palmarés de este año contiene el mayor número de artistas y creadores de nuestro país en la historia de los premios. Más importante que la cantidad es que no se haya premiado a artistas individuales, sino el trabajo continuado y de largo recorrido que se está realizando por fín desde algunas instituciones españolas, como el Music Technology Group de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, hogar de la Reactable y del Freesound Project, un archivo sonoro colaborativo en red iniciado desde la capital catalana y reconocido con una mención honoraria. Otras dos menciones han premiado producciones recientes del centro madrileño Medialab Prado: las esculturas aumentadas de Pablo Valbuena y el sorprendente juego Levelhead del neozelandés afincado en España Julian Oliver. Actualmente puede verse en exposición en la LABoral de Gijón y, la pasada semana en Sonarmática, el área expositiva de Sónar.

Por lo demás, el palmarés de los Golden Nica sigue siendo un eficaz barómetro para medir las ideas y estrategías más relevantes hoy para los que trabajan en la encrucijada entre ciencia, tecnología, arte y sociedad. Como en los últimos años, se reconocen a veces más que proyectos concretos, nuevas herramientas y entornos de creación que permitan a artistas y usuarios desarrollar ideas innovadoras. Es el caso esta vez del entorno de programación para artistas Open Frameworks, el sistema libre de publicación de contenidos Drupal , o de OpenStreetMap, un proyecto para crear cartografías libres y abiertas.

La sección Comunidades Digitales es una interesante recopilación de ejemplos brillantes de ideas para la Web social, que este año ha reconocido el trabajo de iniciativas sólidas como la comunidad de periodismo ciudadano Global Voices, y glamurosos servicios 2.0 como FFFFound.com, una herramienta para diseñadores que etiqueta y clasifica las mejores imágenes de la Web. Lo mejor de este galardón, sin embargo, es su capacidad para sacar a la luz iniciativas muy poco conocidas, pero que muestran el inmenso potencial social y político de las comunidades en Internet. Es el caso del ganador del primer premio, 1Kg More, una organización no gubernamental que utiliza la Red para reclutar voluntarios que viajen a las zonas más remotas de la china rural y lleven a las escuelas los libros y suministros básicos -lápices, cuadernos- que no pueden obtener por sí solas. También de Patients Like Me ("pacientes que ayudan a otros pacientes a vivir mejor"), que pone en contacto a enfermos de todo el mundo con otras personas que están recibiendo tratamiento por la misma enfermedad, y les permite intercambiar experiencias e información valiosa sobre sus probemas.

Finalmente, los Golden Nica reúnen siempre a un buen número de proyectos artísticos que apuntan nuevas direcciones en el uso de la tecnología con fines creativos. La Nube Verde de HeHe es un buen merecedor de uno de los premios de honor, por reunir el uso de estrategías de diseño contemporáneas como la visualización con la preocupación del arte por aportar soluciones a la crisis climática y energética. Las populares congelaciones de gente en la estación Grand Central de Nueva York de ImprovEverywhere han sido también reconocidas, así como el instrumento robótico de Jeff Lieberman y Dan Paluska , una instalación con gran éxito en Youtube que permite componer una melodía a través de Internet, para luego reproducirla por un gran xilófono mecánico accionado por pelotas de pingpong.

Los Golden Nica se entregan durante la segunda semana de septiembre en la ciudad austriaca de Linz, dentro de los actos del festival Ars Electronica 2008.

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Future Past Cinema: El Futuro del Cine del Pasado en Sónar 2008

1906.08


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Ya sea en la penumbra solemne de la sala de cine, en la comodidad de nuestra sala de estar, o cada vez más con el portátil sobre nuestras rodillas, estamos acostumbrados a relacionarnos con las imágenes en movimiento de la misma manera; mirando de manera pasiva a un rectángulo estático, no demasiado distinto a una ventana, a través del cual se suceden personajes y lugares que nos toman de la mano y nos conducen a alguna clase de conclusión final. Y no nos cuestionamos si siempre fue así, ni nos preguntamos si podría ser de otra manera.

Sin embargo, antes de que el cine se hiciese mayor y nos legase uno de los grandes artefactos culturales de nuestro tiempo, -la pantalla- existían otros fenómenos, otros artilugios, que a lo largo de siglos conformaron la fascinante historia de las tecnologías precinematográficas. Desde los zoótropos a los panoramas, las linternas mágicas o la cronofotografía, el lenguaje de de narrar a través de la ilusión del movimiento ha conocido muchas formulaciones, casi todas basadas en lo mágico y lo lúdico. En algunas éramos nosotros los que nos movíamos, no las imágenes; otras apelaban más que a nuestros ojos, a nuestro cuerpo entero.

Uno de los recursos favoritos de la ciencia ficción es la idea de presente alternativo; cómo viviríamos hoy si nuestro pasado hubiese sido radicalmente diferente? SonarMàtica imagina este año un presente distinto para la imagen en movimiento, en el que nunca se hubiese instalado la hegemonía indiscutida de la pantalla, y mirar todavía tuviese mucho de juego.

“Future Past Cinema” es la segunda entrega de la trilogía decimonónica de SonarMàtica, un proyecto que quiere situar las prácticas artísticas en torno a lo digital no cómo una plataforma hacia al futuro, como se hizo durante la mayoría de los 90 y 00s, sino como parte de un viaje mucho mayor. Volviendo al XIX -y más allá- para intentar entender como construimos el mito tecnológico, por qué soñamos su simbología.

Una exposición de José Luis de Vicente, Oscar Abril Ascaso y Advanced Music dentro de Sónar 2008. Con la colaboración de Medialab-Prado y el Museu de Cinema de Girona.

Proyectos expuestos:

Beiijing Accelerator - Marnix de Nijs (NL) - http://www.marnixdenijs.nl
We Are the Time. We Are the Famous - Andy Cameron, Oriol Ferrer Mesià, David McDougall, Joel Gethin Lewis, Hansi Raber (IT) - http://www.fabrica.it
Demi-Pas - Julien Maire (FR) - http://julienmaire.ideenshop.net
levelHead - Julian Oliver (NZ) - http://julianoliver.com
Takashi’s Seasons - Takashi Kawashima (JP) - http://www.takashikawashima.com
Boxed-Ego - Alvaro Cassinelli (IT) - http://www.k2.t.u-tokyo.ac.jp/members/alvaro/boxedEgo/
FlipBook! - Juan Ospina / Fabrica (IT) - http://www.fabrica.it
Stage fright - Nova Jiang (CN) - http://www.novajiang.com
Biophionitos - Paola Guimerans, Horacio Gonzalez e Igor Gonzalez (ES) - http://www.vhplab.net

Y con piezas de la Colección Tomas Mayol de aparatos precinematográficos del Museo del Cine de Girona

Más información sobre Future Past Cinema en El País y en ADN


Escoitar.org: Almacenando la memoria sonora

1706.08


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publicado originalmente en El Cultural de El Mundo

Internet ya no es sólo la Red de Redes; también es, cada vez más, el archivo de archivos. Desde la valiosa colección de video de Rick Prelinguer preservada en Archive.org a las millones de páginas de texto del Projecto Gutenberg, la red atesora cada vez más colecciones documentales por lo general, al alcance de todos. Pero lo que ha convertido definitivamente a Internet en el archivo más extenso que haya construido el hombre ha sido las filosofías y tecnologías Web 2.0, en la que cada uno de nosotros somos los archivistas, y podemos contribuir en gran o en pequeña medida a edificar a través de la cooperación colectiva la bibliotecas de Babel.

Desde hace dos años, Escoitar.org emplea las metodologías 2.0 para construir una gran base de datos de la memoria y el patrimonio de Galicia. Pero su archivo está compuesto por algo que raramente se cataloga, y que no solemos considerar como merecedor de ser preservado: el sonido. Iniciado en colaboración por Horacio González, Juan Gil y Chiu Longina, el proyecto pretende indagar si existe algo que podamos llamar "identidad sonora", una "cultura aural" característica de cada territorio que entienda que el paisaje de playas y bosques incluye también su dimensión acústica.

Longina y sus colaboradores se han inspirado en pilares del arte sonoro del Siglo XX como Murray Schaffer y su trabajo en torno a la noción de patrimonio sonoro. Pero a diferencia suya, desde el principio entendieron que la construcción de este archivo sólo podía llevarse a cabo de manera abierta, colectiva y desde lo local. El corazón de Escoitar es una herramienta que permite a cualquier usuario subir a la Web un paisaje acústico grabado previamente: desde la atmósfera de una atareada mañana cualquiera en el mercado de Padrón, hasta el sonido del bosque en mitad de la noche. Posteriormente, podemos marcar sobre un mapa el lugar exacto en el que realizamos la grabación, y contribuir así a la construcción de la cartografía sonora de Galicia.

Escoitar realiza periódicamente talleres de grabación de sonido que hasta ahora se ha convertido en la principal fuente documental con la que alimentar el archivo; son también una estrategia para superar limitaciones como el bajo porcentaje de hogares conectados a Internet -en torno a un 30%-, especialmente en la áreas rurales. "Una de las mayores satisfacciones- comenta Longina -ha sido la buena acogida del proyecto por los gallegos repartidos por el mundo. Hemos recibido mensajes de emigrantes en Latinoamérica, que se emocionaban por poder volver a escuchar el sonido de la playa de Muxía..."

El proyecto ha adquirido otras dimensiones, como construir una gran base documental de información sobre cómo nos afecta el sonido a todos los niveles. A partir del 26 de Abril, un taller en La Casa Encendida empezará a extender el modelo de Escoitar a otras partes de España.

“Creo que hay una necesidad entre la ciudadanía de que se les haga escuchar. Y estoy convencido de que a través de la escucha, se puede ser más feliz.”

Chiu Longina es antropólogo y creador de espacios acústicos. A través de proyectos como el portal Artesonoro.org y el blog colectivo mediateletipos.net se ha convertido en uno de los principales difusores del uso creativo del sonido en Internet. Recientemente ha participado en el festival Zemos98 de Sevilla trabajando sobre el estudio del sonido como herramienta de control social.


Pablo Valbuena: Entramado

1506.08


En el barrio de las letras madrileño, escondida tras la inmensa mole del flamante Caixaforum, hay una modesta plaza con cuatro bancos y cinco árboles jóvenes que no llamaría la atención si no fuese porque por las noches, se transforma en un entorno semidigital.

Al oscurecer, tres proyectores bañan la plaza en una intensa luz blanca que marca sobre el espacio los perfiles y siluetas de su arquitectura. El pavimento, los árboles y sobre todo los bancos parecen haberse desmaterializado, porque lo que vemos frente a nosotros se parece mucho más a un gráfico por ordenador en blanco y negro y de baja resolución que a un espacio urbano. Si nos quedamos al menos un minuto, veremos cómo la luz continúa transformando el mobiliario, haciendo que los bancos parezcan a veces transparentes, y otras sólidos. Es como si la plaza se hubiese transformado en una simulación de sí misma dentro de un programa de diseño asistido por ordenador, la herramienta en que los arquitectos conciben hoy las ciudades y edificios.


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publicado originalmente en El Cultural de El Mundo

Entramado, el proyecto del artista y arquitecto de formación Pablo Valbuena sirve de entrada a la sede del centro Medialab Prado. Su primera intervención urbanística prolonga las ideas que ha desarrollado en este espacio de investigación y producción artística en su serie de "esculturas aumentadas", estructuras físicas sobre las que se superpone un plano de información que las convierte en formas dinámicas. Plantear construcciones que operen en la dimensión del tiempo era uno de los puntos de partida de Pablo, interesado por referentes tan diversos como los escritos de Deleuze sobre el tiempo en el cine, o los videoclips y largometrajes de Michel Gondry. También menciona a James Turrell o Oliafur Elliason, a los que estudió para entender el uso de la luz como soporte de trabajo.

Es imposible, sin embargo, acercarse a las esculturas y arquitecturas aumentadas de Valbuena sin relacionarlas con un tema clásico en la cultura digital: la convergencia de los espacios físicos con los digitales. Después de los videojuegos, de los universos online, y de qué el software haya revolucionado la arquitectura de hoy estética y conceptualmente, ¿Como cambia nuestra visión de las calles ahora que también habitamos espacios construidos con pixeles? Tras comenzar su trayectoria profesional diseñando escenarios virtuales para videojuegos o cine, a Pablo le interesa investigar de qué manera introducir estas capas de información sobre lo urbano puede servir para "visibilizar en la ciudad un universo que ha transformado nuestras vidas, pero que carece de presencia. fisica"

Las Esculturas Aumentadas nacieron en la pasada edición de Interactivos?, un exitoso taller intensivo de desarrollo de proyectos que Medialab Prado convoca cada primavera. El proyecto es heredero en buena medida de las políticas y procesos de trabajo que imperan en Medialab, inspiradas en la filosofía colaborativa del movimiento open source. Los programas del centro actuan como hub de conexión que vincula a artistas con ideas con colaboradores cualificados que les ayudan a ejecutarlas. A partir de ahí, el proceso es horizontal y el creador se integra en equipos de trabajo abiertos sin una jerarquía establecida. Como él mismo explica, "en Medialab hay una apuesta por el conocimiento libre y hay facilidad para saltarse cauces establecidos. Prima lo que interesa a los participantes en cada momento, es un modelo democrático. Creo que es un programa importante, y ha sido definitorio para mi."

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Una historia del arte y la tecnología en ARCO

1702.08


La semana pasada El Cultural de El Mundo me pidió un artículo sobre ARCO 2008 y su sección de nuevos medios, Expanded Box. Preferí usar la excusa del artículo para hablar de la tortuosa historia de la tecnología en la historia de la feria de arte Madrileña, y el por qué sigue resultando tan complicado -y a lo mejor, innecesario- abrir un hueco en el mercado para las artes digitales.

Ahora que ARCO es afortunadamente como un mal sueño de hace un par de noches, a lo mejor sigue tendiendo algo de interés.

Si hubiera que resumir las relaciones a lo largo de los años entre ARCO y el arte alrededor de las nuevas tecnologías, se podría decir que ha habido tanto interés y buenas intenciones, como arranques en falso y falta de rumbo.

Nadie le puede quitar a ARCO el mérito de haber sido la primera feria internacional de primer nivel en dedicar un área específica a los nuevos medios, convencida de que era necesario dotarlos de presencia en la gran cita del arte contemporáneo español. ARCO Electrónico nace en 1998 pretendiendo hacer pedagogía de nuevas formas en un espacio -el mercado- que las desconoce por completo. Sin embargo, la cronología evidencia la desorientación y carencia de objetivos claros de una sección de la feria que este año llega a su cuarto cambio de nombre. La iniciativa más estable de difusión de las nuevas tecnologías dentro de ARCO parte del sector privado: el premio VIDA patrocinado por Fundación Telefónica, también nacido hace una década.

ARCO Electrónico se celebra sólo dos años; la emergencia de la Red como soporte creativo y los modestos inicios de una industria del arte en Internet aconsejan un cambio de enfoque, y en el 2000 nace Netspace@Arco. Tampoco dura mucho. La explosión de la burbuja de las "punto com" y el paisaje post Once de Septiembre acaba con ella en el 2002. En 2004 se reemprenden las iniciativas y surge Araneum, un premio impulsado por el Ministerio de Ciencia y Tecnología que busca además fomentar las confluencias entre arte e industria. Sólo tiene lugar una edición: menos de un mes después de que acabe la feria, las elecciones de marzo de 2004 no sólo cambian el signo político sino que borran del mapa al ministerio patrocinador. Al año siguiente arranca Black Box, bajo el comisariado de expertos internacionales de prestigio.

En ARCO 2008, Black Box se transforma en Expanded Box, y el área se divide en en dos secciones para separar al vídeo (Ppantallas") de las nuevas tecnologías ("Stands"). Para Vicente Matallana, coordinador técnico de Expanded Box y testigo en primera persona de este proceso, "mantener esta sección contra viento y marea ha sido importante para la conquista de la credibilidad de un lenguaje que ha tenido que seguir defendiendo su relevancia desde el día a día".

No sería justo analizar las dificultades para consolidar este área en un contexto como ARCO sin considerar otros factores. Porque la proposición de que el mercado del arte podrá asimilar al new media art por las mismas vías y con las mismas estrategias que ha empleado con el resto de lenguajes resulta, como mínimo, discutible.

Para empezar, el espacio cultural en el que los nuevos medios existen desborda con mucho los límites del mercado y la institución del arte; están en permanente diálogo con campos como la ciencia, la investigación tecnológica y la innovación empresarial, y es imposible pensar que podrían existir sin ellos. El modelo económico de la creación digital es básicamente el de una economía de servicios, sustentada sobre actividades presenciales (festivales, congresos) e iniciativas de docencia y producción (talleres, programas de investigación, plazas universitarias). La transferencia de objetos sigue teniendo dentro de ella una función marginal, algo que quizás ARCO debería reflejar ampliando su modelo de feria a estos agentes.

Pero además, por mucho que todas las partes implicadas, desde los artistas a los galeristas hagan un esfuerzo por olvidarlo, las características específicas de estos lenguajes ponen en crisis principios estructurales que son básicos en este mercado. Es difícil aplicar la economía de la escasez artificial a obras que existen sólo como software, un medio en el que conceptos como original, copia, y serie no tienen ningún sentido. Otras líneas de trabajo más objetuales, como instalaciones interactivas o proyectos de robótica, presentan otra serie de problemas. Acostumbrados a una relación con la tecnología relativamente estable y predecible, no solemos pensar que los proyectos realizados por los artistas que trabajan en este medio están más cerca en realidad del prototipo que del producto. Los creadores no son una industria, y carecen de sus procedimientos de estandarización y testeo intensivo. Así, en muchas ocasiones estas piezas son frágiles y de muy difícil mantenimiento.

A pesar de todo esto, y por encima de las dificultades, es innegable que cada vez son más los artistas procedentes de este ámbito que buscan su espacio en el mercado, atraídos por vías de financiación adicionales y por la legitimación que éste ofrece. La intención original de la dirección de la feria al crear hace una década ARCO electrónico -qué estos lenguajes acabasen encontrando su espacio entre galerías y coleccionistas- está más cerca que nunca de cumplirse. Resulta por eso inexplicable que la propia feria esté teniendo problemas para darse cuenta.

En una decisión sorprendente, el comité de selección de ARCO ha decidido dejar fuera de la feria a bitforms, la galería neoyorquina especializada en nuevos medios que más éxito ha logrado a nivel internacional encontrando estrategias para introducirlos en el espacio comercial. Después de varias ediciones con una presencia estable y de haber vendido piezas a colecciones como la del MUSAC de León, bitforms no estará este año en Madrid. El mensaje enviado resulta completamente contradictorio, y ARCO debería intentar no confundir las expectativas quienes trabajan en el circuito de los nuevos medios con actuaciones como esta. Incluir en el comité de selección de galerías a especialistas que conozcan bien el medio podría ser una vía.

La selección de participantes en Expanded Box 08 ha corrido a cargo de la comisaria y teórica Claudia Gianetti, una de las divulgadoras del media art en nuestro país más veteranas. Los proyectos escogidos se dividen entre los once vídeos monocanal del apartado Pantallas, y las nueve instalaciones de Stands. Sorprende la insistencia en seguir manteniendo el vídeo dentro del área dedicada a la difusión de los nuevos medios, como si el soporte tecnológico fuese razón suficiente para ello, a pesar de que se encuentra ya bien establecido en el circuito galerístico y no comparta la mayoría de las preocupaciones y códigos del arte digital. Las nueve intervenciones de Stands ofrecen una mirada transversal y heterogénea que abarca varias generaciones, nombres consolidados y referentes del medio, y se detiene especialmente en ámbitos emergentes que cada vez reciben más atención, como América Latina.

El más reconocido de los seleccionados es el chileno Alfredo Jaar, que presenta dos piezas de mediados de los ochenta en la galería española Oliva Arauna: Introduction to a Distant World, y la serie de cajas de luz Gold in the Morning, una reflexión sobre la grieta entre países desarrollados y en vías de desarrollo surgida a partir de una visita a una mina de oro en Arizona. Hosfest Gallerty (Nueva York) y la berlinesa DAM aportan dos nombres habituales en el circuito de los nuevos medios: los norteamericanos Jim Campbell y Casey Reas. Campbell es uno de los pioneros en el uso de la tecnología lumínica de los LEDs para traducir visualmente estructuras dinámicas de información. Wave Modulation Variation descompone imágenes en baja resolución transformadas en luz que obligan al espectador a reconstruir sus significados desde la memoria.
Casey Reas, por su parte, es conocido por ser uno de los creadores del lenguaje informático de programación para artistas Processing, un proyecto de enorme impacto en los últimos años en la escena de la creación digital y el diseño de interacción. El éxito de Processing ha eclipsado en buena medida su propia carrera artística, en la que explora la creación de sistemas generativos que evolucionan autónomamente. Su trabajo es deudor a partes iguales del estudio de sistemas orgánicos y de las estrategias conceptuales de Sol Lewitt. En Expanded Box presenta Ti, un sistema abstracto dinámico tan preciosista como el resto de su obra.

El país invitado de esta edición, Brasil, está representado por Rejane Cantón y por Lucas Bambozzi, uno de los nombres más activos de la escena latinoamericana del media art. En Expanded Box presenta Run>Routine, una videoinstalación que muestra aleatoriamente ”26 peligros de la vida doméstica”. Infinito al Cubo, el proyecto de Cantón, promete ser una de las piezas más llamativas de Expanded Box: un caleidoscopio móvil de tres metros de alto, con el que los visitantes pueden jugar introduciéndose en su interior.
La participación latinoamericana se completa con la instalación El Cazador, del cubano Carlos Garaicoa, y el software de composiciones tipográficas Text-Fields, del argentino afincado en Barcelona Ivan Marino. El músico y artista sonoro Jose Manuel Berenguer es el único representante nacional; su proyecto Luci es un sistema autónomo basado en el
comportamiento de las luciérnagas que evoluciona a partir de las alteraciones en la luz ambiental provocadas por los visitantes.


En la Sala de Control

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Publicado originalmente en El Cultural de El Mundo del 24 de Enero

A partir de los años cincuenta surge una nueva iconografía para identificar al poder. Salas oscuras y selladas al exterior, llenas de pantallas mostrando toda clase de datos, pobladas por analistas que filtran e interpretan la información que reciben en tiempo real. Casi siempre, un gran mapa del mundo lleno de luces parpadeantes preside la escena. Son las “salas de control” o “salas de situación”. Surgidas tras la segunda guerra mundial –el primer conflicto en que la interceptación de datos se convierte en un frente de batalla crucial– las salas de situación son hoy los puentes de mando de las estructuras militares, económicas y políticas.

Presentes en centrales nucleares o centros de control de tráfico, las salas de situación forman parte del imaginario popular heredado de la guerra fría. Algunas han sido escenario de momentos clave del siglo XX, como la que se encuentra en el sótano del ala oeste de la Casa Blanca, construida por Kennedy tras el fracaso de la invasión de Bahía de Cochinos. Otras son atracciones turísticas que pueden visitarse discretamente, como el Control de Misión del centro espacial Lyndon B. Johnson de la NASA (el “Houston” de “Houston, tenemos un problema”).

Situation Room, el proyecto ganador del primer premio Labjoven Experimenta que otorgan LABoral y el Instituto Asturiano de la Juventud, propone el despliegue de una sala de situación para la sociedad civil. La instalación cuenta con los elementos escénicos propios de estas arquitecturas –ordenadores en una gran mesa circular, proyecciones, dispositivos de control– y sus sistemas están diseñados para monitorizar un dominio específico: el territorio asturiano, y su realidad en el contexto global. En los dos meses que estará activa en una de las plataformas de LABoral serán los ciudadanos los que hagan el papel de analistas; los que decidirán en un proceso de trabajo permanente qué datos han de recabarse para mapear las dimensiones de una realidad compleja.

Desde su fundación en 2003 en pleno movimiento global de protestas contra la invasión de Irak, Hackitectura se han volcado en la creación de “medialabs temporales”, espacios efímeros de investigación en los que confluyen artistas, arquitectos, científicos o economistas para producir conocimiento de manera colaborativa y abierta.

Partiendo de las filosofías de trabajo del movimiento del software libre y a la ética hacker del “háztelo tú mismo”, el colectivo ha situado sus proyectos en ruinas urbanas de discurso futurista y en puntos calientes en el corazón de conflictos: la estación abandonada del AVE en la Expo 92 de Sevilla, la central nuclear desmantelada de la Siberia Extremeña, o un castillo del siglo X en Tarifa, desde el que establecieron una red inalámbrica de datos para conectar las dos orillas del estrecho.

Para Pablo de Soto, “el poder está en el control de los flujos, y hay espacios en estos flujos que suponen nodos, tanto a nivel práctico como simbólico. Nos gustan estos lugares que están poco estudiados, pero que cuentan el presente”. La sala de control no resulta ya tan turbia e intimidante en un momento en que, como apunta otro de sus miembros, José Pérez de Lama, “cada cual tiene hoy en casa su propio situation room entre internet, la TV y el resto de nuestras extensiones cyborg”. Pero quizás, como ha pasado ya con tantas otras tecnologías de origen militar, su aproximación a la sociedad civil puede generar retroalimentaciones fértiles e insospechadas.

Hackitectura.net

Tan arquitectos como activistas, los miembros de Hackitectura -Pablo de Soto, Sergio Moreno y José Pérez de Lama- desarrollan proyectos donde los espacios físicos convergen con capas dinámicas de información. Su primera instalación permanente será la ambiciosa wikiplaza, un espacio público dotado de interfaces digitales, parte del trabajo de la Plaza de las Libertades de Sevilla de MGM y Esther Pizarro.

Gracias a Maria por la foto.


Golan Levin: Opto-Isolator, (2007)

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Golan Levin expone hasta el próximo doce de diciembre en la galería Bitforms de Nueva York. En su primera exposición individual estrena cinco proyectos nuevos, entre los que destaca por encima de todos, Opto-Isolator, una instalación robótica que le da la vuelta a la relación entre obra de arte y espectador, porque es ella la que te mira a tí.
Una cámara detecta la mirada del visitante y la analiza, para modificar el comportamiento del ojo robot. Solamente con el movimiento de la esfera, el sistema es capaz de generar actitudes que identificamos como inequivocamente humanas. Si parpadeamos, ella parpadea un segundo más tarde; si la miramos demasiado tiempo, acaba desvíando su mirada.

Existe la sensación de un tiempo a esta parte de que la robótica vuelve con fuerza en el mundo del new media, revestida de una nueva sensibilidad más íntima y sutil que la de los artistas que se acercaron a ella a comienzos de los 90 (Bil Vorn, Chico McMurtrie). Opto-Isolator apunta a ideas y direcciones que estoy seguro vamos a seguir viendo en 2008.




Moveable Type: Los latidos del New York Times en tiempo real

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Publicado originalmente en El Cultural de El Mundo del 20 de Diciembre

En 1928, el New York Times instaló sobre la fachada de su sede en el corazón de Manhattan el ticker, un dispositivo mecánico que permitía mostrar a los peatones los titulares de las noticias que iban llegando a su redacción. Por primera vez, los flujos de información se convertían en arquitectura, en parte del paisaje urbano. Se trataba del primer paso hacía la avalancha de textos e imágenes en movimiento que caen hoy sobre los turistas en Times Square. Desde hace unas semanas, el ticker ha vuelto al mítico diario neoyorquino, reencarnado en una ambiciosa instalación que ocupa la entrada de su flamante nuevo edificio en la octava avenida.

Moveable Type, de Ben Rubin y Mark Hansen, es un retrato en tiempo real de una de las fábricas de información más influyentes del mundo, y de las pequeñas historias que se ocultan en su interior. Quinientas sesenta pequeñas pantallas, repartidas a ambos lados de un pasillo, reproducen una cascada interminable de frases que a los segundos se desvanecen. Proceden de los artículos que aparecen en el periódico de ese día, pero también de las búsquedas que realizan los usuarios de la web, y de los comentarios que dejan en sus historias. Para el visitante que se para frente a las pantallas es cómo leer un diario escrito en forma de monólogo interior joyceano, en que la actualidad del día empieza a revelarse lentamente a través de destellos y fogonazos de texto.

Hansen y Rubin han programado distintos algoritmos que recorren la base de datos del sistema informático del periódico para crear diferentes "escenas", paisajes de fragmentos de texto con estructuras similares. Algunas muestran todas las frases que arrancan con una cifra ("un disparo", "dos de sus abogados"), o las que empiezan con "yo" o "tú". En otras secuencias, podemos leer la primera frase del obituario o de la crónica de la boda de personajes que nunca llegamos a conocer.

Renzo Piano, el célebre arquitecto responsable del rascacielos, sugirió a los artistas que concibiesen el proyecto como si fuese una especie de organismo vivo que habitase en el edificio. El sistema reproduce el ritmo cíclico de una redacción, perezosa por las mañanas y cada vez más frenética a medida que va acercándose la hora del cierre. Por las noches, Moveable Type "sueña"; el ordenador búcea en el subconsciente del periódico, extrayendo textos de sus ciento cincuenta años de archivo relacionados de alguna manera con las noticias que han acaparado los titulares ese día.

La memoria del New York Times del siglo XX está presente también en los diferentes sonidos que emiten las pantallas. La percusión del teclear de las máquinas de escibir, el zumbido de los teletipos...la música perdida de las viejas redacciones de periódico, desaparecida cuando la maquinaria pesada con que se elaboraba las noticias fue sustituida por redes de ordenadores.

Para capturar pequeños fragmentos de historias personales en la marea de datos que genera diariamente el que es quizás el periódico más importante del mundo, los creadores de la instalación hacen uso del "data mining" (minado de datos), una técnica de análisis estadístico que permite descubrir y relacionar elementos comunes en una gran masa de información. En proyectos como We Feel Fine, de Jonathan Harris, el análisis informático de masas de datos como las entradas que se escriben diariamente en millones de blogs es la puerta de acceso a las confesiones íntimas expresadas anónimamente desde alguna parte de la Web. Otras obras cómo Ambiente de Estereo Realidad 4, de José Carlos Martinat y Enrique Mayorga (actualmente en exhibición en la exposición "Emergentes", del centro Laboral de Gijón) buscan a través de Google entre la la inmensidad inabarcable de la Red ideas y expresiones concretas basadas en el verbo "deber".

Para el crítico de los nuevos medios Lev Manovich, la forma cultural predominante del siglo XXI (la heredera de la novela y el cine como vehículo que servirá para retratar una época) será la base de datos. Generar y clasificar estas grandes masas de datos se ha convertido en una de las actividades principales de la ciencia, la economía y, desde el despegue de la Web, la sociedad civil.La instalación de Rubin y Hansen es una fascinante apuesta por un nuevo lenguaje que sirva para recorrerlas e interpretarlas.

Ben Rubin y Mark Hansen

Moveable Type es el producto más reciente de la fértil colaboración entre el artista neoyorquino Ben Rubin y el científico Mark Hansen, profesor de estadística en la universidad de UCLA y experto en redes de sensores medioambientales.
La colaboración entre ambos comenzó con Listening Post (2002), un hito de los proyectos artísticos basados en la representación dinámica de la información. En ella, un ordenador rastrea constantemente cientos de chats, foros y grupos de noticias en la Red para cazar retazos de comentarios y pensamientos, y verterlos sobre ristras de pequeñas pantallas de texto. El próximo año podrá verse en el Reina Sofía de Madrid.


Reactable

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La imagen no está mal. Dicen cosas de esto por aquí.


Cosas maravillosas olvidadas en cajones

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1. Rabbit está siendo la pieza del año en el circuito de festivales cine digital. Su realizador, el diseñador británico Run Wrake, es todo un veterano de la escena de los motion graphics inglesa tradiciónonedotzero, pero en más de quince años de trabajo nunca había recibido tanta atención como con este ejercicio de tipografía y estética entrañable.

2. Igual de popular está siendo la divertida Carlitopolis, de Luis Nieto. La pieza es prácticamente perfecta, sólo podría mejorar si fuese una performance en directo. Un trabajo de final de carrera para la escuela ENSAD francesa que muestra que el lenguaje de la magia sigue manteniendo su capacidad poética para asombrarnos y hacernos sonreir, incluso cuando renuncia al componente del misterio y del "cómo lo ha hecho".

3.Es difícil no haberse topado a lo largo de las últimas semanas con las imágenes del desfile de la colección para la primavera verano 2007 del inclasificable Hussein Chalayan; creo que no se las ha ahorrado ni un informativo. Chalayan, que interesa tanto en el mundo del arte como en el de la moda, había jugueteado anteriormente con la tecnología en proyectos como una falda ajustable que se adapta automáticamente a la forma del cuerpo, pero nada tan ambicioso como esto. Cinco trajes recorren la historia de la moda del Sigo XX, cambiando de forma en tiempo real sobre el cuerpo de la modelo; abriendo escotes, ensanchando el vuelo de las faldas, hasta recoger el vestido entero dentro de un sombrero. Hay que verlo para creerlo. (Resumen de dos minutos con los mejores momentos (Utube) | desfile completo (Utube)).

Lo más interesante, en mi modesta opinión, es que proyectos como este o como La Silla están cambiando la sensibilidad de la robótica como espacio artísitco, introduciendo una dimensión poética que es todo lo opuesto a la vieja estética-macho-mad-max que dominó el campo hace diez años.


Hoy y mañana en ArtFutura (06):
United Visual Artists, UVA

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Esta es la última entrada que escribo sobre la edición de ArtFutura de este año, y me he dejado lo mejor para el final. Cualquiera que siga lo que ocurre en la escena internacional de la creación digital se habrá topado en los últimos años una y otra vez con el nombre de United Visual Artists, o UVA a secas. Se dieron a conocer con su ambiciosa escenografía para la gira 100th Window de Massive Attack, en que utilizaban una gran pantalla de LEDs para crear composiciones de luz e imagen a partir de flujos de datos que extraían de la web, relacionados con la actualidad y la ciudad en la que estaban tocando: titulares de periódicos, información de llegadas y salidas al aeropuerto, fluctuaciones de la bolsa. Desde entonces se han convertido en unos de los máximos renovadores del espacio escénico, fundiendo iluminación, vídeo y flujos de datos en un lenguaje visual homogéneo.

UVA no han dejado de trabajar con un pie en el espacio comercial y otro en el circuito del arte. Han firmado diseño de escenarios para giras de Basement Jaxx, Kylie Minogue, y la famosa gira Vertigo de U2, además de seguir su estrecha colaboración con Massive Attack. Han firmado videoclips para Colder, pero también instalaciones para galerías, intervenciones en centros como el Victoria & Albert Museum y la Tate Modern, entre otros.

UVA estarán esta tarde a las 20:00 hablando en la sala central del Mercat de les Flors sobre su meteórica carrera en los últimos tres años. Pero además, y sobre todo, mañana a partir de las 00:00 estarán en el Espacio Movistar del Fórum presentando en España su propio espectáculo en directo. Estrenado en el ICA de Londres en 2005, UVA entienden este live como su espacio de investigación y desarrollo, en el que estrenan y testean las ideas que luego van a aplicar a proyectos futuros. Una intensa hora de datos, luz y sonido sobre LEDs que creo que realmente merecerá la pena.

Desde ahora mismo estoy encerrado hasta el próximo domingo en el Mercat de les Flors. Si pasáis por aquí, por favor no dejéis de saludar...


Bienal No, Arte todos los días

2710.06


Ayer se inauguró en Sevilla la segunda edición de su controvertida Bienal Internacional de Arte Contemporáneo. Una bienal de iniciativa privada pero fuertemente financiada con dinero público contra la que se ha posicionado una parte muy importante de la comunidad artística de la ciudad. Ayer ellos inauguraron también su serie de protestas contra la BIACS en el icono más reconocible de la ciudad.

Todo sobre las razones para decirle no a la BIACS en E-Sevilla.

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Arte Digital en Babelia

2510.06


Aunque han pasado ya varios días, veo que nadie en la web le ha dado demasiada importancia a la portada del suplemento cultural de El Pais del pasado sábado: con la excusa de ArtFutura 06, el tema central de apertura y hasta cuatro páginas de artículos dedicados al estado del arte digital en el panorama internacional de la creación y en España. Puede que me equivoque, pero es de las primeras veces en la prensa nacional que una sección de cultura (no de tecnología, de ocio o de tendencias) le dedica este nivel de atención al new media.

El especial tiene mucho que leer: un artículo a fondo de Roberta Bosco sobre el estado de la cuestión, una serie de perfiles de nombres claves como Jodi o Antoni Abad, junto a una entrevista con Rafael Lozano-Hemmer, el más exitoso de los artistas electrónicos de la esfera hispanohablante y otra con el galerista Pere Soldevilla. Finalmente, José Luis Brea escribe sobre la desmaterialización del arte que propician las tecnologías digitales, y hace un diagnóstico a fondo de la escena new media española (gracias por la mención, José Luis).

Desde el reciente relevo al frente de la sección de cultura de El País, es la tercera vez que el suplemento le dedica la portada a la cultura digital, tras los especiales sobre música electrónica y el futuro del libro en la Red. Nunca pensé que llegaría a decir esto, pero por mi que le den los suplementos culturales de todos los demás periódicos al redactor jefe de deportes.


Postcard Polaroid

2410.06


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1 tecnología muerta (polaroids) + 1 tecnología moribunda (correo postal) + 1 Blog = proyecto artístico. Postcard Polaroid. Otro ejemplo de blogart a la sombra de Postsecret.

Anteriormente: Little People | 99 Poems.

Vía k10k


Guía para celebrar el Otoño

1910.06


Está demostrado que el final de la primavera y el comienzo del otoño son las dos épocas de mayor concentración de actividad cultural. Las listas de correo se despiertan todas las mañanas rebosantes de convocatorias, y la avalancha de propuestas de interés de aquí a final de mes es desbordante. Es imposible estar al tanto de todo y acercarse a la mitad de las citas, pero mientras dure aprovechen. Además de las que ya hemos mencionado, nuestras recomendaciones para los próximos días incluyen:

# Eduardo Kac, uno de los nombres fundamentales en la escena del bioarte, padre del famoso conejo transgénico Alba, estará en el Caixaforum barcelonés el próximo 25 de octubre. También pasará por allí unos días antes Stan Douglas, uno de los grandes del videoarte.

# También en Barcelona, El festival de documental musical In Edit (28 Octubre- 2 Noviembre) viene este año más interesante que nunca. Highlights: Electroma, la película de Daft Punk, el homenaje documental a Leonard Cohen, “I’m your man”; “Awesome, I fuckin Shot That”, el innovador film de los Beastie Boys filmado por treinta miembros del público con cámaras Hi-8; “Everyone Stares:The Police Inside Out”, la película en que Stewart Copeland cuenta la intrahistoria de The Police con filmaciones caseras, y “Loud-Quiet-Loud”, sobre los dos últimos años de los Pixies (¿no debería ser “quiet-loud-quiet” más bien?)

# Mujeres y tecnología: En Castellón, el EACC inaugura mañana Cyberfem:Feminismos en el escenario electrónico. Como parte del proyecto, Anne Marie Schleiner estrena el día 21 la performance Riot Gear for Rollartista: machinima, myspace y patines. Y en Barcelona, el mismo día 21 en Hangar, Radiopaca+ Chicas Linux Brasil: El Software Libre es una cosa para Machos? Las Mujeres y el Software Libre .

# En Sevilla se inaugura en cosa de días la polémica segunda edición de su Bienal de Arte. Tremendamente criticada por la comunidad artística local, a pesar de ello cuenta con cosas en su programa que sin duda merecerán la pena, como las intervenciones de El Perro o la fotografía miniaturizante de Olivo Barbieri.

# Quien tenga tiempo y pueda aprovechar los vuelos low cost debería acercarse a Venecia antes de mediados de noviembre para ver la Bienal de Arquitectura de este año, que por lo que se ha podido seguir desde la distancia parece realmente excepcional. Ya es tarde para hacerse con entradas para el único concierto de Sufjan Stevens en España, el próximo 7 de noviembre en Barcelona. Los pringados sin entrada nos conformaremos con la crónica fascinada de David Byrne de uno de sus últimos shows.

# Y a quién no quiera salir de casa, desde hoy y hasta pasado mañana puede seguir en directo por streaming las presentaciones de Poptech, una de las conferencias más elitistas del circuito new media. El programa es apabullante: Brian Eno, Chris Anderson, Will Wright, Stewart Brand, The Yes Men, Bruce Sterling, Kevin Kelly...

Seguro que me estoy olvidando de muchas cosas. Se agradecen más sugerencias en los comentarios...


Cuenta Atrás para ArtFutura 06 (2):
Form Follows Data

1710.06


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Andrew Vande Moere es profesor en la universidad de Sidney, pero sobre todo es el editor de Information Aesthetics, uno de los lugares más fascinantes de la blogosfera. Todos los días su blog recoge nuevos ejemplos de cómo una nueva generación de artistas y diseñadores de la información se sumergen en las enormes masas de datos que pueblan nuestra sociedad y extraen de ellas verdades trascendentales, representándolas a través de interfaces tan sofisticados como inmediatos. Information Aesthetics crea adicción, porque leyéndolo uno tiene la impresión de que se está fraguando una nueva manera de contar historias que puede ser la única manera de despejar la complejidad del mundo confuso e interconectado en que vivimos.

Andrew Vande Moere iniciará el programa de conferencias de ArtFutura este año con una introducción a la ciencia y el arte de la visualización de datos. Este es su artículo en el catálogo del festival; es denso, pero merece la pena.

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La Forma Sigue a los Datos
Andrew Vande Moere, Information Aesthetics

En la sociedad de la información de hoy, las estructuras de datos se han vuelto cada vez más complejas en tamaño, dimensión, y dependencia del tiempo. De hecho, la complejidad actual de los datos es desbordante, y nuestra capacidad para recogerlos crece más rápido que nuestra capacidad para analizarlos.

La visualización de la información -la representación gráfica en vez de textual de los datos- intenta resolver este problema aprovechando el gran ancho de banda de las habilidades cognitivas y perceptivas humanas, para detectar patrones y extraer interferencias de la forma visual. Diseñando expresamente metáforas visuales, podemos ver como un conjunto de datos que habitualmente carecen de forma física, se convierten en elementos visuales fácilmente comprensibles.

Un conjunto de datos es en esencia una gran recopilación de variables numéricas y textuales, interconectadas por una compleja red de relaciones cargadas de significado. En analogía con la arquitectura, podriamos considerar que los datos son una materia prima que habita en una realidad “virtual.” Al igual que ocurre en nuestro mundo físico, esta materia necesita de diseñadores que les den forma, para integrarlas en un mundo habitable en que todos puedan extraer conocimiento de los flujos de información.

Siguiendo el principio de diseño de Louis Henry Sullivan que expone que “la forma sigue a la función,” podemos imaginar un principio similar en el que “la forma sigue a los datos,” que plantee el uso “arquitectónico” de los bits de datos como ladrillos virtuales. El buen diseño se vuelve un proceso en el que se exploran los principios formalistas más efectivos para el mapeado de datos, una investigación para traducir estéticamente las estructuras inherentes que se esconden dentro de los conjuntos de datos.

Diferentes paquetes de software especializados en la creación de objetos visuales e interactivos se han vuelto cada vez más asequibles, más fáciles de usar, y han obtenido el apoyo de mayores comunidades de usuarios. Características como la ejecución en tiempo real y la programación visual por objetos introducen nuevas perspectivas en el proceso de la programación informática, de manera que la ingeniería de software se vuelve extraordinariamente similar a los bocetos de un diseño. Los desarrolladores pueden llevar a cabo experimentos sobre la marcha, centrándose en los elementos conceptuales más que en cuestiones de configuración.

Mientras tanto, muchos conjuntos de datos se han vuelto cada vez más accesibles, relevantes e incluso se han puesto de moda. Proceden de un amplio espectro de fuentes(las redes sociales online, organizaciones no gubernamentales, leyes que garantizan el acceso a la información o filtraciones empresariales desafortunadas) y apelan a nuestra curiosidad y deseo de aprender.

Como consecuencia, toda una escuela paralela de desarrolladores de software, compuesta por jóvenes motivados, ha empezado recientemente a experimentar representando estos complejos conjuntos de datos de forma fascinante. Sin presiones institucionales o comerciales, sus trabajos muestran un entusiasmo, interés y destreza para abordar temas complejos que anteriormente estaban reservados a los investigadores académicos.

Las estrategias adoptadas a menudo destacan por su enfoque artístico y calidad estética visual. Demuestran que la visualización de la información se puede enriquecer aplicando los principios creativos del arte y el diseño, para así desarrollar representaciones de datos útiles que también apelan a la experiencia emocional de los usuarios, alejándose del habitual foco en la efectividad. Estos ejercicios demuestran que los límites de la visualización se puede ampliar para abarcar la estimulación de los otros sentidos - oído, olfato, tacto y gusto - que cuentan con un gran ancho de banda para transmitir experiencias sensoriales, y son capaces de provocar emoción y entendimiento.

Mientras que la generación de datos y el acceso a la información penetra cada vez más en nuestras vidas cotidianas a través de interfaces “siempre encendidas y siempre disponibles,” se necesitan enfoques novedosos de representación que tengan en cuenta la atención, la diversión y la curiosidad del usuario. Mientras las vallas electrónicas se vuelven tan grandes como las fachadas de los edificios y las pantallas tan pequeñas como joyas, el campo de la visualización representa una era emocionante en la que redefinamos lo que significa el acceso a la información.

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Ahora mismo / para Siempre

1310.06


yahootimecapsule.jpgLa Capsula de Tiempo de Yahoo es otro espectácular interfaz del artista de la visualización de datos Jonathan Harris para el gigante de Internet. Yahoo afirma que es el primer repositorio digital de imágenes e historias generado colectivamente que será preservado para el futuro en un museo, aunque algunos discuten que esto sea especialmente útil o ni siquiera verdad. En cualquier caso, si parece que será la primera cápsula del tiempo digital que en aras del dramatismo será transmitida al espacio en forma de rayo laser desde la cima de una pirámide azteca.

Más de Jonathan Harris en Elastico: We Feel Fine | Vorn | Yahoo Netrospective | Wordcount

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En el extremo opuesto, Breathing Earth representa en tiempo real los nacimientos, muertes y emisiones de CO2 a la atmósfera que se producen en cada segundo en todas partes del mundo.

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Cuenta Atrás para ArtFutura 06 (1): Data Aesthetics

1110.06


(Este artículo aparece en el catálogo de ArtFutura 2006 y resume alguna de las ideas detrás de la edición del festival de este año)

Estética de Datos / Data Aesthetics
José Luis de Vicente

¿Qué clase de imágenes resultan adecuadas para las necesidades de una sociedad de la información global e interconectada? Una sociedad que en todos sus ámbitos necesita representar más datos, más capas, niveles con más conexiones que la sociedad industrial que la precedió. En la que los sistemas complejos se han vuelto supercomplejos ; con una amplia disponibilidad de información en tiempo real procedente de servicios de noticias, redes de sensores, cámaras de vigilancia. Todo esto plantea nuevas exigencias a las imágenes que la cultura humana ha desarrollado hasta ahora, y en última instancia requiere la creación de un nuevo tipo de imágenes. Lev Manovich

Según el popular blogger Jason Kottke, las ediciones de los periódicos de todo el mundo lanzan a la calle diariamente más de 6000 terabytes de datos. El buscador de weblogs Technorati sigue las evoluciones de lo que escriben 54 millones de usuarios de bitácoras. Flickr, el célebre servicio de hospedaje de imágenes, ha acumulado en sólo dos años un archivo de doscientos millones de fotos, etiquetadas y clasificadas. Todos los días se suben 70.000 vídeos a Youtube. Google accede ya a casi 9000 millones de documentos y páginas web. Los enciclopedistas voluntarios de Wikipedia han escrito en cinco años un millón cuatrocientos mil artículos, multiplicando por quince la extensión de la Enciclopaedia Britannica....Estamos ahogándonos en información. Y no va a parar.

Los gigantes de Internet -eufóricos tras su resurrección 2.0- y las industrias de la informática y la electrónica de consumo nos bombardean con la idea de que nunca ha sido tan fácil generar contenido, distribuirlo, modificarlo y reelaborarlo. Etiquetas como “periodismo ciudadano”, “prosumers”, “medios participativos”, “user generated content” (contenido generado por los usuarios), inciden en el mensaje de que no se puede ser hoy un miembro productivo de la sociedad sin añadir nuestro grano a este Everest de bytes. ¿Sabemos como navegar este paísaje? ¿Tenemos estrategías para extraer un significado claro de todo este ruido?

Hace años que diferentes teóricos de los nuevos medios empezaron a forjar la idea de que la próxima forma cultural en ascendencia -sucesora de la novela y del largometraje- sería la base de datos.La dotaríamos de sentido a través del diseño de interfaces eficaces, y prácticando el “data mining”, la búsqueda de relaciones entre datos específicos que hagan emerger de la masa patrones de significado muy fuertes, que revelen realidades que permanecían escondidas en su interior. La manera en que estas ideas empiezan a permear las prácticas culturales se deja ver, por ejemplo, en “Freakonomics”, el besteller en el que el economista Steven Levitt estudia grandes masas de datos en apariencia triviales para determinar cúal es la relación entre el aborto y las tasas de criminalidad, o de qué manera el nombre de un niño determina sus posiblidades de éxito en la vida.

“Freakonomics” es probablemente el primer acercamiento al “data mining” desde la cultura pop. Y los indicios están en más sitios: bloggers como Adrian Holovaty y Robin Sloan hablan sobre la necesidad de una nueva clase de periodismo menos basado en contar hechos y más en relacionar datos, que pase “de destapar información oculta (como ocurrió en el Watergate) a rastrear la inmensa cantidad de datos públicos que existen para encontrar dentro de ellos patrones e historias de interés (como ocurrió en el caso Enron).”

Pero ¿cómo contar estas historias? Las masas de datos son estructuras tan complejas y vastas que quizás la mejor manera de hacer comprender a todo el mundo las relaciones entre sus elementos y de revelar los patrones de significado que ocultan no sea con palabras. Los mapas, las "tartas" estadísticas o las señales han sido formas tradicionales de dar una dimensión visual a las relaciones entre datos concretos y precisos. Pero desde que generamos y recopilamos más montañas de datos, y lo hacemos casi en tiempo real, necesitamos sistemas que los representen y muestren dinámicamente las respuestas que ocultan. Así ha nacido el arte y la ciencia de la visualización de datos.

La “Infovis” o “Datavis” es un campo interdisciplinar que toma técnicas de la estadística, del diseño de la información o de la matemática para crear sistemas de representación visual que muestren cómo evoluciona un flujo de datos en el tiempo. No es casualidad que algunos de sus mayores expertos trabajen en Wall Street, diseñando sistemas como “Map of the Market” (accesible en http://www.smartmoney.com/marketmap/); si hay un flujo de datos cuya evolución hay que comprender en cuestión de segundos y que tienen consecuencias trascendentales, son los valores de la bolsa. El vocabulario de esta disciplina científica empezó a ser asumido por diseñadores de interacción y artistas cuándo estos se dieron cuenta de que era idóneo para revelar verdades sobre sistemas económicos y políticos o para representar las dinámicas sociales en espacios complejos. Proyectos como el excepcional “They Rule” de Futurefarmers o “Listening Post”, de Ben Rubin se han convertido ya en los primeros clásicos del arte de la visualización de datos. La representación dinámica de flujos de información está teniendo también lugar sobre otras superficies: en la ciudad, en las grandes media fachadas que transforman los edificios en arquitectura en permanente cambio; en el diseño de espacios, donde la iluminación se empieza a hibridar con los sistemas de representación de datos.

La creación de una nueva clase de imágenes que permita interpretar de manera intuitiva toda esta complejidad y a modo de mapa, consiga que de esta masa de información extraigamos una comprensión profunda, es uno de los mayores desafíos que pueden abordar los creadores contemporaneos. Si a comienzos de los 90 William Gibson afirmaba respecto a las primeras exploraciones de la Red que “no hay mapas para estos territorios”, la era de la base de datos dicta que su trazado es una necesidad imperante.


Make It Small | Make It Big

310.06


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Izquierda: Little People: ”Pequeñas figuras pintadas a mano, abandonadas a su suerte en las calles de Londres”. Intervenciones efímeras en el espacio público + blog: buena fórmula.

Derecha: “Boy”, cinco metros de escultura hiperrealista de silicona y fibra de vidrio de Ron Mueck. Mueck comenzó trabajando en la industria de los efectos especiales antes de dar el salto al mundo del arte de la mano del supercoleccionista Charles Saatchi. Hasta el 8 de Octubre en la National Gallery de Edimburgo. Fotos: 1, 2.


La Televisión no lo Filma

310.06


Estos días os estamos recomendando que os descargueis La Televisión No Lo Filma, el libro que acaba de publicar en papel (y liberar en la Red) el colectivo sevillano Zemos98, como culminación del proyecto Más allá de la Televisión, la octava edición de su festival que tuvo lugar en Sevilla el pasado marzo. Admiro que partiendo de algo tan efímero como suele ser un festival, los Zemos sean capaz de alejarse del modelo de catálogo testimonial que suele valer como souvenir y para poco más, y aprovechen la excusa para financiar y producir volúmenes de pensamiento y reflexión llenos de buen material de la primera a la última página.

“La Televisión no lo Filma” (PDF) recopila visiones alternativas del medio desde todos los ámbitos: del activismo al arte a los proyectos comunitarios de carácter social, a las utopías políticas y tecnológicas que imaginan una televisión posible diferente, que no nos trate como una masa uniforme. En el libro, Laura Baigorri homenajea a Nam Jun Paik, José Luis Brea reclama una antitelevisión, Carles Amelier cuenta la historia de Video Nou (la primera televisión comunitaria creada en España en los 70), Juan Varela habla sobre la televisión que la Red nos traerá, y a mi me han dejado hablar sobre la fascinante historia de la conquista y colonización del espectro electromagnético, a raíz del proyecto Reclaim the Spectrum.

Más de Zemos98: Creación e Inteligencia Colectiva, 2005.

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Es una muy buena noticia el que cada vez sea menos necesario hablar de por qué hace falta liberar libros, y cada vez sea más fácil recomendar libros licenciados bajo Creative Commons, descargables a un enlace de distancia. Más: Copyleft, Manual de Uso, una magnífica introducción a la cultura libre editada por Traficantes de Sueños, con artículos por disciplinas de Jesús Gonzalez Barahona, Natxo Rodriguez, Javier de La Cueva o Eben Moglen, ente otros. Y no libre, pero si gratis: Too Perfect:Seven New Denmarks, catálogo de la exposición del pabellón danés en la bienal de arquitectura de Venecia exquisitamente diseñado por Bruce Mau. Y si has crecido en los 80, merece la pena echarle un ojo a la colección completa de Microhobby escaneada página a página; efecto Magdalena de Proust garantizado.

Vía Zemos98, Meneame, Pruned y Barrapunto


Un recorrido por la creación con Processing

1909.06


Mañana miércoles a las 19:30 estaré en Hangar, el centro de producción artística de Barcelona, hablando sobre las posibilidades del lenguaje de programación Processing como plataforma para la creación, y de la fértil y activa escena artística que se ha articulado alrededor de Processing.org. La conferencia forma parte del taller Primeros Pasos con Processing, pero todos los que queráis asistir estáis más que invitados.


Los vaivenes de la moda en el MOMA y la Tate Modern

1409.06


Atención, juego de agudeza visual. Encuentren las diferencias.

El Museum of Modern Art de Nueva York tiene una de las mejores colecciones de arte del Siglo XX que existen, visitada anualmente por millones de turistas de todo el mundo. Pero además, cuenta con un excelente departamento de cine y media que organiza exposiciones como la retrospectiva de 20 años de Pixar hace unos meses; el mejor departamento de arquitectura y diseño del panorama internacional, responsable por ejemplo de la excepcional exposición SAFE: Design Takes on Risk y la famosa On Site: Nueva Arquitectura en España que tanto juego nos dió para mirarnos el ombligo. Y regularmente abre espacios para encargar proyectos a los nombres más importantes en el circuito del arte contemporáneo. En los próximos meses, Doug Aitken, Jeff Wall, Eijaa Liisa Ahtila o Richard Serra.

En Londres, la Tate Modern -quizás el museo de arte contemporáneo con más éxito popular en los últimos años- tiene también una excepcional colección permanente de arte del siglo XX, con la que además se permite juguetear constantemente por medio de ideas como Tatetracks, una invitación a distintos músicos y grupos para que escriban temas sobre obras concretas de la colección; los primeros han sido Chemical Brothers. Pero además, también abre sus salas a los mejores artistas de hoy, como en estos días Pierre Hyughe. Tiene un programa de arte en la Red que apoya la producción de obras de artistas digitales de todo el mundo (la última, The Dumpster de Golan Levin). Y su programa de actividades ha hospedado recientemente, por ejemplo, conciertos de Carsten Nicolai o Rioji Ikeda. No hace falta decir nada de sus famosas intervenciones en la inmensa sala de Turbinas.

La colección de arte del siglo XX del Pompidou de Paris tiene más de cincuenta mil obras. Y no tienen el menor problema en combinar su exhibición con exposiciones de artistas contemporáneos, conciertos de músicos electrónicos o, como ocurrirá el próximo mes, una muestra del trabajo de Fabrica, el centro de producción e investigación de diseño y multimedia italiano financiado por Benetton.

Pero ayer Carmen Calvo anunció el cambio de dirección del Museo Reina Sofia de Madrid, en teoría el primer museo de arte contemporáneo de España.

...que sea un museo especializado en cubismo y arte español (del siglo XX). Picasso y Juan Gris son los artistas que citó para avalar la importancia del cubismo en el Reina Sofía. Una línea historicista que va abiertamente en contra de la emprendida por todos sus directores que siempre han querido, con más o menos voluntad y suerte, estar incluidos en el circuito de los centros de arte contemporáneos europeos. (...) “Me interesa más el museo que el centro de arte”, sentenció. (...) Calvo cree que el Reina Sofía debe dejar de «experimentar» y de ser una «galería de galerías de arte» porque su «camino es convertirse en un museo y poner en valor su colección». «Las compras de este museo tienen que ser de primer nivel porque para el arte contemporáneo ya están las galerías de arte».

Según Calvo, el Reina Sofía "no puede estar sometido a los vaivenes de la moda".

Tiene sentido, porque está claro que en Madrid se ha alcanzado la saturación absoluta de centros que atiendan a la creación contemporánea. Yo propondría que se ensanchen las puertas y se despejen algo más las salas para que se pueda incrementar el número de turistas que pueden desfilar por delante del “Gernika” por minuto. Y en la ampliación de Jean Nouvel, que tan poco le gusta a todo el mundo, pondría la tienda de souvenirs.

Qué tristeza, Dios mío. Qué dolor por Madrid. Qué estupideces dice -y hace- Carmen Calvo. Crisis de gobierno cuanto antes, por favor.


Primeros pasos con Processing en Barcelona

3008.06


El pasado mayo desde OFFF organizamos junto al centro de producción de arte Hangar de Barcelona un taller avanzado de creación con el lenguaje de programación para artistas Processing (Marius Watz y David Cuartielles hicieron unas fotos fantásticas que documentan lo que allí ocurrió). Gracias al interés que provocó, Hangar organiza ahora un taller gratuito de iniciación para los que quieran acercarse a Processing pero no sepan por dónde empezar:

El taller de Processing se dirige a qualquier persona que quiera iniciarse en la programación y también para programadores de nivel inicio-medio, que quieran aprender a trabajar con esta plataforma.Desde artistas multimedia y diseñadores o cualquiera que tenga interés en aprender la programación en un entorno para crear arte sonoro o visual, juegos y experiencias no convencionales para la web.

Primeros pasos con Processing será un taller intensivo de tardes durante una semana. Las sesiones se dividiran en una primera parte lectiva, muestra de proyectos (con algunos invitados)y trabajo individual o en grupo,ya sea en base a un proyecto en concreto o en ejercicios y trabajos propuestos. El objetivo del taller es que los asistentes conozcan una base de conocimientos de programación y el uso de Processing que les permita seguir trabajando con esta plataforma y sacar provecho de los ejemplos de codigo a las librerias.

El taller estará impartido por Joan Soler-Adillon, artista y profesor de artes y vídeo digital de la UPF. Para inscribirse, más información en la web de Hangar.

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Naked Web

1608.06


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Internet Soul Portraits son algunas de las webs más visitadas del mundo desnudas de texto e imágenes; reducidas a composiciones de cajas, columnas, y colores . Algo así cómo la traducción a la Red de las fotografías de Matt Siber en las que se eliminan todos los textos de las calles de la ciudad.

Un proyecto de Mark Callahan visto en Infosthetics.


Un retrato del Siglo XXI

1608.06


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El 23 de Abril de 2005, dos de los artistas contemporáneos más respetados del panorama internacional, el frances Phillipe Parreno y la leyenda del vídeo Douglas Gordon, pasaron el día en el Santiago Bernabeu viendo un Real Madrid - Villareal que acabó 2-1 y que debió ser probablemente bastante aburrido. No fueron solos: we llevaron un amplio equipo técnico y diecisiete cámaras de alta definición colocadas por todo el campo para seguir durante los 90 minutos de partido cada gesto y movimiento de un único jugador, Zinedine Zidane. Que nadie espere nada mínimamente parecido a una retransmisión deportiva: la película no muestra grandes pases ni goles, sólo primeros planos que componen un estudio de movimiento y gestualidad del icono que mejor podía representar todo lo de plástico que hay en el fútbol. El objetivo del proyecto queda bastante claro en su título: “Zidane, un retrato del Siglo XXI”.

El film, dirigido por los artistas Douglas Gordon y Philippe Parreno es un retrato de Zinedine Zidane, uno de los mejores futbolistas de la historia de este deporte. La película tiene la misma duración que un partido de fútbol: noventa minutos y está grabada en tiempo real por 17 cámaras Súper 35 mm y HD dispuestas alrededor del campo de fútbol. El resultado es una incomparable e imponente experiencia visual en la que se puede presenciar, además de todas las facetas de la estrella francesa, tanto la mente como el cuerpo de un atleta en acción, un insólito experimento en el que la cinematografía, la última tecnología audiovisual y el arte se dan la mano.

La tercera pata creativa del proyecto son los escoceses Mogwai, que firman la banda sonora. En España la película podrá verse el próximo 23 de septiembre en el MUSAC de León, que en sólo un año se ha convertido en uno de los centros más activos e interesantes del país.

Aunque a primera vista la idea resulta un tanto inusual para las trayectorias de ambos artistas, tiene puntos en común con un proyecto anterior de Gordon, quizás su mejor obra: el fabuloso “Feature Film”, una de las instalaciones de vídeo más emocionantes que yo haya visto, en la que una cámara sigue el rostro y las manos del director de una orquesta que está interpretando la banda sonora de “Vertigo” de Hitchcock, compuesta por Bernard Hermann.


Takagi

108.06


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Todo el mundo habla de Takagi Masakatsu. La revista RES lo incluyó este año en su clásica lista de diez nombres a seguir en el 2006; es uno de los nombres en el cartel de Globos Sonda, la exposición del MUSAC de León dedicada a los artistas jóvenes más destacados de la escena internaciional; y Apple le ha dedicado esta semana un perfil/publireportaje un poco vergonzante en la sección profesional de su web.

Takagi se considera músico y artista visual sin ningún orden preferente, y ha obtenido reconocimientos importantes en ambs campos. Pero lo que le está haciendo famoso sin duda son sus videopinturas, secuencias de imágenes rodadas en DV que transforma en explosiones de color y forma superimponiendo trazos y aplicando con generosidad filtros en la postproducción. Su trabajo tiene bastantes paralelismos con el de Jeremy Blake, aunque es menos pop y más bucólico.

Junto a su carrera cada vez más establecida en el mundo del arte, Masakatsu se ha convertido en uno de los realizadores de visuales para conciertos y videoclips más cotizados en japón, y ya firmado piezas para Ryoji Ikeda,David Sylvian, Sketch Show, o este jazzístico video para Cornelius:

Más: Galería de proyectos de Takagi Masakatsu en Apple.com | Instalación en la Byblios Art Gallery de Verona | Entrevista en Popjam | Exit / Delete: vídeo para David Sylvian

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Jugando con el tiempo: Will Wright y Brian Eno en conversación

3107.06


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Imagen de Zachary Paradis

Hace algo más de un mes, el pionero de la cultura digital Stewart Brand reunió sobre el escenario de un teatro de San Francisco a dos de las mentes más brillantes de esta época: Brian Eno y el diseñador de videojuegos Will Wright. La conversación giró sobre la fascinación que sienten ambos por las estrategias generativas y la creación de sistemas emergentes, algo que se deja sentir fuertemente en sus últimos proyectos. Tras publicar un disco de pop el año pasado, Eno se ha concentrado ahora en su proyecto 77 Million Paintings, un sistema de arte algorítmico que genera un flujo permanente de imágenes y sonidos y que tras haber girado por distintos paises como instalación / exposición, se publicará próximamente en forma de DVD-Rom interactivo. por su parte, Wright lleva casi dos años hablando y dando demostraciones públicas de "Spore", su nuevo título que promete reinventar por completo la manera en que los usuarios generan contenido para los videojuegos.

Cuando se publique "Spore" -casi lo único que todavía no se sabe sobre el proyecto-, muchos lo llamarán el "2001" o el "Ulises" de Wright; ese es su grado de ambición. Cada partida empieza en la escala microscópica, con seres unicelulares que luchan por evolucionar, y acaba con civilizaciones enteras que se lanzan a la conquista del espacio. En este proceso evolutivo a lo "potencias de diez", el juego va recorriendo todos los géneros clásicos, y si al principio comienza como un Pacman, en cada etapa de la evolución se convierte en un juego diferente, recorriendo diferentes estilos hasta terminar como un juego multijugador online donde recorreremos miles de mundos poblados por culturas distintas. Y estas culturas no habrán sido creadas por los programadores de Maxis ni vendrán "dentro de la caja" del juego. Serán el resultado de las decisiones y los procesos de evolución desencadenados por todos los jugadores de "Spore": el juego es en sí mismo una red distribuida que introduce en nuestro universo los mundos y personajes desarrollados por otros jugadores. En un cierto sentido, "Spore" es un experimento en procesos de creación colectiva cuyo resultado es difícil de predecir.

Stewart Brand resume en la Web de la Long Now Foundation algunos de los mejores momentos de la conversación, cuyo momento estrella fue una demostración de Spore a cargo de Will Wright a la que Eno puso música en tiempo real.

En los 70, ambos se engancharon a los sistemas de autómatas celulares como "El Juego de la Vida" de Conway, en el que unas pocas reglas sencillas pueden servir para crear una variedad infinita e impredecible de patrones dinámicos. Los autómatas celulares eran el ingrediente secreto de "Sim City". Eno se sintió igual de inspirado por "It's Gonna Rain", una pieza de Steve Reich en las que dos bucles de cinta idénticos de 1,8 segundos dan vuelas el uno sobre el otro fuera de fase durante 20 minutos. Esa idea le condujo a "Music for Airports", y así nació el género que él bautizó como Ambient.

Wright observó que la ciencia consiste en comprimir la realidad en un conjunto mínimo de reglas, pero la creación generativa circula precisamente en la dirección opuesta. Se trata de buscar una combinación del menor número de reglas que puedan generar todo un mundo complejo que te sorprenda, pero que permanezca dentro de un marco de referencia que lo haga reconocible. "No se trata tanto de diseño o ingeniería," dijo Wright, "como de jardinería. Se
trata de plantar semillas. Richard Dawkins dice que una semilla de Sauce sólo contiene en su interior unos 800K de datos".

Entre otras cosas, Eno y Wright hablan sobre qué clase de propiedad intelectual es posible en los sistemas generativos, por qué jugar un juego y tocar un instrumento comparten el mismo verbo en ingles, las formas en que escuchar música y jugar a videojuegos son actividades que alteran tu percepción del tiempo, y qué es lo que entendemos hoy por cultura.

La grabación en audio del evento está disponible en MP3 y Ogg Vorbis, y es imprescindible. No sólo de música viven los Ipods.

Otra buena crónica del evento | Will Wright presenta Spores en la Game Developers Conference 2006 (vídeo, una hora)

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Graffiti Research Lab: I+D para el arte urbano

1707.06


insignia.gifArmados con electrónica barata, pintura ferromagnética y mucho ingenio hacker, Graffiti Research Lab están investigando el futuro del arte urbano, cuando nos hayamos aburrido del stencil y el spray de pintura.
Desde su taller en el Eyebeam de Nueva York, los miembros de este colectivo desarrollan fórmulas asequibles y completamente open source para introducir en el espacio de las calles herramientas y lenguajes que proceden de la cultura digital.

Algunas de sus ideas son bastantes obvias, como los videograffitis: ¿para qué llenar las paredes con "tags" de pintura que gotea, cuando se pueden proyectar sobre una fachada con letras de dos metros de altura? Otros proyectos se apoyan en mucho más trabajo de investigación, como los Electrografs, stencils dibujados sobre pintura magnética que conduce electricidad, para poder insertar LEDs luminosos en las paredes.

El LED es de hecho la herramienta preferida de GRL; con ellos hacen firmas pixeladas de luz, esculturas de fibra de vídrio luminosa como Jesus 2.0, y su producto estrella, los LED throwies. Los throwies se montan con un LED, una pila de litio, y un imán; son baratos y fáciles de producir en grandes cantidades. Y sirven para fijar un punto de luz en cualquier superficie metálica, lanzándolo con fuerza. Parece una tontería, pero tiene grandes posibilidades: miren este impresionante vídeo en el que un grupo de fanáticos peligrosos ataca una escultura pública de Nueva York, arrojándole cientos de LED throwies hasta dejarla como un árbol de navidad.

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Cómo hacer un Electro-Graf: tutorial en vídeo | Cómo montar un LED Throwie: tutorial en vídeo | Grupo de Flickr de Graffiti Research Lab

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Graffiti Research Lab forma parte del Open Lab de Eyebeam, una interesantísima iniciativa de investigación artística más amplia , donde se liberan todos los contenidos que se generan. Literalmente,

El OpenLab de Eyebeam se dedica a la investigación y desarrollo en el dominio público. Nuestro trabajo se distribuye bajo licencias libres que permiten a otros artistas, ingenieros o hackers remezclarlos, añadir nuevas aportaciones y desarrollar nuevas ideas a partir de ellos. Más concretamente, todo nuestro código se liberabajo la GPL, nuestro contenido se distribuye bajo licencias Creative Commons, y nuestro hardware incluye los esquemas de diseño y montaje

El Sonido en Tus Manos

1207.06


hand2.jpgEsta semana se ha editado por fin en España Electroplankton, el "jardín sonoro" diseñado por Toshio Iwai para Nintendo DS. Lo vamos a celebrar con un par de fragmentos de la actuación de Iwai en el pasado Sónar, en la que los protagonistas fueron tanto Electroplankton como Tenori-On, su prototipo de instrumento electrónico para Yamaha que reinventa por completo el interfaz de los sintetizadores tradicionales.

Tras la actuación en Barcelona, el artista japonés ha iniciado el blog del Tenori-On para informar sobre el desarrollo del proyecto, aunque todavía no ha respondido de manera clara a la pregunta más frecuente: ¿Cuando se va a poder comprar, y cuanto va a costar? (por lo que yo sé, no antes de navidades del 2007, y puede ser que en torno a los 400 Euros).

Las próximas visitas de Iwai a Europa son la semana que viene en el festival Futuresonic de Manchester, donde volverá a actuar con el Tenori-On, y en Septiembre en Ars Electronica para presentar una nueva instalación, Morphovision .

Gracias por los vídeos a Rosa

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The Influencers

707.06


influencers.jpgSi estáis en Barcelona este fin de semana y buscáis un aire acondicionado en el que refugiaros, ayer comenzó en el CCCB la edición del 2006 de The Influencers, el festival de "entretenimiento radical" y acción mediática que organizan D-I-N-A y que ha reunido en su corta historia a expertos en subversión tecnológica y mediatica, y a los culture jammers más reconocidos y temidos como Adbusters, The Yes Men o el Reverendo Billy.

La edición de este año es tremendamente ecléctica; tengo curiosidad por ver cómo funcionan en el mismo programa una alineación de nombres tan distintos como el filósofo ciberdélico DJ Spooky, el padre del arte ASCII y apostol del net.art Vuk Cosik -a estos ya no llegan, porque hablaron ayer-, o las Chicks on Speed, que resulta que nunca han sido un grupo de electro sino

un proyecto artístico multidisciplinar que vuelca su actitud "Do-It-Yourself" no solamente a la música, sino también a las performances, al diseño de ropa, a un programa televisivo de televenta, a la realización de enormes collages, o a la gestión de un sello discográfico suicida (que desaparecerá con su décima publicación)
(Al proyecto artístico multidisciplinar Chicks on Speed, por cierto, le hicieron pasar recientemente un rato muy malo en un pueblo de Córdoba).

La recomendación ineludible en el programa de este año son sin embargo los italianos Molleindustria, un estudio de videojuegos políticos que denuncian en sus títulos los mecanismos del capitalismo global. Marta hablaba de ellos, entre muchos otros, en este fantástico artículo que siempre merece la pena rescatar.

Feliz fin de semana.

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El Mundial en ASCII

1506.06


asciiworld.jpg

------------------------------------------------------------- * HOW TO Access the ASCII stream with Telnet? -------------------------------------------------------------

Open a terminal and type:
your-host:~$ telnet ascii-wm.net 2006
press ENTER and enjoy the game!

-------------------------------------------------------------
* HOW TO find a terminal and telnet on my system ?
-------------------------------------------------------------

On Windows:

run 'cmd' (Press 'Windows-Key'-'R', type 'cmd' and ENTER)
or find the the command shell in your 'start' menu
on the command shell type:
your-host:~$ telnet ascii-wm.net 2006

On Mac OSX:

Find and run Terminal (in Applications/Utilities)
Now type into your terminal:
your-host:~$ telnet ascii-wm.net 2006

On *NIX:

I guess you should know how run telnet from a shell...

Todos los días, los partidos en directo. Lo que hay que hacer para hablar de fútbol en Elastico...

Gracias, Pedro


fijuu2 - 3D sound toy

3005.06


TEXTO: Marta Peirano
CAT: Arte

Fijuu2 es un videojuego diseñado para hacer música y visuales en tiempo real y no se parece a nada. Lo que ven en la imágen son tres elementos: un instrumento, una pista y un joystick desde el que se controlan los dos primeros. Hay seis instrumentos con los que jugar, cada uno de ellos diferente, en aspecto, sonido y comportamiento, a todos los demás. Algunos son especialmente apropiados para construir bajos y secuencias de rítmos. Otros son campos de fuerza que generan texturas sonoras. Todos flotan, bailan y se retuercen obedeciendo órdenes del jugador, que puede añadir efectos especiales de sonido, como NOISE o BOOST con los mandos del joystick. Todos los efectos son compatibles entre ellos y, cuando se usan, modifican por completo el aspecto del juego.

Julian ha subido un pequeño video en baja resolución a youtube.

Todos los sonidos se pueden grabar en las pistas de audio, que siguen tocando en un loop para construir una canción. Tanto la velocidad de cada pista como su volumen pueden ser modificados desde el joystick.

Fijuu2 es el último trabajo de Julian Oliver y Steven Pickles, la nueva versión patrocinada por el festival de arte y musica electrónica Cybersonica. Esta construido enteramente sobre software libre (Ogre3D, Blender, PD, VIM, Gimp, Inkscape y otros). Funciona sobre Linux y utiliza un joystick USB Logitech PS2 como interfaz. Hay un video mas limpio (40M, 4Min,Ogg Theora) para descargar desde el centro de descargas de selectparks. El formato se puede ver con VLC player, disponible para Linux, Windows y OSX.

Links: Fijuu2 | Screenshots | video en hires | Youtube | Cybersonica 06 Flickred

Reviews: Create Digital Music | Pixel Sumo | Rizhome | WNMNA (en chino!)

Mas Julian+Pix: q3apd | the quilted thought organ | q3apaint | acmipark (...)


We Feel Fine

2605.06


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Tengo pendiente desde el final del pasado OFFF escribir algo sobre We Feel Fine, el impresionante nuevo proyecto de Jonathan Harris que se presentó en público durante el primer día del festival y que fue con mucho de lo que más se habló en el CCCB durante esos días. Aunque medio mundo se ha hecho eco ya de él, todas las recomendaciones son pocas. We Feel Fine, como los trabajos anteriores de Harris, es un sistema de visualización de datos, y lo que pretende visualizar es cómo se siente la blogosfera en un momento determinado.

El sistema almacena todos los casos en que alguien emplea en una entrada de blog las frases I Feel ("me siento...") o We Feel ("nos sentimos"). Después, clasifica y cataloga los adjetivos que aparecen detrás del verbo: triste, alegre, satisfecho, cansado...Finalmente, las entradas se cruzan con otros datos, para añadir más perspectiva: el sexo y edad del autor del post, su ciudad de origen, incluso el tiempo que hacía en su ciudad en el momento en que escribió la entrada.

Con todos estos objetos, Jonathan Harris crea seis interfaces diferentes para navegar esta base de datos. Los más interesantes son los que permiten aislar los resultados asociados a un adjetivo concreto, para explorar todo lo que se ha escrito en miles de blogs relacionado con ese sentimiento. (El adjetivo más usado todos los días, por cierto, es siempre "mejor"). Pero el más impactante es probablemente el más sencillo, en el que vemos caer las frases extraídas de los blogs en cascada, una a una, y nos convertimos en espectadores de estas frases que a veces son banales, otras dramáticas, otras tiernas...aisladas de su contexto original, el efecto de estas frases sobre nosotros se multiplica, y las palabras se vuelven mucho más poderosas.

El problema de este trabajo, y de otros similares, es que crean una ilusión de validez científica que es obviamente falsa. El proyecto de Harris no tiene ningún valor estadístico, y será difícil que esta clase de herramientas lo tengan al menos hasta que los sistemas de procesamiento natural del lenguaje hayan mejorado y el software sea capaz de comprender mucho mejor qué quieren decir las frases que está analizando. En cualquier caso, lo importante de "We Feel Fine" es que se trata de uno de los primeros proyectos artísticos que se enfrentan a las inmensas implicaciones que tiene el que a través de My Space, Blogger, Movable Type, etc... estemos escribiendo una crónica colectiva de la experiencia humana sin precedentes comparables.

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Más ejemplos de data mining emocional en la blogosfera: The Dumpster, de Golan Levin - Visualizador de Rupturas sentimentales en blogs de adolescentes.

Otro enlace pendiente:Una conversación en We Make Money Not Art sobre OFFF, Sónar, Elastico, COPYFIGHT y más cosas.

(capturas de pantalla robadas impunemente a Gonzolog)


Ars Electronica Golden Nica 2006

2405.06


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Canal Accesible, de Antoni Abad - Golden Nica en Comunidades Digitales

Ars Electronica anunció ayer los proyectos vencedores este año en sus Golden Nica, los premios más antiguos, con más tradición y mejor dotados económicamente en el mundo de las artes digitales. No estoy demasiado seguro de que los Golden Nica sean indicativos de nada, ni que reflejen con fidelidad el estado de la creatividad digital en estos momentos, aunque es cierto que en sus últimas ediciones, los Nica han reconocido a tantos trabajos tan importantes (Wikipedia, They Rule, Can You See Me Now?, Carnivore, Listening Post) que su palmarés es probablemente lo más parecido que tengamos a una colección de clásicos esenciales del new media.

Aunque intentemos no hacer el forofo, de la lista de ganadores de 2006 hay que destacar el merecidísimo reconocimiento a la trayectoria de Antoni Abad que supone el Golden Nica en la categoría de Comunidades Digitales a su Canal Accesible. Desarrollado en el Centro de Arte Santa Monica de Barcelona entre diciembre y marzo de este año, -justo a la vez que teníamos instalado en la planta de arriba nuestro Punto de consulta Copyfight-, Canal Accesible utiliza la tecnología electrónica de consumo más frívola, los móviles con cámara, para dotar a una comunidad de maneras de representar su experiencia de la ciudad, para mejorarla. Durante tres meses, 40 personas discapacitadas fotografíaron con teléfonos móviles cada obstáculo que encuentran en las calles. Subiendo estas imágenes a un interfaz online por medio de mensajes multimedia, los participantes en Canal Accesible trazaron en internet la cartografía de la Barcelona inaccesible. El proyecto es la prolongación de trabajos anteriores en que Abad dotaba a miembros de otras comunidades sin voz (taxistas, putas, gitanos) de tecnologías móviles que les sirvieran para generar representaciones colectivas de sus realidades. Es la primera vez en dos décadas que el premio va a parar a un artista español.

Más allá del premio a Canal Accesible, las otras categorías muestran un panorama algo mustio. "The Messenger", de Paul de Marinis, vencedor en Arte Interactivo, es una nueva versión de un proyecto de 1998 intrigante en su plantamiento; Reg tiene más detalles. El premio de la categoría de Internet es para The Road Movie, un pequeño proyecto japonés que combina webcams, recortables, un viaje en autobús y hacks de Google Maps (no está mal).

Durante tres semanas, un autobús cargado de artistas recorrió Japón con un sistema de webcams instalado en las ventanillas que capturaban imágenes cada 5 segundos. A través de un interfaz basado en Google Maps, puedes acudir a cualquier punto de aquel recorrido y bajarte las imágenes que se tomaron en ese lugar...en forma de recortable; el sistema genera PDFs que después de imprimirse y tras usar tijeras y cola, se convierten en un modelo del autobús enseñando en sus ventanas las imágenes registradas por las webcams.
El proyecto es imaginativo y adorable (aunque en esta linea, impresiona más la pieza de Markus Kison que se pudo ver en Transmediale), pero es realmente poca cosa para una categoría que en los dos últimos años, por ejemplo, fue a parar a iniciativas como el lenguaje de programación para artistas Processing y el sistema de licencias Creative Commons.

Los otros Golden Nica gordos han ido a parar a pioneras de la música electroacústica y a cortos animados sobre caracoles digitales. Hay mucho más destacable en los segundos premios y menciones de honor; desde proyectos muy conocidos como Drawn de Zach Lieberman -presentado en los últimos meses en Madrid (Medialab) y Barcelona (OFFF)- hasta otros menos pulcros y más salvajes. Mi favorito es Un_Wiki, un Wiki construído automáticamente con todo lo que se rechaza y elimina de la Wikipedia.

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Mucha más información en El Blog de Ars Electronica, iniciado para la ocasión. Ya era hora.



Art Tech Media en Salamanca

2504.06


Mañana estaré en Salamanca participando en una de las mesas redondas de Art Tech Media, un congreso "distribuido" sobre arte y tecnología que está teniendo lugar desde hace unas semanas en diferentes museos de toda la geografía española. Será a las 19:00 en el DA2, y la conversación girará sobre la transición de la Realidad Virtual a la Realidad Aumentada. También estarán allí la periodista especializada en arte digital del Ciberpaís Roberta Bosco y el artista Jaime del Val, entre otros. Si quereis pasar, estáis invitados.


EXTEND - Taller de Processing con Casey Reas, Ben Fry, Marius Watz y Zachary Lieberman

1904.06


Barcelona, HANGAR - 8 al 12 de Mayo
Un Proyecto de HANGAR y OFFF con ocasión de OFFF06

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"Linkology", uno de los últimos proyectos en Processing de Ben Fry

Metido en pleno fregado de los preparativos de la próxima edición de OFFF en Barcelona, en menos de un mes, se me había pasado hablar aquí de una de sus actividades más interesantes y ambiciosas que arranca unos días antes de que comience el festival. EXTEND es un taller intensivo de una semana alrededor del lenguaje libre de programación de interactivos Processing, conducido por cuatro de los artistas internacionales más prestigiosos de su comunidad de usuarios: sus creadores, Casey Reas y Ben Fry, junto al artista algoritmico noruego Marius "Generator X" Watz y Zachary Lieberman, hijo adoptivo del Medialab Madrid y mano derecha de Golan Levin. La idea es que los participantes desarrollen junto a los artistas nuevos proyectos que se presentarán el último día de OFFF en el CCCB.

El único requisito para inscribirse en el taller es estar familiarizado con la programación en Processing, aunque no es necesario ser un experto (evidentemente, no se trata de un taller de iniciación). El precio es bastante testimonial, 50 Euros, y el plazo para inscribirse acaba el próximo lunes. Todos los detalles, aquí.


Satellite Jockey

1904.06


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El Brasileño Rick Silva es Satellite Jockey, el primer artista que hace visuales en directo con Google Earth como única herramienta. A veces recreándose en los detalles de los paisajes del mundo, otras haciendo zoom sobre las fotos por satélite hasta que los píxels las convierten en composiciones abstractas. No dejeis de ver los vídeos en su web (1, 2, quicktime).

Más interesantes ejercicios recientes con Google Earth: Dónde encontrar árboles con fruta fresca en las calles de Los Angeles / Enchufes disponibles en espacios públicos.

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Regine Debatty, de We Make Money Not Art, está realizando una selección de modificaciones y hacks de Google Earth y Google Maps para el Sónar de este año. Si teneis sugerencias o conoceis algún proyecto especialmente interesante, no dejeis de decírselo.


Reclamar el Espectro

604.06


José Luis de Vicente

Sacamos el móvil en plena calle y marcando unos números damos por supuesto que escucharemos la voz que estamos esperando oír. Encendemos la radio o la televisión y suponemos que al sintonizar una emisora podemos ver las noticias o escuchar el partido de fútbol. Si nuestro portátil nos avisa de que ha detectado una red inalámbrica, estaremos recogiendo nuestro correo segundos después. Y casi nunca nos hacemos más preguntas. Sólo cuando algo sale mal -nos falta cobertura, ha fallado un enlace de satélite o una tormenta bloquea la recepción- somos conscientes en que aquel mensaje, aquella llamada, debía llegar hasta nosotros en forma de onda de radio a través de alguna frecuencia del espectro electromagnético. A veces, perder esas ondas puede acabar siendo más molesto y problemático que perder una llave, o un avión.

Rara vez pensamos en lo que ocurre en el espacio radioeléctrico, a pesar de que seríamos incapaces de vivir sin él. Desde las rutas marítimas o aéreas hasta las previsiones meteorológicas, pasando por las cadenas de suministro de cualquier producto a los medios de comunicación, cada vez más cosas descansan sobre nuestra capacidad de hacer circular señales por ese espacio que se sitúa entre los tres Kiloherzios y los trescientos Gigaherzios. Un espacio que, al menos en teoría, es extremadamente escaso y precioso.

Si el espacio radioeléctrico es el suelo urbanizable de la sociedad de la información, la infraestructura que lo mantiene funcionando -desde las antenas que coronan los edificios más emblemáticos hasta los cientos de satélites en órbita- supone la obra de ingeniería más ambiciosa que haya desarrollado la humanidad. La historia de su conquista y colonización a lo largo del siglo XX es uno de los relatos más apasionantes que quedan por escribir

Más en Consumer.es


Edward Burtynsky en Barcelona

604.06


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El canadiense Edward Burtynsky debe ser probablemente el fotógrafo favorito de la blogosfera. Sus estremecedoras series de imágenes de desguaces de grandes barcos, vertederos de neumáticos, ríos de níquel y muchos otros rastros de nuestro paso por el mundo han sido enlazadas hasta la extenuidad en los últimos tres años. Probablemente porque cuando ves por primera vez una fotografía de Burtynsky nunca la vuelves a olvidar; y por su tremendo poder para explicar sin una sola palabra algo que todos intuimos - que tenemos que cambiar un millón de cosas en nuestra manera de tratar al planeta, y pronto, antes de que sea demasiado tarde.

La galería Toni Tàpies de Barcelona inaugura hoy la que creo que es la primera exposición de Edward Burtynsky en España, después de haberle representado en ARCO este año. Si esto ya es bueno, lo mejor es que la exposición de Barcelona es sólo una breve muestra de lo que se podrá ver en Madrid el próximo junio durante Photoespaña; el canadiense será uno de los grandes protagonistas del festival fotográfico con una exposición individual con más de treinta muestras de su trabajo.

Si hay algo que agradecerle a Edward Burtynsky, además de su excepcional obra, es que sea uno de los principales mecenas de Worldchanging, el mejor blog que puedes leer si te interesa la sostenibilidad, las fuentes alternativas de energía y todo lo que empieza a llamarse "la próxima revolución industrial". Worlchanging ha lanzado una campaña de recogida de fondos que está difundiendo en la red con este vídeo que muestra muchas de las mejores imágenes captadas por la cámara de Burtynsky.

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Reclaim the Spectrum | Sevilla, 13-19 Marzo. Festival Zemos98 8ª Edición

1103.06


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Un proyecto de José Luis de Vicente para Zemos98 [Octava Edición]
Con trabajos de Erich Berger, Julian Bleecker, Jonah Brucker-Cohen, Usman Haque, Anab Jain, Jill Magid y Michelle Teran.

caS Centro de Arte de Sevilla 13.19 de marzo
más info en http://www.zemos98.com/reclaimthespectrum

El espectro radioeléctrico -el espacio de señales electromagnéticas por el que circulan emisiones de radio y TV, señales de telefonía móvil y GPS, redes de Wifi- es el suelo urbanizable de la sociedad de la información. Su infraestructura invisible supone la mayor obra de ingeniería de la historia de la humanidad; su colonización y conquista a lo largo del siglo XX ha transformado radicalmente la construcción de la sociedad, la articulación de las ciudades y las relaciones entre individuos.

Y sin embargo, sabemos muy poco sobre el espectro. A pesar de ser un recurso supuestamente escaso y precioso, su regulación está raramente sometida a procesos de escrutinio público; su discusión no es una prioridad política. Los “señores del espectro” (militares, industrias de la radiodifusión, operadores de telecomunicaciones) disfrutan desde hace décadas del uso exclusivo de las frecuencias más útiles, mientras que es en las insuficientes frecuencias públicas donde se han producido algunas de las innovaciones socialmente más beneficiosas, como las redes WiFi. Cada vez son más las voces que piden que entendamos el sistema de frecuencias como espacio público, porque cada vez son más los procesos sociales que estamos sacando de las calles y trasladando a las ondas.

Artistas, diseñadores y activistas están siendo los primeros en decidir apropiarse del espacio hertziano para reelaborarlo y subvertir sus usos. En algunos casos, haciendo visible lo que ocurre en el dominio de las ondas,para mostrar cómo se difuminan en él las fronteras entre espacio público y privado. Otras veces, fomentando el uso de las redes inalámbricas para articular comunidades activas a su alrededor. Y en casi todos, mostrando como nuestro uso actual del espectro depende más de decisiones políticas y comerciales que del amplio alcance de sus posibilidades técnicas.

Entre el discurso utópico de los que piden unas tierras comunales de las ondas y los que subvierten y “hackean” dispositivos y protocolos de comunicación, los que reclaman el espectro están anticipando un debate político y social del que se privó al siglo XX, y que en el XXI es inaplazable.

Más en la Web de Reclaim the Spectrum


diseño y cultura, gato por liebre

1702.06


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A cuento de ARCO 2006 y de la fiebre por la arquitectura española que ha generado el evento del MOMA, me ha parecido más que relevante este artículo de Tomás Ruiz-Rivas: De cómo Madrid llegó a ser una capital sin museos de arte contemporáneo.

La fiebre de construcción de museos, incluida la ampliación del Reina Sofía en Madrid, firmada por Jean Nouvell, se conoce como efecto Guggenheim. Y hay varios factores concomitantes en este frenesí, que no son necesariante artísticos. Por una parte el edificio de vanguardia, firmado por un arquitecto de renombre, se ha convertido en un símbolo de la prosperidad de las ciudades españolas. El objetivo no es fomentar la creación artística desde la base, sino marcar el tejido urbano con un icono de modernidad y poder. También se ha constatado la capacidad de estos edificios para regenerar áreas deprimidas de las ciudades, impulsando un proceso de “gentrificación” que revitaliza la industria de la construcción y revaloriza el suelo. En el caso de Guggenheim éste era un objetivo expreso, como lo es en Forum Barcelona. En el caso del Reina Sofía no es expreso, pero sí evidente: Lavapiés ha sido cercado con centros culturales de alto presupuesto, y poco a poco la presión inmobiliaria irá expulsando a los vecinos de menor renta. Otro aspecto es sin duda el negocio directo de la construcción de los edificios. Se trata de obras muy caras, y me imagino que reciben recursos de fuentes muy variadas, incluidos fondos de la Unión. Esto ocurrió con los centros culturales de pueblos y pequeñas ciudades en los 80. La construcción se financiaba con recursos comunitarios y los contratistas eran locales. Como es de suponer luego no se dotaba un presupuesto para su funcionamiento, y con la tendencia privatizadora de los 90 muchos han acabado siendo, de hecho, bares. Pero debo decir que desconozco los detalles.

El Huevo, México D.F. 2004


El artículo de Tomás fue publicado hace dos años y lo he encontrado en la galeria de textos del "antimuseo" El Ojo Atómico. Se ha perdido algunas cosas, como la sorprendente recuperación de centros como MediaLabMadrid o el interesante aunque irregular programa de La Casa Encendida (dirigida, por cierto, por José Guirao, ex director del Reina Sofia) que todos esperamos produzca algun dia el mismo efecto expansivo que el CCCB en Barcelona. Pero, desde Mexico DF, hace un análisis certero del efecto que la intervención política ha tenido sobre el desarrollo cultural en España en general, en Madrid en particular. Especialmente dolorosa la evidente relación entre la privatización del suelo y la "barificación" del ídem y clarividente su comentario acerca de la sustitución del arte y la cultura por el diseño y la arquitectura de firma. Vistoso y no peligroso parece ser la marca de fábrica para un sector muy pequeño de la población que lamentablemente nos dirige.


Yo Me Acuso

1502.06


Rogelio López Cuenca

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Me acuso de tener conciencia de formar parte de un diálogo permanente con una inmensa herencia cultural precedente; de creer que toda obra de arte deriva de otras previas que forma con ellas un tejido, una red, así como con sus contemporáneas y con aquellas otras por venir.

(...)

Me acuso de indignarme ante las campañas de propaganda que recurren al tan popular mito del artista bohemio y sus penalidades como coartada para restringuir el acceso a las producciones culturales en un momento en que la tecnología permite su libre circulación e intercambio. Y me acuso de ver esta ofensiva como parte del proceso general de privatizaciones que exige el sistema de explotación capitalista globalizado: liquidación de todo tipo de bienes y servicios públicos, incluido -¡cómo no!- el conocimiento, reducido a mercancía, en beneficio de los propietarios y los intermediarios y a costa del empobrecimiento general.

Me acuso de creer que los grandes propietarios utilizan a los chicos como coartada para conservar sus privilegios; de creer que la inmensa mayoría de los artistas no obtiene beneficios del copyright -o que éstos son irrisorios- y que lo que aquí está en juego son las grandes ganancias generadas por la industria del ocio -el cine y la música comerciales: best sellers, hits, blockbusters, taquillazos... que de lo que en realidad se está hablando es del control por parte de las corporaciones del mercado de las comunicaciones. Un lienzo más del muro, de la verja, las vallas, las barreras de leyes que levantan por todas partes para mantener la chusma a raya y separar a los ricos de los pobres, a los solventes de los indeseables, y extender el campo de la exclusión.

Publicado en el último número de la revista Exit Express.
Más en Artesanía en Red; no tiene desperdicio

Muchísimas gracias, Julen.


La crítica del arte frente a los derechos de reproducción

1402.06


Es fácil hacer creer a algunos artistas que todo el mundo se aprovecha de ellos y que por eso deben cobrar indiscriminados “derechos de reproducción” de sus obras, como, supuestamente, harían los músicos y los escritores. Pero ya hemos visto que el asunto tiene muchos matices y que una concepción equivocada de la naturaleza de las artes visuales puede volverse en contra todos los subgrupos de este sector (y especialmente contra los artistas). Sólo las grandes empresas editoriales (casi todas extranjeras) y los creadores muy consagrados pueden obtener a corto plazo algunos beneficios con la aplicación “a ciegas” de los cánones por las reproducciones. Los artistas emergentes, sin excepción, tienen mucho interés en que sus obra se reproduzcan y se comenten todo lo posible, algo que no es factible si se mantienen las pretensiones mostradas últimamente por los agentes que operan en España.

Sería bueno que se supiese, al menos, a quiénes, y con qué cifras, está favoreciendo la situación actual. ¿Cuánto dinero va a qué artistas y cuánto a los aparatos burocráticos de las agencias? Es doloroso tener que reconocerlo abiertamente, pero somos muchos los que pensamos que VEGAP (un ente surgido con el loable deseo de velar por los intereses legítimos de los creadores visuales) es, en estos momentos, una de las peores amenazas para el desarrollo de la crítica y de la historia del arte. Ojalá se imponga el buen sentido y los debates actuales sirvan para que sus directivos y algunos de sus socios más candorosos recuperen la razón.

Durante el último año, el catedrático de Arte Juan Antonio Ramirez ha explicado reiteradamente de qué forma los procedimientos de las entidades de gestión de derechos, especialmente de VEGAP, están perjudicando seriamente la investigación académica y poniendo en peligro la publicación de libros especializados sobre arte en los que, evidentemente, es necesario incluir reproducciones de la obra. Las denuncias de Ramirez han puesto tremendamente nerviosos tanto a VEGAP como a otros estamentos de la estructura artística española; al fin y al cabo, no es lo mismo que te llamen reaccionario un grupo de activistas copyleft que uno de los catedráticos de arte más veteranos y respetados del país. Tras el Manifiesto de Soria, un texto de denuncia que inquietó tanto a VEGAP cómo para hacerles meter deprisa y con calzador una respuesta en la portada de su web, Ramirez publicó un artículo en la revista Lápiz que fue la base de su conferencia en COPYFIGHT hace dos semanas. Contraindicaciones reproduce ahora el texto completo.

Ramirez ha publicado además en el último número de la revista Exit otro texto con el gráfico título de "Los Verdaderos Enemigos de los Derechos de Autor". No he encontrado el texto; si alguien lo tiene, agradeceríamos un enlace.

Vía Barrapunto
Más en Contraindicaciones.


Robots autodestructivos en Madrid

1402.06


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Shockbot Corejulio, del grupo austriaco 5 Voltcore, es un robot con problemas. Igual que esos perros que no pueden dejar de rascarse el cuello, Cornelio es un antiguo 486 con un brazo articulado que no deja de hurgarse en la tarjeta gráfica. Cada vez que el brazo desciende y toca los contactos de la tarjeta, se generan errores de vídeo que llenan el monitor de composiciones aleatorias de cuadros y líneas de colores. Cada dos segundos hay una composición nueva; nunca hay dos iguales.

Shockbot Corejulio fue el proyecto vencedor en la Transmediale 2005 y forma parte de Condición Postmedia, una de las tres exposiciones que pueden verse en el Centro Conde Duque de Madrid hasta el 16 de abril, como parte del año austriaco de ARCO. Recomiendo a los madrileños que administren sus visitas al Conde Duque y no intenten verlo todo en un día; hay mucho interesante, y lo disfrutarán más poco a poco.

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Madrid Abierto 06: Speak here!

1002.06


TEXTO: Marta Peirano
CAT: Arte

SPEAKHERE.jpgBasado (de aquella manera) en la Speakers Corner londinense, un nodo histórico por la libertad de expresión situado en la esquina noreste de Hide Park, Speakhere! es un cordón umbilical entre la ciudad y el parque del Retiro. Un micrófono situado en la calle Alcalá, frente al Círculo de Bellas Artes, retransmite en tiempo real cualquier manifestación de los viandantes a un altavoz receptor que sorprende a los visitantes del Parque del Buen Retiro.

Este circuito cerrado de sonido de Nicole Cousino y Chris Vecchio no sólo devuelve el derecho del ciudadano al anonimato público sino que consigue separar al manifestante de su mensaje y a la audiencia de su contexto, aislando de manera premeditada la información de cualquier otro elemento disuasorio o distractor. Como en los comentarios, mismamente.


Madrid abierto 06: Accidentes urbanos

1002.06


TEXTO: Marta Peirano
CAT: Arte

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Accidentes Urbanos no es una instalación sino una intervención artística que quiere devolver significado a la relación entre el ciudadano y su propia ciudad, una relación que hace tiempo se ha visto maquinizada por la costumbre, las prisas, la superposición indistinguible de ruidos, olores, personas y miles de aparatos visuales que exigen inmediata atención. Para conseguirlo, las argentinas Virginia Corda y María Paula Doberti detienen el tiempo en el espacio para crear una memoria de lo vivido, registrando pequeños "accidentes urbanos" causados por la interacción diaria de los habitantes del espacio público. El accidente señalado es la memoria, la historia del lugar donde se habita, en donde el transeúnte participa de sus particularidades.

Me gusta especialmente porque me recuerda a la ciudad situacionista de Debord y los principios de la Internacional Letrista: el arte del futuro será el derrocamiento de las situaciones o no será.


Madrid abierto 06: PULSING PATH

1002.06


TEXTO: Marta Peirano
CAT: Arte

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Dicen que la identidad de las ciudades tiene mucho que ver con la luz y es bien cierto que aquellos rincones que conocemos de dia nos son extraños de noche y también al revés. Cuando era pequeña, mi navegación en el barrio de Malasaña era estrictamente nocturno y las calles por las que serpenteaba sin problemas de noche me eran ajenas de dia.

Pulsing Path de Gustav Hellberg hackea literalmente la iluminación del bulevar central del paseo del Prado, entre la plaza de Cánovas del Castillo y la Fuente de Apolo, creando en el paseante una sensación de incertidumbre. Esta sensación se alimenta, por supuesto, en la cotidianeidad y la confianza. Nosotros caminamos por la calle sabiendo -confiando- que la luz existirña para guiar nuestros pasos y será siempre la misma.

La certidumbre de seguir el camino y ver una dirección clara -explica su autor- puede disolverse. Como bien sabe el gato de Cheshire de la novela de Lewis Carroll Alicia en el País de las Maravillas, el camino normalmente iluminado por el alumbrado callejero desaparece de nuestro campo visual tan sólo para volver de pronto, tan resplandeciente como siempre.

"En esa dirección, – dijo el Gato, trazando un círculo con la zarpa derecha – vive un Sombrerero. Y en esa dirección – añadió, dibujando otro con la izquierda – vive una Liebre de Marzo. Visita al que quieras: los dos están locos.”


MAdrid abierto 06: post-it!

1002.06


TEXTO: Marta Peirano
CAT: Arte

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Hace unos dias me contaba JL que Madrid está despertando de su largo sueño y empieza a mostrar síntomas de entusiasmo artístico. No sólo por La Casa Encendida y el Medialab, sino también por los grandes. Para empezar, ARCO se ha recongraciado con el arte digital y las intervenciones públicas. Y el Círculo de Bellas Artes, la Casa de América y el Palacio de Comunicaciones de Madrid lucen unos cuantos post-it tamaño Godzilla. Son la colaboraciíon de Chus Garcia Fraile para la tercera edición de Madrid Abierto.

De las 600 obras propuestas, el jurado de Madrid Abierto -presidido por Rosina Gómez Baeza, directora de ARCO- se ha quedado con diez, que se pueden ver hasta el dia 26 en el eje del paseo de Recoletos, Prado y Castellana. Si alguna vez se han asomado a la Feria del Libro Antiguo y de Ocasión, ya saben dónde es.

La obra de Chus es posiblemente la más llamativa, porque asalta de manera muy gráfica tres edificios representativos del paisaje urbano en el centro neurálgico de la ciudad. Su propósito es, si no lo he entendido mal, recordar a los transeúntes la cantidad de pavadas que hacen a lo largo del dia y ayudarles a reflexionar sobre sus necesidades diarias, especialmente las consumistas. En otra ocasión Chus describió su trabajo como un proceso de atención a lo cotidiano y corriente ejemplificando en lo próximo y común con contenidos relacionados con el consumo de masas. Quizá en algún tiempo esos post-it puedan crecer y crecer hasta alcanzar proyectos más atrevidos, como Beautiful City Billboard Fee en Toronto o Delete! en Viena, dos proyectos que cubrieron los anuncios de la ciudad para recordar al visitante a qué sabe el silencio visual.


transmediale.06: Markus Kison

702.06


TEXTO: Marta Peirano
CAT: Arte
markus_kison.jpg


Este año el jurado de transmediale ha decidido romper con la línea de trabajos aparatosos con grandes pantallas interactivas y multimedia circense y han seleccionado piezas muy minimales y de mucho -cómo decirlo- mucho concepto. Aunque no me llamó demasiado la atención ayer, lo cierto es que la pieza de Marcus Kisun es especialmente bonita. No me llamó la atención porque los organizadores de transmediale decidieron castigarla en un rincón oscuro junto a la puerta del baño y sólo la ves cuando la naturaleza llama.


Roermod-Ecke-Schönhauser
es una instalación con maquetas, espejos y cámaras. Kisun tiene cuatro cámaras lanzando video en streamming desde cuatro puntos de la ciudad. Usando los videos capturados, ha modelado los edificios que las cámaras están mirando con una impresora 3D, ha dispuesto las cuatro maquetas blancas a modo de escenario y dirigido una proyección de las mismas cámaras sobre los mismos espacios representados con ayuda de cuatro espejos redireccionados. No sé si me explico. El resultado es sutil pero extrañamente conmovedor e hipnótico, a medio camino entre una película muda de esas de Chaplin y Keaton que parece que son de risa pero te comen el alma y una casa de muñecas extraña y aterradora.

Es importante recordar que todo lo que ocurre tiene lugar en alguna parte de la ciudad, lejos de allí. Para entenderlo, lo mejor es ver los videos, uno y dos.

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Transmediale.06 - GWEI -Google will eat itself

702.06


TEXTO: Marta Peirano
CAT: Arte

google-will-eat-itself.jpgEsta tarde Mañana dan los resultados de los premios de este año en transmediale. Y aquí estamos todos cruzando los dedos por GWEI (Google Will Eat Itself), un proyecto maravilloso que pretende comprar Google a través de sus propios anuncios en una red de páginas secretas. Antonio ya lo contó hace tiempo y me recuerda al video del Museum of Media History y al pequeño proyecto de Tsila Hassine, Schmoogle, que coge el ranking de Google y lo pone cabezabajo. Porque el sistema jerárquico de Google se parece más a la realidad de lo que debería, haciendo que los diez primeros resultados sigan siendo los diez primeros por la sencilla razón de que ya lo son. Ya me entienden. Hassine ha modificado el buscador de manera que, por una vez, los últimos sean los primeros y los olvidados de la Red recuperen su relevancia.

¿Alguien ha visto The world according to Google, el programa de la BBC 2? ¿Se puede descargar?


Nam June Paik 1932-2006

3001.06


njp_rip.jpgMe entero por José Vicente, porque todavía los periódicos no se han dado por aludidos: ha muerto Nam June Paik. La mayoría de las crónicas se limitarán a soltar una nota sobre la desaparición de "el padre del videoarte", pero era muchísimo más que eso (cómo si fuese poco). Paik fue el primer hacker que operó subvirtiendo la tecnología mediática desde el arte; en sus distintas etapas y desde diferentes formatos se adentró en la robótica o en la estética del error y el glitch; desdibujó los límites entre imagen en movimiento y luz; construyó nuevas herramientas lúdicas interactivas que relacionaban imagen y sonido de maneras hasta entonces inéditas, como en sus famosos videochelos, y fue de los primeros en trabajar sobre el espectro electromagnético; (su Magnet TV casi parece un ejercicio de Critical Design de la escuela de Anthony Dunne y Fiona Raby). Fue un peremne optimista al que entusiasmaban los hallazgos deslumbrantes que surgían al explorar un medio sobre el que nadie sabía todavía demasiada cosa.

El otro día comentaba con alguien cómo, contra todo pronóstico, la obra de Paik había aguantado perfectamente el paso del tiempo y ahora podemos leerla de maneras que van más allá de los tópicos "padre del vídeo" / "artista por excelencia de la era de la TV". Ahora que no está más nosotros, estoy seguro de que Paik ocupará el lugar que merece como el gran anticipador de las estrategías artísticas basadas en forzar a la tecnología a hacer lo que sus diseñadores nunca imaginaron.


Daniel Shiffman: The nature of code

1901.06


TEXTO: Marta Peirano
CAT: Arte

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Daniel Shiffman está revisando The Nature of Code, su manual de programación para crear entornos orgánicos o, en otras palabras, recrear la naturaleza. La primera edición -Random Numbers, Probability, Perlin Noise ya está disponible en su web.

via Rhizome


Del barco de Chanquete no nos moverán (remix)

1801.06


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Seguimos con intervenciones populares en el espacio público y la forma estética en que lo reconfiguran. Imposible no reconocer que el arte del letrero es, en ciertas y cargadas manos, la mejor forma de disolver las piedras en pura distancia, extrañamiento, pitorreo. Salamanca se torna de repente tablas para una farsa en la que danzan Unamuno, legajos viejos, y una identidad castellana construida por los amos del calabozo y la fosa. Brecht y su Verfremdungseffekt reencárnanse en una obra en la que los actores son tan malos y maltratan tan cruelmente su papel que uno parece rodeado de aficionados farfullando entre cartón piedra. La cita convertida en cínico pastiche y la pérdida de cualquier sentido significativo de la historia danse la mano para este momento perfectamente posmoderno. El presente.

Otro día, cuando ya toque, volveremos al cierre de la Semana Santa sevillana y el ya mencionado, necesario y anhelado ataque comanche durante el paso del río Quema.

Foto hallada gracias a Wendell, y gracias a Warein, tenemos esta imagen en la que se ve el cartel en todo su esplendor...


Deadstown

812.05


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Arte conceptual y fotos de escenarios de Corpse Bride, dirigida por Tim Burton, pergreñados por Neil Ross. Gracias, Ward.


Sketchpad

1910.05


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Un proyecto en construcción de James Tindall.

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Garabatos, mosaicos y bocetos colectivos

1810.05


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Marcos D nos manda este interesante experimento que ha programado: garabatos generativos que evolucionan hacía una apariencia determinada en función de los votos de los visitantes de la web. Filtrado colaborativo y un interfaz tipo "Am I Hot or Not" se combinan en algo que casí podríamos llamar arte algorítmico colectivo.

No es el único ejemplo. Las primeros aplicaciones estrictamente artísticas que se están desarrollando en los márgenes de la Web 2.0 tienen que ver precisamente con esto: generar diferentes imágenes a partir de las interacciones simultáneas de muchos usuarios. En realidad no es nada nuevo, pero gracias a AJAX, ahora resulta más fácil de hacer que nunca.

Pixel Group es una rejilla cuadriculada sobre la que podemos dibujar a la vez que lo hacen muchos otros usuarios. El sistema captura un fotograma cada minuto para generar una película animada de los dibujos de cada día. Pixelfest es una aplicación parecida, aunque te ofrece más posibilidades (puedes utilizar colores) a la vez que limita las posibilidades de intervención de cada usuario para que el resultado sea verdaderamente colectivo: sólo un pixel por persona y día.

Pero Swarmsketch es con mucho el más interesante. Cada semana se escoge un término popular en Google (esta semana, por ejemplo, "gripe aviar" para representarlo en el dibujo. Cada visitante sólo puede dibujar 100 píxeles en un unico trazo y sin levantar el ratón. Una vez dibujado, todo los usuarios pueden votar para decidir que lineas deberían ser más visibles, y cuáles menos.


Para todas las estaciones

2008.05


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Este maravilloso ejercicio de poesía dinámica interactiva es obra de Andreas Muller, programador del célebre estudio de diseño web Hi-ReS! y responsable de Hahakid, su colección de pequeños experimentos en interacción. "For all Seasons" recibió este año el gran premio del jurado del Tokyo Type Directors Club, y es otra página más del libro de las tipografías expresivas. Sé que en los tiempos que corren bajarse un ejecutable de un desconocido es un suicidio, pero créanme, merece la pena y Andreas es un tipo de fiar.

Con esto, y con su permiso, servidor se despide por el resto del mes de agosto. Me voy a una isla en la que espero encontrar otra estación que no sea este otoño extraño que se ha posado sobre Barcelona. El 2 de septiembre vuelvo para empezar a mandar postales desde Linz; será otro año más hora de Ars Electronica.

For All Seasons - Windows (Zip, 155Kb)
For All Seasons - OS X (Zip, 303Kb. Versión alpha, puede que no esa estable en todas las máquinas).


Banksy en el Muro de la Verguenza

1108.05


ladderboy.jpgEl Gobierno Israelí está contruyendo un muro que rodea los territorios palestinos ocupados. Tiene tres veces la altura del muro de Berlín, y acabará prolongándose por 700 kilómetros - La distancia entre Londres y Zurich. Bajo la legislación internacional el muro es ilegal, y convierte a Palestina en la Prisión más grande del mundo. También es el lugar de vacaciones definitivo para los que pintamos Graffitis

Banksy, el artista con identidad secreta más famoso del mundo, la mayor leyenda internacional del Graffiti y maestro en colársela a los mayores museos, ha estado en Palestina pintando sobre el muro de la verguenza. Nueve imágenes distintas que a pesar de no ser abiertamente políticas denuncian la profunda inmoralidad de la construcción de Sharon.

No a todos los palestinos les ha gustado la intervención de Banksy, sin embargo.

[Banksy, por cierto, es entrevistado en el Wired de este mes dentro de un número absolutamente espectacular, el mejor en la historia de la revista desde ni se sabe. Excelente lectura de playa]


U2 y la arquitectura del Pixel

1108.05


U2.jpgEl pasado domingo fui uno de los ochenta y tantos mil espectadores que estuvieron viendo el arranque de la gira española de U2 en el Camp Nou. Sobre el espectáculo musical no diré nada porque ya no queda nada por decir (prensa, blogs) y además estoy incapacitado para el cinismo, algo que parece obligatorio estos días si hablamos de U2. De lo que quería hablar era del otro espectáculo, el diseñado y dirigido por el iluminador Willie Williams, el mago de Oz que se esconde detrás de la cortina multimedia de Bono.

Adores o aborrezcas a U2, lo que se ha podido ver en estos dias en Barcelona y San Sebastián y hoy en Madrid es todo un hito para entender la evolución de las artes escénicas de masas en el futuro; de cómo combinar imagen en movimiento filmada, animada o procesada en directo, con ejercicios de interacción, textos, espacio y luz, para crear un nuevo lenguaje del escenario para la era de la realidad aumentada. Tan deudor de Baudrillard y William Gibson como de Jenny Holzer o de los artistas de la escena contemporánea del audiovisual en directo.

El escenario del Vertigo Tour se articula alrededor de una inmensa cortina de cuentas de nueve metros de alto, formada por LEDs luminosos. En total, más de doce mil píxels que pueden adquirir cualquier color y combinarse para mostrar cualquier imagen; redefinir sus dimensiones o partirse en tantas pantallas distintas como sea necesario. Según Willie Williams, su intención era borrar los límites entre iluminación tradicional y proyecciones de vídeo, pero lo que consigue es mucho más: romper las divisiones entre la arquitectura y la imagen, entre la pantalla y el escenario, hasta el punto en el que te planteas en cual de los dos espacios está transcurriendo el concierto realmente. Los músicos sobre el escenario, a pesar de su presencia, no pueden competir con sus propias imágenes reconstruidas por los LEDs, cambiando de color, de resolución y de textura todo el tiempo, flotando en la oscuridad del estadio de manera fantasmal.

El "arma secreta" del Vertigo Tour son los ingleses UVA, el estudio británico que trabajando con LEDs y feeds de datos empezó a cambiar el lenguaje del escenario en el mundo del Rock desdesus colaboraciones con Massive Attack.. UVA han escrito el software que controla todo el sistema, y han programado dos pequeños ejercicios de interacción con el público en el estadio. El primero es tonto pero efectivo: la posibilidad de enviar tu nombre por SMS y que aparezca en la gran cortina de LEDs en el descanso del primer bis. El segundo es mucho más espectácular, aunque me temo que en Barcelona no funcionó demasiado bien. Un sistema Cámaras de infrarrojos repartidas por el estadio, y controladas con el mando de una PlayStation (!) permiten a Willie Williams escanear los rostros de personas perdidas entre el público y subirlos en baja resolución pixelada a la gran pantalla. A medida que pasa el tiempo, los rostros van poco a poco componiendo la imagen de Bono.

UVA no han sido los únicos colaboradores prestigiosos del Vertigo Tour; de hecho, el espectáculo tiene algo de exposición comisariada. El realizador de clips Ed Holsworth, habitual de Onedotzero o Resfest, filma un viaje por la noche de Tokyo para acompañar "City of Blinding Lights", mientras el reconocido Julian Opie ha creado una de sus intrigantes figuras andantes que cubre todo el escenario en "Sometimes You Can't Make it on your Own", y el estudio de diseño Run Wrake toda una galería de animaciones de "op art" para "Vertigo", el single que da título y abre y cierra cada concierto de la gira.

El propio William Gibson es el encargado de adentrarse por encargo de Wired en las entrañas del Vertigo Tour, un espectáculo de una complejidad técnica digna de una misión de la NASA. Los que quieran una autopsia técnica más detallada pueden leer este extenso artículo de Mark Cunningham.


Generative Fashion Photography

3006.05


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El último sitio en que uno espera encontrar estéticas algorítmicas es en las páginas de una revista de moda. Pero al fotógrafo Clayton Cubitt le gustaron tanto las piezas de software generativo de Tom Carden que le pidió su ayuda en un reportaje para la revista Metropop. Las modelos se funden en las fotos de Cubitt con los algoritmos generados por Carden en Processing. El resultado es inédito y bastante sorprendente.

Processing es una de las herramientas a la que dedicamos los Talleres Abiertos de COPYFIGHT. El viernes 15 a partir de las 11 de la mañana, Federico Joselevich, del colectivo de diseñadores barcelonés Area3, ofrecerá un taller introductorio a esta potente plataforma de programación para artistas visuales abierta y libre. No hace falta inscribirse; sólo necesitais presentaros allí mismo con vuestro propio ordenador portátil. Nosotros ponemos todo lo demás.


State-Machine: ¿A cuánto se paga el escaño en el senado americano?

1506.05


statemachine.jpgState-Machine, de Ben Cerveny y Max Carlson, es otra prueba de que en la nueva Internet (lo que muchos empiezan a llamar la Web 2.0), el periodismo de investigación tiene forma de sistema de visualización de datos. La pieza es una aplicación interactiva que representa el senado americano como una especie de cosmos. Los planetas son los senadores; las cruces, los grandes conglomerados industriales y grupos de poder que financian las campañas de los políticos.

Al seleccionar en una cruz un lobby determinado (abogados, compañías energéticas, Hollywood), los senadores "orbitan" hacia los grupos que han financiado de manera directa sus campañas. Si desplazamos las cruces, los políticos se recolocan de manera equidistante entre los intereses que les condicionan. Se recomienda marcar la casilla "show details", en el panel de control, para ver las siniestras fotos oficiales de cada senador. State-Machine es posible gracias a Opensecrets.org, la base de datos que detalla todas las contribuiciones a campañas políticas en Estados Unidos.
En los ámbitos del periodismo digital, nombrar a Flash sigue siendo mentar a un monstruo; parece que no han superado todavía el famoso pero caduco "Flash:99% Bad" de Jakob Nielsen. Pero en las redacciones de los periódicos digitales harían bien en prestar atención a todo lo que está ocurriendo en el campo de la visualización dinámica de datos, una escena que ha saltado del circuito científico al del diseño y ahora se está introduciendo con fuerza en el ámbito del arte. Obras como State-Machine son sobre todo poderosos ejercicios de comunicación que explican de manera sencilla y directa cosas que en el medio escrito requieren de cientos y cientos de palabras.

State-Machine se estrena en Sónar 2005 como parte de la exposición Randonée, que abre hoy sus puertas. Estaremos hablando con sus autores el sábado a las 16:00 en la sección de conferencias y debates, junto con el arquitecto Ignacio Perez Arnal y el artista griego Dimitri Charitos.


El arte de Flickr

3105.05


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Decenas de artistas en todo el mundo están de acuerdo: Flickr, el popular sistema para compartir fotos en la Web, es sin ninguna duda una de las cosas más interesantes que están pasándole hoy a la creación en la Red. La decisión de abrir la API (el interfaz de programación) del servicio, que permite integrar el proceso y los resultados de una busqueda en aplicaciones nuevas, está permitiendo toda clase de experimentos interactivos que muestran que en la era de las bases de datos, una de las estrategías más productivas para los artistas es generar nuevos interfaces que revelen las relaciones ocultas y sorprendentes que se pueden establecer entre los objetos que se almacenan en los servidores de Google, Amazon o Yahoo.

Los primeros ejemplos de "arte de Flickr" están muy bien recogidos en su página de servicios, desde donde se puede acceder a múltiples aplicaciones online que permiten desde navegar miles de imágenes de flores a través de sus tonalidades, a localizar sobre un mapa los últimos grafittis fotografiados por sus usuarios americanos.
La fase dos ha comenzado ya:sacar a Flickr a la calle, integrando sus resultados en instalaciones físicas. El centro de Amsterdam Mediamatic ha sido pionero en esto a través de una serie de piezas que empieza con Flickr Peep Show, una instalación que celebra el voyeurismo digital y lo adapta al formato de los espectáculos decimonónicos. Enviando un SMS al sistema con una etiqueta, cada uno de los agujeritos por los que espían los espectadores muestra imágenes sobre su fascinación oculta favorita, extraidas de las vidas cotidianas de los usuarios de Flickr.

Tras Flickr Peep Show, el siguiente proyecto sobre la aplicación desarrollado por Mediamatic es Playing Flickr, donde las imágenes seleccionadas por móvil por los clientes de un restaurante/disco se convierten en los visuales que llenan las grandes pantallas del espacio.

Guía de Flickr Art

FlickrGraph, de Marcos Wescamp.

Cada día, miles de personas registran sus vidas con sus cámaras digitales y se las muestran a conocidos y desconocidos en Flickr, un popular servicio online para compartir fotos en la Web. Flickr Graph es una herramienta para navegar a través de la Red social formada por sus usuarios, saltando de foto en foto a través de vínculos afectivos, familiares o profesionales. Todo un viaje a través de un paisaje formado por instantes de la cotidianidad colectiva.

Flickr Related Tag Browser, de Airtight Interactive

Miles de personas fotografiando compulsivamente el mundo y a diario y clasificándolo con etiquetas; es la mejor descripción de Flickr, el software social más interesante aparecido en la red en los últimos meses. Esta aplicación es una invitación a perderse en su base de datos recorriendo de fotografía en fotografía las etiquetas identificativas que utilizan sus usuarios. “Barcelona” lleva a “arquitectura”, que lleva a “urbano”, que lleva a “graffiti”…
Airtight Interactive es el proyecto personal del diseñador multimedia Felix Turner.

Flickr Color Picker, de Jim Bumgarnder.

Flickr Color Pickr –otra pieza más que explora las posibilidades que ofrece este servicio a los artistas de la visualización- es en principio una herramienta para diseñadores. Sin embargo, su mecánica fascina a cualquiera que pase un rato explorándolo. La pieza combina una serie de etiquetas de significado (“flores”, “grafiti”) con un prisma de colores, permitiendo que el usuario recorra miles de imágenes actualizadas al minuto según su colorido predominante, y las definiciones de los usuarios de Flickr.
Jim Bumgarnder fue el fundador de la pionera comunidad online The Palace. Actualmente diseña pequeños “juguetes de software”.


"Borré el funeral del Papa sin verlo para hacerle sitio a un episodio de 'Survivor'"

3105.05


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De esto ya hablamos aquí, pero es sin duda rasgo de esa voz que mencionamos el tener sus obsesiones, ya sea con los Stripes, ya sea con los secretos. Así que volvemos a ello con la excusa de este artículo en el NY Times sobre PostSecret, ese sitio adonde la gente envía postales hechas con sus propias manos desnudas confesando desde lo banalmente vergonzoso ("Lloré por Anakin en el Episodio III, pero no por las víctimas del Tsunami"), a lo excéntrico ("Guardo todas las grapas que arranco en mi trabajo, tengo ya una caja de más de medio kilo"), lo sutilmente aterrador ("Cuando era niño, estaba continuamente asustado por la idea de que toda mi vida era una historia leída por el rey Babar a sus hijos y que, un día, Babar cerraría el libro y mi vida acabaría") y lo loable ("Este verano voy a perder mi virginidad en París"). Y esto es apenas una selección de las más recientes, ni hemos curiosado en los archivos (porque no existen). En vez de un confesionario de pajeros, como not Proud, arte colaborativo, o eso cuentan.


Artistas Europeos en Orbita

2405.05


ISS_2004_web200.jpgSi no fuera porque he encontrado el comunicado de prensa en la Web de la Agencia Espacial Europea, tendría serios problemas para creerme esto.

Desarrollando una política cultural para la Estación Espacial Internacional
La Agencia Espacial Europea ha firmado un contrato con la organización londinense The Art Catalyst para que desarrolle un estudio sobre los posibles usos culturales de la Estación Espacial Internacional,y en especial de sus componentes europeos.
(...) En el curso del estudio, se consultará a artistas y profesionales de la cultura de un amplio espectro de disciplinas, para determinar los aspectos de la EEI que les resulten interesantes por sus posibles usos culturales, incluyendo sus instalaciones en tierra, como los lugares de lanzamiento y las instalaciones de entrenamiento de astronautas.

Hace años, Nacho y yo tuvimos una conversación en la que nos pusimos de acuerdo en una cosa: prácticamente cualquier hombre de nuestra generación (incluidos nosotros dos) estaría dispuesto a dejar su carrera profesional por una oportunidad de implicarse en la carrera espacial. Personalmente,creo que voy a empezar a pensar en la primera Bienal en el Espacio.

Todo esto es cortesía de la misteriosa organización Arts Catalyst, conocidos por haber puesto una vez a Marcel.li Antunez en gravedad cero.


Punk:la exposición

2305.05


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Excusa excelente para cogerse un Easyjet a Manchester un fin de semana cualquiera. Urbis, que a pesar de tener nombre de constructora es uno de los nuevos centros culturales más activos de Europa, se adentra en la historia y el legado del Punk. Aunque amenaza con pecar de fetichista (con objetos y piezas nunca vistas procedentes de colecciones privadas), ya era hora de que alguien se atreva a intentar hacer la exposición definitiva sobre el fundamental movimiento, de cuyas ondas expansivas no nos hemos librado todavía. Hasta el 7 de Agosto.


De la poesía visual a las tipografías expresivas

905.05


typedrawing2.jpgNo sé demasiado sobre poesía visual pero es evidente que esto a Joan Brossa le hubiese encantado. Typedrawing es una alucinante herramienta interactiva para pintar con palabras;seleccionando un tipo de letra, un color, e introduciendo un texto determinado tantas veces como haga falta podemos generar las composiciones tipográficas más sofisticadas y complejas.
La pieza, uno de los proyectos en Flash más premiados este año, me ha recordado a otro excelente trabajo de los valencianos Inklude, Robotype, una instalación realizada para la exposición D'après (Versiones, Ironías y Divertimentos) que además estará a partir de este jueves en OFFF.

Tirando de esta cuerda he llegado hasta un campo que parece completamente fascinante; las tipografías expresivas. Aplicaciones y herramientas en las que la poesía visual se encuentra con el arte algorítmico y generativo. A pesar de la larga historia de la narrativa hipertextual y la literatura electrónica, la poesía no ha explorado aún en exceso las posibilidades del medio digital. Y probablemente resulta un género mucho más apropiado para la pantalla que la novela. ¿Estamos al comienzo de algo interesante? (¿del artista-programador al programador-poeta?)

Vía Data is Nature, el blog de new media del mes, de calle.


Processing: Beta

2104.05


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3 años después de echar a andar, el software para artistas algorítmicos Processing está casi listo para poder colgarse por fin el apellido 1.0. Aunque de momento es sólo 0.85 -todas las funciones de una versión 1.0, pero también todos los bugs-, es una buena ocasión para celebrar la fuerza de una comunidad de usuarios que no para de crecer.
Processing no pretende ser una alternativa a Flash o a Director. Es un paso intermedio hacia el mundo de la programación para los artistas y diseñadores que tienen que conformarse con Flash o Director porque la idea de saltar sin red hacia el mundo de las líneas de código les resulta demasiado intimidante.

Desde antes de ayer Processing es también finalmente Open Source, y se distribuye bajos los términos de la GPL. En un momento en que las herramientas más usadas por los artistas son más propietarias que nunca porque pertenecen a menos dueños que nunca, la existencia de proyectos como Processing y otros como Blender, PureData o Dynabolic es vital. Para todos los creadores que no saben hablarle directamente a la máquina en su mismo idioma -el código-, la capacidad de expresar algo en un medio como el software está directamente relacionada con las decisiones que han tomado los diseñadores de la herramienta. Y el futuro del arte digital es demasiado importante para que lo decida sólo Adobe.

Anteriormente: Los mundos de código de Processing en Sónar 2004.


Bloomy Girls de Takagi Masakatsu

1404.05


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[Hoy se cumplen 35 años del 14 de abril de 1970 (qué sorpresa). Felicidades a aquel par de críos y a nosotros dos que ya no lo somos. Y a ustedes les deseo un gran día en la Feria]


Cosas que sólo se ven si tu ciudad tiene mapamundi

704.05


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--Joder, ¿otra entrada sacada del New York Times con foto más o menos vistosa y nada de texto que la explique? Si es que ni siquiera ponen el nombre de artista para al menos atraer a Google. ¿Hasta cuándo, Señor, hasta cuándo?


El misterio de las señales con chispa


Dorkbot Barcelona: haciendo más cosas raras con la electricidad, este martes

304.05


metronom2.jpgEste próximo martes regresa a Metrònom nuestro club favorito de robótica casera y arte digital para todos los públicos y presupuestos. Dorkbot Barcelona presenta esta semana el "arte financiero" de Derivart, las reflexiones de Rodrigo Alonso sobre cómo se hace arte con tecnología en medio de la precariedad en Latinoamerica, y los robots escultores de bambú de Marko Brajovic y Stefanie Vandendriessche, entre otros.

La cita es el martes a las 20:00h en la sala Metrònom, en pleno Borne. Más información en la página de Dorkbot-BCN.


Banksy en Nueva York

2403.05


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Banksy, el enigmático artista británico que está haciendo por el stencil lo que Keith Haring hizo por el graffiti, acaba de colar cuatro obras suyas en sendos museos neoyorquinos por el metodo de "cuélgala discretamente sin pedir permiso". Cada obra está realizada expresamente para cada uno de los museos; véase arriba la realizada para el Museo de Historia Natural. Y dos de ellas siguen allí todavía.

(vía Kottke)


Introducing Ogi

1603.05


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Seguimos robándole cosas a Ashley, quien a su vez se ha sacado estas galerías de de Cool Hunting.


L'espace m'a toujours rendu silencieux

703.05


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Myth makes Echo the subject of longing and desire. Physics makes Echo the subject of distance and design. Where emotion and reason are concerned both claims are accurate.
And where there is no Echo there is no description of space and love.
There is only silence.

Así acaba el capítulo V de House of Leaves, seguramente el más prodigioso tour de force de toda la obra. Gracias a Reg por darme una excusa para citarlo aquí. Continuamente Reg está publicando maravillas y es cuando una me toca la neurona sensible que aparece algo aquí, no por ningún otro motivo. En este caso se trata de "Echo Chamber", de Chris O'Shea, un navegable paisaje sonoro en 3D en el que los sonidos se hallan atrapados en el eco. Los participantes introducen un sonido en el sistema via un micro, es sintetizado y toma vida propia, cada andanza visualizada en la forma de un objeto tridimensional de acuerdo al sonido originalmente producido. Estos sonidos se convierten en "boids", referencia a algoritmos de vida artificial empleados en estudio de la dinámica de poblaciones. Cada boid en la habitación es consciente de dónde está, de cómo huir de los muros, perseguir a sonidos similares, evitar a otros a boids...

Y dejo de parafrasear. Corran a leer toda la descripción, a dar con los enlaces...

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Introducing Vorn (o no)

703.05


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En fin, aburridas ya tantas imágenes con 580 píxeles de ancho. Pero yo quería hablar de algo distinto, es decir, de Vorn, una cosa supuestamente nueva, una obra de arte que fluye como el río de Heráclito, una reformulación combinatoria de cuatro instantáneas tomadas de la blogosfera 288 veces al día. Creada por Jonathan Harris, ha sido avistada por Juanpi (más deudas postales). Y tal vez por reencontrarlo recientemente chez mir parece susceptible de conectarse a Googlehouse, ya saben, aquella historia del 2003 en la que se creaba una casa a partir de imágenes domésticas sacadas de la Red, proyecto aún en pie (o su página) producido por (¡eh, Google!) Stéphane Degoutin y Marika Dermineur.


érase una vez...

703.05


Esta foto es del milenio pasado y el recuerdo llega cortesía de Mangallous, al que le debo dos emails (o uno doble). Recientemente Javier Marías decía que "Los Sopranos" había que mirarlos con la atención de un largometraje, y no podemos estar más de acuerdo, a pesar de la cuarta temporada. No sé qué opinará de la serie el enmedallado comité de sabios, pero me interesa poco. Nada en realidad. Un detalle a comentar, aunque sin entrar en detalles, es que nos informa un nativo de justo esa zona del norte de Nueva Jersey que, en tanto que retrato de una reducida realidad, es perfectamente exacta. Hiciéronle una entrevista a David Chase, en su día, que tuve el gusto de enviar a una encantadora señorita. "Muchísimas gracias, a mi mamá le va a encantar".

En realidad la quería poner como un ejemplo más de las muchas reelaboraciones de la "Santa Cena", especialmente ahora que la religión de siempre o la nueva corrección política anda con la mano suelta a la hora de aplicar la censura. De lo último que nos hemos enterado es de que en la ilustrada Australia (partes de ella) hay que medir con muchísimo cuidado hasta dónde se critica a una religión. Lo curioso es que la primera respuesta de muchos ante imágenes como esta, parece, es considerarla una parodia de un episodio de una mediocre obra a cuatro manos, una pobre secuela apenas comparable con su antecesora, en vez de contemplarla como descripción satírica de la santidad de la "familia" retratada, como enigma sobre cuántos Judas contiene esta docena (el primero de ellos, su Creador). La pereza intelectual tiene estas cosas. Por otra parte, si Leonardo habitara entre nosotros, o lo hubiera hecho hasta hace menos de 70 años, la parodia sería la única defensa ante un tribunal. Solamente declararla un ataque directo al creador original hace que la reelaboración, tantas veces un homenaje callado, sea legítima. La ofensa es la máscara a la que la estupidez o el cinismo echan primero mano.

[Lamento el tortuoso párrafo anterior. En Ion todo era más sencillo, sin apologías ni justificaciones: hallo una espléndida foto, doy las gracias, Gaetano dice que le encanta. Fácil]


Tengo un secreto

703.05


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Te invitamos a contribuir anónimamente con tus secretos al proyecto PostSecret. Cada secreto será un caso de arrepentimiento, esperanza, creencias, experiencias, miedo, traición, deseo, sentimientos confesión, o humillación durante la infancia. Revela cualquier cosa--en tanto en cuanto que sea cierto y que nunca lo hayas compartido con nadie con anterioridad. Crea tu propia postal 10x15cm a partir de cualquier material enviable por correo. Pero, por favor, solamente un secreto en cada postal.

¡Gracias, Anne!

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Elastico recomienda: Thomas Köner en La Casa Encendida

303.05


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Lo hemos dicho más de una vez y nos cuesta no repetirlo: los lectores madrileños no saben lo que tienen al poder disfrutar de La Casa Encendida. Desde la nada, en un Madrid que era un páramo en lo que se refería a cultura contemporánea experimental, el centro de Caja Madrid está haciendo una programación acertadísima, relevante y diversa que está acercando a la ciudad manifestaciones y nombres propios dignos de gran capital europea, categoría en la que en lo que a programación cultural se refiere, Madrid no ha estado desde hace demasiado tiempo. Y por si fuera poco, su política de precios oscila entre el gratis total y lo irrisorio, como en el caso de hoy. Felicidades a los responsables por su excelente criterio y a los que entendieron que la cultura contemporánea avanzada también es obra social.

Al grano. Sabemos que a algunos lectores de Elastico les pone nerviosos que nos pongamos en modo guía del ocio, pero no podemos reprimir nuestra vocación de servicio público, sobre todo en casos como estos.La Casa Encendida comienza hoy el ciclo Aventuras Sonoras, dedicado al espacio de cruce entre el arte sonoro y la electrónica experimental abstracta. El comienzo no puede ser más acertado, porque los que se acerquen esta noche al auditorio del centro a las 10 de la noche podrán disfrutar de la experiencia única que supone ver en directo al gran Thomas Köner. Ingeniero de sonido, compositor de bandas sonoras, hijo de la cultura de club, Kóner se ha convertido en los últimos años en uno de los más espectaculares escultores aurales. Kóner llevanta tremendas paredes de ruido blanco que empieza a moldear, cambiando su color y timbre, y bajo las que construye armonias emocionantes.

Köner ha sido uno de los nombres propios más presentes en la escena del arte digital en los últimos dos años gracias a la serie de instalaciones que comenzó con Banliue da Vide y que ha continuado con Suburbs of the Void y Nuuk. En estas obras, Koner recoge imágenes captadas por cámaras de seguridad y webcams de paisajes urbanos desolados y desiertos, y las enfrenta a sus paredes de ruido blanco. El tema central de estas obras es el tiempo: nuestra propia percepción del paso de los minutos se transforma de extrañas maneras al contemplar un paisaje de una ciudad del norte de Finlandia vacío de toda presencia humana, en el que la nieve se acumula lenta e imperceptiblemente, filtrado a través de la baja resolución de la cámara. En directo, Köner amplifica la experiencia, que se convierte en algo mucho más fisico al envolver tu cuerpo con frecuencias que te hacen temblar y te sumergen en un extraño estado de melancolía. Cada día más reconocido, Thomas Köner está llamado a ser mencionado junto a Christian Marclay o Carsten Nicolai como uno de los más importantes artistas sonoros de nuestro tiempo.


Kids with Cameras

103.05


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Al enseñar el arte y la técnica de la fotografía, Kids with Cameras les da poder a los críos que crecen en circunstancias difíciles y les permite apreciar la belleza y la dignidad de su propia expresión. Mandamos fotógrafos excepcionales a comunidades por todo el globo para dirigir talleres que enfatizan tanto la excelencia artística como la atención individualizada, y que anima a un acercamiento integral al arte y la educación. Presentamos las fotos de los chavales al mundo por medio de exposiciones, libros y películas. Kids with Cameras opera más allá de la fotografía para fortalecer la educación general de los niños así como sus comunidades, uniéndonos a otras organizaciones para funcionar más eficazmente.

Otros proyectos dedicados a la alfabetización mediática ("visual literacy"): Just Think!, Fotokids, y Joao Kulcsar. Esta foto no es la mejor, pero sí la que más significativa me resulta. Hubo un tiempo que me pagaban por mantener un blog sobre estas cosas, hacerlo gratis ahora sabe a gloria.

Gracias, Olivia.

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Plasma & glass Sculptures by Ed Kirshner

1802.05


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El plasma se comporta de una forma que nunca puedo controlar completamente. Puedo cambiar o dirigir su desarrollo variando la presión y la mezcla de los gases, o la frequencia y el voltaje de la corriente eléctrica, pero nunca puedo predecir por completo qué efecto tendrá ninguna de mis acciones. Aunque frustrante a veces, la imposibilidad de hacer predicciones está en el corazón de mi trabajo. Esta es la personalidad, el misterio, la vida que intento crear en mi escultura.

Me inspiro en gran parte en las teorías del caos autoorganizador. Descrito de una manera sencilla, el término "caos autoorganizador" se refiere a la capacidad de algunos sistemas aparentemente aleatorios de autoorganizarse, autoreproducirse, y comportarse de acuerdo a reglas que no son aparentes de inmediato desde fuera del sistema. Los efectos tienen a menudo una estructura formal, aunque orgánica--el ejemplo más conocido es la danza sensual de forma y color de la Aurora Boreal.

Hallado en el absolutamente espléndido Grow a Brain, y dedicado a ya sabemos quien, que además me avisa sabiamente cuando yo me desahogo demasiado...

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THE GATES PROJECT FOR CENTRAL PARK (1979-2005) Christo and Jeanne-Claude

1102.05


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En febrero del 2005, la ciudad de Nueva York y Central Park serán anfitriones de una extraordinaria obra de arte. Si lo permite el tiempo, el doce de febrero, los reputados artistas Christo y Jeanne Claude desplegarán los pendones para THE GATES, CENTRAL PARK, NEW YORK CITY, 1979-2005. Expuesta durante sólo 16 días, las 7.500 puertas transformarán Central Park al seguir los perfiles de 40 kilometros de caminos y senderos desde la 59 a a 110. Se colgarán telas de color azafrán a dos metros sobre el suelo, ondeando en el viento y deleitando con la luz cálida de un color translúcido al público que pasee debajo de ellos. Las puertas parecerán un río dorado que aparece y desaparece entre las ramas desnudas de los árboles. La exposición es gratis para todos los neoyorquinos y visitantes y no interferirá con la actividad normal del parque.

Hasta aquí la breve introducción del propio sitio de la instalación. Aunque vengo leyendo de ella desde hace meses, hoy nos lo recuerda Jose con pertinencia exacta que comienza justo mañana, y en el NY Times encontramos con un artículo sobre los desafíos para la seguridad que protegerá toda la instalación, junto a la lista completa de artículos siguiendo la iniciativa. Mañana lo veremos en la televisión y, junto al nuevo Moma, es otra más en la lista de excusas para bajarse a NY. El domingo va a hacer sol...


Arco otra vez

1002.05


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Como reacción a los maniquíes torturadora/torturado de abajo, incluidos en ARCO, hay quien recomienda "Wooden Mirror'" de Daniel Rozin: Si realmente necesitáis pasearos por ese hipermercado frío y desagradable esta semana, emplead el tiempo mejor pasando un buen rato, por ejemplo, con esta pieza, todo un clásico del nuevo siglo. Yo copio, pego, publico, y me vuelvo a Hyperion de Dan Simmons. Trabajo.


Arco


Un añito

902.05


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Los hijos de Jim Flora han creado la web Jim Flora Art para vender obra artística de su padre. Según dicen, toda la creación relacionada con portadas de discos de Jazz, se ha perdido con el tiempo, pero en esta web podemos deleitarnos con algunos originales, y si el bolsillo lo permite, incluso comprarlos.

Ese blog genial, Papel Continuo, cumple un año y nosotros no podemos menos que desearle muchas felicidades a Karramarro y alegrarnos de su nominación en los bloggies. Lo celebramos enlazando a esta entrada en la que hallarán todos los enlaces pertinentes.


Eyes Wide Open : An Exhibition on the Human Cost of the Iraq War

902.05


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Eyes Wide Open : An Exhibition on the Human Cost of the Iraq War es una exhibición itinerante que desde hace un año llena las calles de los EE.UU. de pares de botas militares, un campo de zapatos de civil y un muro de la memoria para recordar el coste humano que ha supuesto y supone la invasión de Irak: 1485 estadounidenses (y subiendo), más de 100.000 iraquíes (y subiendo), dice este corto sobrio e efectivo en el que aparecen muertos de un bando y del otro.

Gracias, Juanlo.


Gravity and Resistance

802.05


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Obra de los artistas japoneses Seiko Mikami y Sota Ichikawan, Gravity and Resistence--Gravicells es la pieza más asombrosa que he visto hasta ahora. Es magia estéticamente y también absolutamente fascinante el intentar entender qué está pasando con el espacio.

El suelo está formado por unas 225 unidades de rejillas con sensores incorporados. Todos los movimientos, el peso y los cambios de los visitantes se miden y transformados en luz (LED) e imágenes geométricas proyectadas contra la pared y en sonido, de manera que todo el espacio se desarrolla o cambia en esta instalación interactiva. La instalación está supervisada por satélites GPS, de manera que tiene un punto de observación desde el espacio. La idea es que todo el sistema te haga consciente de tu gravedad y resistencia, dándote una nueva percepción del cuerpo. Pero lo que también te captura especialmente es cómo esos efectos interactúan con los de otros participantes.

Aparte de publicar entradas redondas como ésta, Reg ha estado en muy buena compañía en Berlín, y con ellos me ha echado en falta. Sniff...


Blast Wall Art in Baghdad

502.05


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En el nuevo Irak, allá donde las mujeres para votar hacen larguísimas colas amortajadas como monjas, los muros que defienden las embajadas y otros edificios se cubren de colores y, sobre todo, figuras. Esperemos que algunas cosas no las pierdan nunca. Emily cuenta más y tiene el enlace.

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Miyazaki-Moebius

2301.05


729356,property=imageData.jpg Hazao Miyazaki y Jean Giraud, "Moebius", tienen casi la misma edad y comparten tanto el don de la genialidad como el estatus de mito. Ambos escogieron desarrollarse en medios humildes (el cómic, la animación infantil) y los han trascendido, convirtiéndose en autores universales. Y los dos han conseguido crear universos plásticos propios tan particulares que se reconocen al instante.

El padre de Chihiro y la Princesa Mononoke, y el creador de El Vigilante de las Estrellas se encuentran en Miyazaki-Moebius, una exposición en el Palacio de la Moneda de París que explora en forma de diálogo las coincidencias y similitudes entre estos dos gigantes de la animación y el comic, hasta cierto punto como excusa para investigar la dicotomía oriente-occidente en la cultura pop contemporánea.

La muestra permanece abierta hasta mediados de marzo. Junto a originales y bocetos, el corazón de la exposición es una larga entrevista-conversación en vídeo en que Moebius y Miyazaki se declaran admiración mutua y hablan en profundidad sobre sus obras respectivas. Varios fragmentos de la entrevista están disponibles online (Real Video, francés y japonés subtitulado al francés):

El encuentro - influencias cruzadas
Sobre Howl's Moving Castle, la última película de Miyazaki
Moebius habla sobre Miyazaki
Miyazaki habla sobre Moebius

Pude ver durante el pasado festival de Sitges "Howl's Moving Castle", y me pareció otra maravillosa muestra del poder cautivador de Miyazaki, más melancólica y reflexiva aún que "El Viaje de Chihiro". No he podido encontrar el dato de su fecha en estreno en España, aunque la IMDB detalla la fechas de su estreno en 2005 en todo el mundo, desde enero (Francia) hasta septiembre (Italia). Por su parte, "A través de la banda de Moebius", la película de animación digital basada en el universo de Moebius que lleva años atascada, parece que finalmente se estrenará en algún punto de los próximos 12 meses.

(Gracias, Carmen!)

[En uno de los vídeos enlazados, Miyazaki confiesa que una de sus primeras obras maestras, "Nausicaa en el Valle del Viento", estaba fuertemente influenciada por el impacto que le causó descubrir la obra del dibujante francés. En 1999 tuve la suerte de conocer a Moebius en Sevilla, donde acudió para participar en el ArtFutura de aquel año junto a su jovencísima mujer y un niña preciosa y muy tímida que no tendría más de 5 años. Era un hombre cordial y tremendamente atento, y fue muy cariñoso tanto con el público que se le acercaba como con todos los que trabajábamos en la organización del festival. De repente he recordado el nombre de aquella niña rubia, su hija: Nausicaa].


Michael Wesely Photographie

2301.05


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Desde 1994 Michael Wesely ha estado tomando fotos de exposición larga. Por ejemplo, con exposiciones largas de hasta dos años, documentó la construcción que se estaba llevando a cabo en la Potsdamer Platz en Berlín entre 1997 y 1999. La sensación de espacio y tiempo captada en estas imágenes es notable: sucesos a lo largo de una secuencia temporal aparecen como una sola acción continua.

Anne le dedica una variada entrada al artista alemán en la que, aparte de sus trabajos sobre la construcción en el nuevo Berlín, trata de la atención que Weseley le ha dedicado a la reforma del MOMA en Nueva York y de su acercamiento a la Camara Oscura. Todos los enlaces en ca' Anne. Vayan, vayan...


56K, primera televisión en red dedicada sólo al arte electrónico

1401.05


Más allá del revuelo levantado por Milk, 56K TV es un proyecto innovador, ya que combina una selección de piezas de gran interés, tanto desde el punto de vista formal como conceptual, con una plataforma inédita que ofrece una nueva manera de disfrutar del arte electrónico.

La interfaz, que no requiere ninguna aplicación especial, reproduce un televisor con estética de los años sesenta en el cual los proyectos se presentan según el clásico formato de la parrilla televisiva. Por tanto, las obras no están siempre disponibles y el telespectador debe consultar en la página la programación, que varía según días y horas.

También es posible ver los trailers y acceder a una información básica sobre los artistas y sus trabajos. Destacan A Transpacific Intrigue, una miniserie de misterio de 13 episodios, de los coreanos Young-Hae Chang; Acide Missile, un caótico proyecto de deconstrucción de los mecanismos de la red del francés Jimpunk; TV Bot, programa de Marc Lee que mezcla noticias de agencia con imágenes de webcams.

El artículo entero de El País (pdf) (no vale hacer chistes sobre lo que viene al lado). ¡Gracias Margarita!


Rifa artísticamente solidaria

1201.05


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Así funciona la lotería que ha montado Wooster Collective para recaudar fondos para las víctimas del maremoto en el Indico: por cada $10 donados recibes un ticket (ergo, tres por $30) y cada domingo se rifan las obras donadas a su vez por los artistas colaborando con este esfuerzo, obras como ésta. Las demás son más lindas, menos apropiadas.


Hemos pasado de la derrota más absoluta al desastre total

1101.05


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En el Guardian le dan generosa caña a Damian Hirst (algunas imágenes) por esta retrospectiva en el Museo Arqueológico Nacional de Napoles. Arriba, "Hermoso esfínter giratorio, oops, cuadro marrón".

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Galerismo solidario

1101.05


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John Maeda vende una colección de litografías suyas creadas para una retrospectiva que hizo en Japón hace años, para recaudar fondos contra el tsunami, a 30 dólares cada una.

Mañana más...

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La cara oscura del éxito

601.05


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Una historia justo como nos gusta, llena de bobas paradojas de las que fascinan a los académicos y periodistas y servida con un ingeniosísimo titular. Dan Flavin comenzó a producir en los sesenta esculturas ("propuestas") de luz fluorescente, en una línea minimalista que eludía la grandiosidad del expresionismo abstracto neoyorquino. En lugar de materiales artesanales, individuales o "refinados" empleó despersonalizados productos industriales; las obras podían apagarse en cualquier instante, indicando su carácter transitorio, precario y totalmente dependiente; y venían con un certificado que era poco más que una garantía de que en caso de algún fallo técnico Flavin la reemplazaría por otra. Estrategias todas ellas destinadas a reventar la concepción monumentalizadora del arte. Hoy, muerto Flavin, ya no se fabrican los tubos que le servían de repuestos y es preciso restaurar los que existen o fabricar artesanalmente sustitutos para los que se funden; los coleccionistas apagan las obras no para indicar su mínima importancia, sino para conservarlas con el máximo cuidado posible, como si de un fresco renacentista se tratara; y lo que era una mera forma de conseguir recambios es hoy la única forma de asegurar la autenticidad de cada obra y conjurar su aura artística, que reside ahora tanto en el diseño y la luz como en un papel. Muy "irónico" todo, ya ven. En fin haz lo que te dé la gana mientras puedas porque el tiempo y el mercado tendrán la última palabra.


Bootlegs urbanos

2212.04


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Wooster Collective es un escepcional recurso que recopila el trabajo de los mejores artistas del stencil y el graffiti alternativo en las grandes urbes de todo el mundo. Entre sus últimos descubrimientos destaca el trabajo del canadiense Roadsworth, que añade elementos en la señalización vial con resultados sorprendentes y poéticos.

Vía Core77.


De la tricotosa al caos

1812.04


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Vía Kottke nos enteramos de unos científicos británicos que han tejido el "caos" de Lorenz.

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Luz que responde

1612.04


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James Clar es un neoyorquino que define su quehacer como diseño de iluminación interactiva. Su trabajo consiste fundamentalmente en distintos objetos iluminados donde la luz responde a diferentes variables (movimiento -flexgrid-, sonido -dynomite-), provoca reacciones (-circlesquare-), muestra información (-line-, -3d display cubes-).

En D42 cuentan más.

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Life's but a walking shadow...

1412.04


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...A poor player that struts and frets his hour upon the stage
And then it's heard no more.

Y luego sigue eso tan repetido del ruido, la furia y los idiotas, que ya no les citamos porque está muy visto aunque sea mucho mejor que ese "Hombre, tú eres nada" que suelta el plasta de Sófocles. Coñazo de tío... Pero decíamos ayer que en realidad íbamos a pillarle otra cosita a Reg, esta vez sobre Biophilia, de Mark Cypher, una instalación que les permite a los participantes generar formas orgánicas basadas en la distorsión de sus propias sombras, e interactuar con ellas. Como la vida misma. Para saber más del proyecto, dar con el sitio original y ver los dos fantásticos videos disponibles, háganle una visita a nuestra belga favorita, lean sus entradas presentes y pasadas, y pónganla en sus RSS, sus favoritos, sus blogrolls...


Déle Dios mal galardón

812.04


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Y traduzco a Reg:

Confinamiento sin fin de Fernando Orellana presenta a robots equipados con RI que se hallan apresandos en columnas de madera, viviendo con miedo y desconfianza constantes. A través de una ventanita pueden mirar al exterior y nosotros podemos verlos mientras ejecutan movimientos y convulsiones paranoicas.

Cuando un ser humano se acerca a uno de los robots, éste lo observa, esperando a ver qué es lo que hace el espectador. Si la persona se acerca demasiado, el robot intenta huir agitándose de un lado para otro y haciendo claros sonidos de advertencia. Si el espectador se mantiene a una cierta distancia, el robot intentará comunicarse. Si se lo deja tranquilo, el robot exhibe varios tipos de comportamientos, como comunicarse con otros robots por medio de un flujo de sonidos.

Quien quiera saber cómo Orellana explica el "conceto" detrás de esta instalación que siga leyendo en la entrada original de Régine. Es bastante menos interesante que la obra en sí, pero no se lo vamos a echar en cara porque eso es condición necesaria (que no suficiente) para que la obra sea buena. Desconfíen del arte conceptual (del arte) que quede realmente interesante en el papel, del "proyecto": seguramente no vale nada. No se ve mucho en la foto, pero la descripción nos da tantos y agradables escalofríos... Si encima los robots empezaran a recitar "Que por mayo era por mayo / cuando hace la calor..."

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US wages war on contortion typing

312.04


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Fearful simmetry

112.04


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Amador apunta a esta foto en comentarios a la entrada sobre videojuegos, explica que a él le recuerda las masacres que se montaba en Doom 2, y yo, como ya dije, no puedo apreciar verdaderamente la foto en ese sentido. Más bien la equilibrada composición, ojalá casual, me hace pensar en una cuidadosa y escenificada fotografía histórica del tipo de la producida por un Duc Lahalaye, por ejemplo. Ya hablamos de él aquí.

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Et voilà Fafi, graffitera

2411.04


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¡Gracias, Olivia!

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Videoarte de chinos

2211.04


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Qué bonito darse al copy&paste:

El videoarte vuelve a Casa Asia de la mano de 16 artistas chinos en la segunda edición del Festival de videoarte de Barcelona OFF LOOP’04. El Auditorio de Casa Asia acogerá, del 20 al 28 de noviembre, una muestra de 16 proyecciones de videoarte provenientes de este país asiático. Creadores como Zhang Peili o Geng Jiany, pioneros en movimientos artísticos del arte de vanguardia en China, mostraran alguno de sus videos en el ciclo de proyecciones de Casa Asia. Zhang Peilli con “Actor’s lines” y Geng Jianyi con “Pingxing”.

Aunque la mayoría de los videos son de corta duración -entre 2 y 15 minutos- se proyectará también “Face 12”, un largometraje de 62 minutos del artista Li Yong Bin. Los cortos de la muestra son producto de los cambios sociales, contradicciones y contrastes que experimenta China ante el intenso crecimiento económico y constituyen una selección de los trabajos en video de creadores destacados que se han consolidado en el mercado artístico no por el exotismo de su país de origen sino por la creatividad de sus trabajos y la originalidad de sus planteamientos.

Un poco tarde, lo sé, pero nadie es perfecto. Disfruten lo que puedan si quieren y pueden. Más aquí.


íntimamente cambiantes colchas de luz

2011.04


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Traduzco a Reg: Digital Quilt, de Daniel Peltz, explora las posibilidades de intimidad dentro de grupos grandes. Esta instalación está construida con 414 "autorretratos" abstractos compuestos digitalmente y proyectados sobre un suelo sobre el que se ha esparcido tiza blanca. Una pequeña cámara opera como sensor, registrando cambios en la imagen proyectada. Cuando alguien pone el pie sobre la colcha, se convierte en parte de la imagen; la cámara detecta este "cambio" en la imagen y envía la informacióbn al programa. Estos datos causa que el programa inicie una transición de una capa de la colcha a otra.

Y luego Reg explica más cosas, como que los autorretratos han sido creados por estudiantes de bellas artes a pares, uno sobre cómo se ven, otro sobre cómo creen que estarán tras evolucionar en el futuro. Hay videos de la instalación, y encima me entero que tiene lugar en una exposición a diez minutos andando de mi casa. Pequeño consuelo tras perderme este año, como siempre, ArtFutura, pero consuelo al fin...


The Royal College of Art's Secret exhibition

1911.04


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La gran mayoría de las dos mil obras son de estudiantes de bellas artes, pero algunas provienen de cotizados artistas como Damien Hirst. Todas cuestan treinta y cinco libras, lo recaudado va a un fondo de becas, y el chiste está en que el comprador solamente descubre de quién es su adquisición una vez que la ha pagado. Así que es cuestión de aparecer en la undécima edición de esta "exposición secreta" y probar suerte, probar suerte porque los estudiantes pueden hacer, conscientemente, muy buenas imitaciones, y los artistas reconocidos quizá decidan olvidarse de su estilo más tópico. El año pasado una de las obras sin vender pertenecía a uno de esos nombres de campanillas.

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AUDIO BALLERINAS AND ELECTRONIC GUYS

1311.04


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Como es de bien nacido ser agradecido, Reg es un amor, y Marta ama la danza moderna sobre todas las cosas y a los músicos callejeros en casi el mismo grado, es un placer traer aquí a Elastico al Audio Gruppe, que se dedica a crear esculturas móviles y multiacústicas en lugares públicos mediante prendas y vestidos electroacústicos que producen sonidos al interactuar con lo que los rodea. Entre otras cosas usan sensores luminosos que operan reaccionando a sus propios movimientos y la luz ambiente. En combinación con sensores de movimiento disparan sonidos electrónicos que se ordenan de acuerdo a coreografías organizadas para individuos o grupos de los mismos. Un detalle importantísimo es que llevan baterías recargables que les permiten operar en el interior y el exterior. Suena lindo...


ciencia, el arte y el pensamiento

111.04


TEXTO: Marta Peirano
CAT: Arte

El KRTU, del Departamento de Cultura de la Generalitat de Cataluña, la Cátedra de Arte y Cultura Contemporáneos, de la Universidad de Gerona y el Ayuntamiento de Figueras, #Artnodes, de la Universitat Oberta de Catalunya, y la Fundación Gala-Salvador Dalí de Figueras se complacen en invitaros al Encuentro Internacional Dalí. Nuevas fronteras de la ciencia, el arte y el pensamiento, que tendrá lugar los días 2 y 3 de noviembre en la Fundación Gala-Salvador Dalí de Figueras y en el Teatro Municipal el Jardí de Figueras.

Este encuentro internacional pretende dar a conocer algunas de las más actuales investigaciones sobre las relaciones entre arte y ciencia, y de debatir sobre las reflexiones que plantea la nueva alianza entre arte, ciencia y tecnología en el pensamiento contemporáneo, a partir de la obra del pintor y escritor ampurdanés.

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Materiales crudos en la Tate

1210.04


th.jpgRaw Materials es el resultado del encuentro de Bruce Nauman con el espacio cavernoso del Turbine Hall, allá donde el año pasado se produjo (y la palabra está muy pensada) The Weather Project. Nauman ha torturado payasos, creado estrechísimos corredores de luz, escrito que "el verdadero artista ayuda al mundo revelando verdades místicas", y hecho muchas cosas más que ustedes, tan inteligentes, sabrán encontrar pronta y fácilmente en Google. Ahora la emprende con el museo que más veces ha aparecido en Elástico para llenarlo con, según el Guardian, una invisible escultura de sonidos. Por su parte, los organizadores explican lo que se ofrece un collage formado a partir de los textos leídos de 22 obras anteriores que es más que una retrospectiva. El espacio se llena de voces y ruidos que se suceden y/o se superponen, y al enlazarse fuera de contexto en torno unos a otros para destilarse en otra cosa. Quien tenga paciencia y/o banda ancha, puede saborear un pequeño algo en la página de Raw Materials.

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Make Porn, not War

1010.04


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La mejor prueba de que este mundo está podrido es que lo único que hace falta para salir en Elástico.net es publicar un libro con sesenta retratos de treinta estrellas porno, vestidas y desnudas cara a cara. A las fotos las acompañan ensayos de gente como Gore Vidal, Salman Rushdie, John Waters y John Malkovich, y la mente en la sombra y el dedo ejecutor pertenecen a Timothy Greenfield-Sanders, a quien entrevistan en Nerve. Así, claro, ya nos parece muy difícil no usar la exposición de las fotografías talla monumental en Chelsea a fines de mes como excusa para bajarnos a NY a pasar el día.


the complete guide to isometric pixel art


Bye, Avedon

210.04


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Out, out, brief candle!!

110.04


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Esto no es obviamente el "Weather Project" de Olafur Eliasson, pero sí parece querer crear un espacio a partir de un uso abstracto de la luz que la gente pueda apropiarse. O no, ya que es precisamente de una violencia para las retinas que esteriliza el espacio de una posible presencia humana que no sea pasajera. O este minimalismo está abstraido en sí mismo y se niega siquiera a considerar la presencia de observadores que atraer o repeler. O ambas tres cosas o ninguna o algo así. Lo pongo porque es fácil (siempre hay algo interesante en el NY Times), porque tres entradas de texto sin imágenes como que aburren. Pero ustedes déjense caer por esta reseña sobre "Untitled (To You, Heiner, With Admiration and Affection)" de Dan Flavin en National Gallery en Washington, que yo me voy ya a otra cosa.

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Retomando a los homéridas

2307.04


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Después de demostrar que las multitudes son inteligentes, en Slate intentan ver si pueden ser artísticas, mencionando algunos ejemplos de creación artítistca colectiva en la Red. Algo nuevo, aunque nosotros mencionemos en el título la tradición de reelaboración literaria, por ejemplo, o en el artículo se hable de formas colaborativas como el teatro o el cine: en éstos hay un proceso vertical de tomas de decisiones que, aunque puede ser alterada/subvertida/suplementada por intervenciones individuales de subordinados, es muy diferente de los procesos horizontales y sincrónicos que se busca promover. Con moderado éxito, por cierto; y sabiendo que no tiene nada que ver, ¿cómo era aquello de unas máquinas de escribir, diez mil monos y las obras completas de Shakespeare?

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¿Pero Dios no hablaba inglés?

2107.04


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¡Gracias, Ashley!

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DORKBOT BARCELONA STRIKES AGAIN

1407.04


wifi_hog_collage.jpgY esta vez será en Kultur Burö Barcelona, un interesante espacio de programación cultural en la calle Joaquim Costa que lleva funcionando desde hace poco. La alineación de este mes es de lujo; iniciando la velada estará Jonah Bruckner-Cohen, ganador de la primera edición del Premio Araneum de proyectos artísticos que entregaba el ministerio de Ciencia y Tecnología en el pasado ARCO (Y cuya continuidad está más que amenazada, teniendo en cuenta que dicho ministerio ya no existe).
Jonah es uno de los artistas más interesantes e hiperactivos que trabajan actualmente en el entorno del Media Art europeo, tiene un pie en absolutamente todos los fregados y es amigo de todas las pandillas:Realidad Mixta, Processing, Robots y por supuesto, la blogosfera; su Coin Operated es uno de los blogs que tenemos en Elastico en la mesita de noche.
Junto a él estará su colaboradora habitual y compañera en el Media Lab Dublin Katherine Moriwaki, y Alex Posada de Nice Noise, un colectivo que ha trabajado especialmente en desarrollar interfaces corporales para controlar sintetizadores y programas de composición musical.

La cita es el sábado a las 21H en Joaquim Costa, 24, BCN.
Y Recuerden:Dorkbot es gente haciendo cosas raras con la electricidad.

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Offf 2004 (on the road again)

3006.04


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Algún visitante asiduo pensará que el escaso ritmo de actualización de esta página desde hace unas semanas se debe a que estamos prácticamente de vacaciones. Querido lector, tengo dos palabras para usted: más quisieramos. La realidad es que los editores de Elástico se encuentran esparcidos por el globo terráqueo con diversos grados de conectividad, en pleno exilio veraniego forzado o haciendo bolos. Mientras Nacho sienta cátedra en alguna redacción de Sudamérica, la Petite Claudine ha retomado esa interminable gira mundial en la que está embarcada desde hace tiempo. Otros que tenemos menos glamour hemos llegado hoy a Valencia, donde mañana arranca la cuarta edición del festival de artes digitales OFFF.

Si en Barcelona la humedad se puede prácticamente masticar, en Valencia hace falta un machete para abrirse paso a través suya. Gracias a Dios los chicos de OFFF -que de sobrados que van parecen bilbainos en vez de valencianos- nos han metido en un hotel tan precioso que la idea de atrincherarnos en la habitación los próximos 5 días se hace cada vez más tentadora. ADSL de 2 megas, y una ducha con hidromasaje y control digital de la temperatura que parece el panel de control de un X-Wing. El hotel está tan orgulloso de sí mismo que se llama High Tech, y tienen un conserje que emplea con soltura términos como "DHCP." Teniendo en cuenta sin embargo que en todas y cada una de sus habitaciones hay alojado un artista digital o un diseñador web -cuente los powerbooks-, creo que a esta banda le queda muy poco tiempo de seguir llamándose a sí misma ancha.

Antes de que palme les cuento que OFFF empezó hace tres años en Barcelona como un evento dedicado a la animación en flash y a la comunidad del diseño web de vanguardia pero que ha ido evolucionando hacia terrenos más experimentales, tanto en sus presentaciones digitales y audiovisuales como en su amplia sección musical. Las propuestas de audio son tan extremas y radicales que la aparición este año en su cartel de una artista tan conocida como Tujiko Noriko, la musa de Mego, ha sido causa de mucho chiste y cachondeo entre el equipo de comisariado ("se empieza así y se acaba programando a Björk o a Massive Attack"). No es la japonesa, sin embargo, la que más expectación está despertando, sino la inefable Vegetable Orchestra, nueve austriacos que interpretan su repertorio con flautas hechas con zanahorias, tambores-calabaza, y otras hijas de la huerta.

Platos fuertes y recomendaciones de la casa: Phunkstudio, CSS Garden, Design is Kinky, La Mosca, y la presentación de Prologue Films, la casa del actual rey absoluto de los títulos de crédito en Hollywood, Kyle Cooper.
Por mi parte, estoy aquí coordinando la sección Chatroom, un ciclo de conversaciones informales con referentes del diseño web, el arte digital y los visuales. Highlights: una charla con los excepcionales Hi-ReS! sobre cómo labrase una carrera de éxito trabajando con un pie en el terreno comercial y otro en el artístico, y una conversación con D-Fuse y nuestra querida Solu sobre la cultura del VJing y el audiovisual en directo.

Hasta más ver.


Artistas profesionales

1506.04


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Digamos que es una glosa anticipada a Washingtonette en clave artística, o no, o algo parecido, pero resulta que nos da por enlazar a este artículo del New York Times sobre "Untitled", cinta de 60 minutos en la cual la artista Andrea Fraser pretender ser una prostituta que se lo monta con un coleccionista, quien hace de cliente y se la tira tras pagarle $20,000. Sutil comentario a las relaciones de poder que se establecen dentro del entramado de condiciones materiales que determinan la producción cultural, ciertamente, aunque no sabemos si a la buena de Andrea la sodomizan.

Enlace y foto distorsionada robados a Ashley, el quinto elástico. Servidor es Ringo Starr, pero no pregunten quién hace de George Harrison...


Los mundos de código de Processing en Sónar 2004

1506.04


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Processing: 1) un lenguaje de programación diseñado a medida para los artistas del software; 2) una ambiciosa iniciativa global por una verdadera alfabetización informática de las nuevas generaciones de creadores; y 3) una comunidad online con miles de participantes que promueve un entendimiento abierto y no elitista de la creatividad digital. El proyecto es heredero del pensamiento del fundamental John Maeda, que afirma que para explorar las inmensas potencialidades del ordenador como herramienta de expresión es necesario ser capaz de hablar en su idioma, el de las líneas de código. Dos brillantes discípulos de Maeda, Casey Reas y Ben Fry, entienden que dotar a la comunidad de las artes visuales de la capacidad de programar tiene inmensas implicaciones para todos.

Como parte de la programación de Sónar 2004, -que a partir de mañana transforma el centro de Barcelona durante 3 intensos días y nos traga por completo-, he realizado una selección de las piezas de arte digital más interesantes que se han realizado hasta la fecha en este lenguaje de programación que tiene tanto de cruzada pedagógica y política como de poderosa herramienta creativa. Forma parte de la sección Sónar a la Carta, y podrá verse en el Aula 1 del CCCB hasta el próximo sábado 19.

Ese sábado a las 13:00h, estaremos en el Aula 2 del CCCB conversando con varios de los artistas que participan en la selección, y explicando con más detalle por qué una iniciativa como Processing es fundamental para la consolidación del arte del software. Éste ha sido uno de los proyectos más bonitos que he realizado en mucho tiempo, y estoy especialmente orgulloso de haber colaborado en él con la activa escena internacional de artistas de todo el mundo que se han volcado en esta iniciativa.

Las obras

Casey Reas (EEUU)
D-Cell (2002)

Amit Pitaru (EEUU)
Sonic Wire Sculptor (2003)

Toxi (GB/AL)
Base26 (2004)

Marius Watz (NO/AL)
Amoeba Abstracts 1-3 (2003)

Soda (GB)
Moovl (2003)

Jared Tarbell (EEUU)
City. traveler (2004)

Spmb37 Mondine (E)
Augmented_Square (2004)


Pixel-Oddity en bcn

406.04


TEXTO: Marta Peirano
CAT: Arte
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Hoy se inauguro Pixel-Oddity en la Sala La Santa (C/ Marina 65-67) de Barcelona. Aunque yo no llego hasta el dia siete, es posible que algunos de vosotros este interesado en esta romantica exhibicion, un trabajo que cuenta con algunas de las mejores obras de Markus Gmür y María Cruz, diseñadores gráficos y directivos de Popchild.com, plataforma de música independiente y otras manifestaciones artísticas, que han dado un paso más al acercar su obra al público, coincidiendo con el 50º Aniversario del píxel y con la publicación de "1x1 Pixel-Based Illustration & Desing" dónde también aparece reseñada su obra.
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un minuto de silencio por el arte moderno

3005.04


TEXTO: Marta Peirano
CAT: Arte
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Me and Paul, por Tracy Emin


Los amantes del arte contemporáneo de producción británica están en estos momentos contemplando una velita mientras se preguntan consternados qué será del mundo ahora que obras de la valía de "The Ambassador of Jesus" de Paula Rego o "Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995" de Tracey Emin han ardido hasta los tuétanos en una de las salas de la famosa galería británica Momart.

El fuego, que comenzó el lunes en un parque industrial del east London, alcanzó uno de los edificios anexos del centro, arrasando buena parte del contenido de nuevos talentos británicos que componían su exhibición. Una pérdida que -y creo hablar por todos los editores de elástico- nos causa un dolor y una consternación que difícilmente se puede expresar en palabras.

Pero se puede intentar.

La colección de arte joven -convertida ahora en cenizas de arte joven- estaba compuesta en su mayor parte por obras de Charles Saatchi. La pasión del señor Saatchi por jóvenes y prometedores artistas ingleses ha sido fundamental a la hora de reconocer el talento sin precedentes de figuras de la talla de Damien Hirst, Sarah Lucas, Chris Ofili, Tracey Emin, Rachel Whiteread o los propios hermanos Chapman. La serie de mamímeros congelados y troceados en canal, la colección de fotografías "Autorretrato con plátano", la inolvidable escultura titulada "escultura" o la estremecedora "Human Toilet (Revisited Again)" son algunas de las obras que pueden haberse perdido para siempre, para pena y desesperación de todos aquellos que amamos el arte por encima de todas las cosas.

Entre las muchas anécdotas que rodean el desastre, Jake y Dinos Chapman han puesto una nota de color. Nominados al Turner 2003 y famosos por su mal gusto, sus maniquís con cara de culo y sus representaciones en miniatura de las pinturas negras de Goya, los artistas han ocultado valientemente su dolor por la pérdida de su obra Hell, que vendieron no hace mucho tiempo al señor Saatchi por 500,000 libras esterlinas.

Los nuevos niños terribles de la escuela británica se han despollado miserablemente al enterarse de que la famosa tienda de Tracey Emin ha ardido hasta las piquetas y han añadido: ¿De veras? No puede ser. Es demasiado bueno. Acerca de su propia obra, han comentado sencillamente: Pues lo hacemos otra vez. Es sólo arte.

La triste noticia en el New York Times, el News Telegraph, The Guardian.


Dorkbot:haciendo cosas raras con la electricidad

2505.04


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Porque todo no se puede hacer a través de Internet y verse las caras es muchas veces más productivo, y porque a la bohemia siempre le gustarán las tertulias con absenta, a algunos miembros de la comunidad digital neoyorquina se les ocurrió hace un par de años empezar a organizar unos pequeños encuentros donde poder enseñarse los unos a los otros lo que eran capaces de hacer con software, sensores, chips, o cualquier cosa por la que corran bits y/o vatios. Como estamos en la era de la franquicia y el efecto difusor de la Red es imparable, la idea se fue extendiendo paulatinamente por el mundo y ahora son más quince las ciudades repartidas por todo el mundo en la que se celebran mensualmente, a la manera de "clubs de la lucha" para artistas electrónicos.

Se llaman Dorkbot; todo el mundo puede empezar uno en su ciudad; todo el mundo puede participar en uno;la única condición es que el que se suba al escenario para enseñar su trabajo debe acogerse a su lema:"gente haciendo cosas extrañas con electricidad". Abundan los hackers, los exploradores de la tecnología obsoleta reprogramada con fines sorprendentes, y los virtuosos del software de manipulación audiovisual.

Dorkbot Barcelona nace mañana en la sala Atelier de la Rambla del Raval bajo el impulso de Mia Makela, "solu", la más destacada agitadora de la cultura digital en esta ciudad en los últimos cinco años. Estarán por allí artistas y colectivos como Hackitectura.net y Yves Degoyon presentando su proyecto Gollum, del que se ha hablado antes en Elástico, junto con invitados especiales de fuera de la ciudad como HD y Brian Mackern. Si quieren/pueden pasarse, será a las 20:00h.

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They Rule 2004

1205.04


theyrule.jpgCualquier excusa es buena para volver a hablar de They Rule, el trascendental proyecto de Josh On y Futurefarmers que se ha convertido ya en todo un clásico de las artes digitales. Dos años después de su lanzamiento, la capacidad de fascinación de este juguete tremendamente subversivo sigue cautivando a los ue lo descubren por primera vez. They Rule es un sistema dinámico que permite comprender cómo funcionan las relaciones de poder en la era del capitalismo global, y es un referente esencial para entender la futura evolución del arte. Primero, por su capacidad para mostrar el auténtico poder del diseño de información, organizando ideas complejas a través de un interfaz que pueden comprender los niños de 6 años. Por su capacidad para ser político sin ser panfletario; They Rule sólo expone unos datos que son públicos y se podían consultar a través de la Web anteriormente con interfaces más tradicionales. Pero por encima de todo, por aglutinar todas las caracterísiticas de lo que debe ser una pieza de arte interactivo:la representación, en forma de herramienta que invita a ser utilizada antes que de "objeto cerrado", de un proceso en ejecución que descansa sobre una base de datos en permanente estado de flujo.

inequity.jpgPerdonen que me ponga pedante. Todo esto era para informar que Futurefarmers han lanzado una nueva versión de They Rule en la que se puede escrutinar no ya sólo la composición de los consejos de administración de las grandes macrocorporaciones, sino también sus relaciones con el poder político, educativo, y mediático; la base de datos se ha ampliado espectacularmente con nuevas "mesas" como la de la Universidad de Harvard, el New York Times, o los gabinetes de la era Clinton. Otra de las opciones incorporadas es una herramienta para investigar directamente cuántos pasos llevan desde la empresa A hasta la corporación B. Más poderoso que 1000 Naomi Kleins.

Para cerrar, un pequeño regalo: Inequality, una pieza mínima realizada por Josh On en Processing que es casi un haiku del activismo interactivo excelentemente diseñado. El tema, la evolución del sueldo de los CEOs de las macrocorporaciones a lo largo de 4 décadas. Una vez más, se puede decir más alto, pero no más claro...


Sonarfiles en Madrid

505.04


304200411103.jpgSiguiendo con el empeño retrospectivo, que por alguna razón este año está más omnipresente que nunca en el panorama cultural, Sónar inaugura hoy en la Fundación Telefónica de Madrid Sonarfiles, el proyecto que pretende sacar a la carretera las selecciones comisariadas de música, vídeo e interactivos que el festival barcelonés ha realizado durante sus primeras 10 ediciones de historia.

La muestra se articula alrededor de las tremendas sillas "Netsurfer" de Valvomo, que hacen las veces de vehículos con los que recorrer la historia reciente de la música electrónica, la creación audiovisual y el arte interactivo. Muchas gemas por descubrir escondidas entre los menús, créanme.

La expo estará abierta hasta el 5 de junio y es completamente gratuita. Para contarlo todo, he estado implicado en ella escribiendo los textos que explican la selección de piezas interactivas, toda una historia del CD-ROM como vehículo artístico. Me alegro especialmente de que se estrene en Madrid, una ciudad en la que parece que lentamente empieza a surgir un interés auténtico por el mundo de la creatividad digital y el new media, gracias a los esfuerzos de centros como La Casa Encendida y el Medialab Madrid.


"Vértigo" de un vistazo

2004.04


vertigo.jpgBrendan Dawes ha encontrado una manera de representar qué es lo que queremos decir cuando decimos que una película es lenta de ritmo o cuando hablamos de los colores de su fotografía. Cinema Redux es una serie de "cortes longitudinales" de varias obras maestras del cine. Dawes ha programado un programa que captura un fotograma por segundo de cada archivo de vídeo que se filtra a través de él, y luego construye un inmenso collage con todas las imágenes capturadas. Cada fila de pequeñas imágenes representa un minuto de la película "sampleada". A su derecha, el "Vértigo" de Hitchcock.

"Cinema Redux" es uno de los númerosos ejemplos de lo que se puede hacer con Processing, un lenguaje de programación y plataforma de desarrollo creado por artistas y diseñado para liberar a los artistas digitales de la esclavitud a los productos de Macromedia. Un proyecto abierto que reivindica el interfaz textual, donde se fomenta la liberación de código y la publicación de las piezas bajo licencias Creative Commons. Mucho más sobre Processing en Elástico (y en más sitios) en las próximas semanas...


Escher en Lego


Festivaleando

103.04


Los que nos ganamos la vida en buena parte gracias al circuito de los eventos cibermodernos (al que William Gibson definió una vez, con su habitual agudeza, como the virtual headless chicken sideshow) no podemos evitar contemplar con interés y una cierta mala leche las evoluciones del mercado de fichajes que se desata siempre por estas fechas. En estos dias se está en pleno proceso de cierre del cartel de los grandes festivales de verano, y el espectáculo no es muy distinto del que ofrecen cada temporada los equipos de fútbol a finales de agosto:codazos, desatadas rumorologías destinadas a inflar cachés, y mensajitos entre líneas dirigidos a prensa especializada y público para modelar la percepción general acerca de qué eventos son o empiezan a ser imprescindibles y cuáles huelen a naftalina. (Importante precisión:con un par de fichajes futbolísticos se pagarían todos los festivales artísticos de España, y te seguiría quedando pasta para contratar a Brian Ferry para que te cante "More than This" en tu salón. Pero divago, que dice un amigo).

En el terreno de la música, el Ronaldinho de la temporada parece estar ya adjudicado con el anuncio de que la gira de reunión de los Pixies pasará en mayo por Festimad, Madrid y Primavera Sound, Barcelona. El de Barcelona será de hecho su primer concierto en Europa. O de eso nos quieren convencer entre todos, porque la verdad es que yo no recuerdo que Pixies fueran nunca un grupo tan seguido en España como para levantar esta expectación;van a tener que llenar plazas de quince y veinte mil espectadores, probablemente diez veces más gente de la que les llegó a ver en toda su carrera en nuestro país.

Mientras Festimad ha contado poco más y casi nada interesante Primavera Sound ha puesto ya el 80 por ciento de sus cartas sobre la mesa y es evidente que van a más, tocando con brillantez todos los distintos palos. Grandes nombres de primera división:Además de Pixies, Primal Scream, PJ Harvey preestrenando disco nuevo, Wilco, o Miss Kittin pinchando (otra vez). Sorprende la selección de electrónica avanzada de pedrigrí: Matmos, Prefuse 73, Dizzie Rascal -esto en cierto sitio ha tenido que hacer pupa- Colder, Black Strobe...Por lo demás la inevitable dosis de moñez que cierta audiencia indie exige:Dominic A, Benjamin Biolay, La Buena Vida...y el par de excentricidades de rigor:Lluis Llach! (será cosa de Esquerra) y dos revivals que molan más que el de los Pixies:Mudhoney, desde las profundidades de Seattle, y nada menos que The Human League. Pasen al interior para más...

En la sede (barcelonesa) de Primavera Sound y entre su hinchada -los festivales tienen ya hooligans, qué cosas- se palpa un cierto triunfalismo en su eterna puya con (los madrileños) Benicassim, y por poco se les escapa un "chupaos esa, a ver cómo lo mejorais". Benicassim no es un festival al que le tenga ningún especial cariño, pero si yo fuese ellos no estaría especialmente inquieto porque no hay ningún indicio de que esta liga no la vayan a ganar, como todas las últimas. Mientras las estrellas del PS han pasado todas ya por Benicassim, queda por repartir mucho de lo más interesante que va a girar este verano: clásicos como Bowie. primeras división como Flaming Lips, The Rapture, The Strokes o Air; referencias modernas de las últimas temporadas como Death Cab for Cutie, Electric Six, o LCD Soundsystem; enésimas resurrecciones como la de The Cure. Y se rumorea que frente al efecto Pixies Benicassim podría contratacar con la vuelta de Morrisey. El FIB no presenta su programación hasta abril, pero si le insistís a Elena quizás suelte prenda.

Y a medio camino entre uno y otro, los más sofisticados y también los más snobs entran en su segunda década de vida con propósitos de renovación. Se les plantea el serio problema de presentar un cabeza de cartel que no parezca un paso atrás tras el bombazo del año pasado, Bjork, lo cual es harto difícil. No hay muchos artistas electrónicos que salgan en los telediarios y conserven algo de credibilidad, y la opción de Kraftwerk (otros que vuelven) está descartada. Tocan en Barcelona en veinte días y además, ya protagonizaron en el 98 el concierto más mítico en la historia de Sónar. Me cuentan que se están considerando dos opciones populares:una, un grupo muy grande en horas algo bajas. La otra es algo siniestra y tendría más sentido en Festimad que en un festival de "musica avanzada", por lo que no me la acabo de creer. Por lo demás, Sonarmática se renueva proponiendo el tema más fascinante en la historia del festival, y hay confirmada una sorpresa procedente de oriente que, créanme, va a arrasar. Y hasta aquí puedo leer.

En el ámbito estricto de la cultura digital, uno de los festivales más interesantes surgidos en las últimas temporadas se traslada en el tiempo y en el espacio. OFFF se muda desde Barcelona hasta Valencia y pasa de mayo a julio. Sus actividades crecen tanto que literalmente se triplican. Y el programa se anunciará en los próximos días y les avanzo que incluye a muchos de los artistas favoritos de este humilde blog. También les adelanto, como disclaimer de rigor, que servidor se ha incorporado al equipo organizador de OFFF, por lo que pueden tomarse todo lo que diga sobre este evento a partir de ahora con saludable escepticismo.

Y para los que hayan aguantado hasta el final como campeones y empiecen a sentir el gusanillo de la música en directo, un regalo:Moloko en concierto en Amsterdam, 2003. 100 minutos de la divina Roisin Murphy perdiendo toda la dignidad que le queda delante de un público entregado. Los highlights incluyen a la diva rascándose el culo frente al respetable, elecciones de vestuario completamente indescriptibles, y en general una fascinante capacidad para pasar de lo sublime a lo patético en cuestión de segundos. Qué mala es la cocaina, dios mío.


Del tatuaje en la era Photoshop

2002.04


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Estas son las reglas: Tu imagen debe contener piel desnuda, pero el énfasis ha de estar en no darle énfasis a la desnudez. Este concurso es sobre arte. No pornografía. Tienes que crear tatuajes sobre la piel de tu modelo usando Photoshop.


Breve historia del graffiti mecánico

1002.04


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Está entre las páginas de 1X1 pero además recientemente lo han blogueado en distintos sitios. Hektor, una instalación realizada hace más de un año por dos estudiantes suizos, es esencialmente una máquina de hacer graffitis. Unos servomotores controlados por ordenador balancean un spray de pintura entre varios alambres. El resultado es muy interesante, pero lo que resulta completamente hipnótico es ver el proceso en movimiento. No se pierdan este video absolutamente increible. uno de esos casos en que, con independencia del resultado, el viaje siempre merecerá la pena.
Los autores de Hektor no ocultan que la pieza se inspira directamente en el trabajo del Applied Autonomy Institute, un colectivo que lleva años investigando las posibilidades de cruce entre la robótica y la cultura del graffiti. Hace años consiguieron una cierta repercusión con su Graffiti Writer, un pequeño robot teledirigido que realizaba pintadas con la técnica de una impresora matricial. Su último proyecto es mucho más intrigante:una camioneta que va realizando graffitis en el pavimento mientras va circulando por las calles. Véase vídeo documental igualmente impresionante.

Hektor en acción - quicktime, med. / Applied Autonomy Institute - Streetwriter en acción - quicktime, med.


50 años del píxel

602.04


1075896787_p.jpgHoy en El Mundo publico un artículo sobre una de las onomásticas más importantes y menos comentadas de esta temporada:el medio siglo del pixel. La excusa es la reciente publicación de "1X1", un ambicioso libro editado por el estudio de diseño barcelonés Vasava que recorre el impacto del pixelart en el mundo de la ilustración, el diseño y el arte contemporáneo. Desde los iconos de Susan Kare para el Apple Macintosh, que son primorosamente reproducidos uno a uno, hasta los edificios pixelados de Blinkenlights y el "Move your Feet" de Shynola.

Hace exactamente cinco décadas, un grupo de investigadores de un instituto científico de New Jersey consiguió por primera vez dibujar una e, una ce y una pe sobre una pantalla de ordenador. Eran un puñado de enormes cuadrados luminosos que sólo podían encenderse o apagarse y convertir la pantalla en un tosco pero fascinante lienzo. Seguramente, ninguno de ellos imaginaba que en los siguientes 50 años a sus primitivos polígonos de luz se les sumarían otros miles de millones, cada vez más pequeños y de infinitos colores. Ni que se emplearían para llenar los cines de todo el mundo de dinosaurios virtuales, dar sustancia a heroínas como Lara Croft o construir nuevas religiones tipo Matrix. Actualmente están en todas partes. Si Einstein inauguró la era del átomo, hoy en día vivimos en la edad del píxel.

"50 años de Pixels" / Vasava, "1X1" / Sobre el aniversario del píxel, por Andrew Zolli


Las danzas matemáticas de Jared Tarbell

402.04


El arte generativo o algorítmico es una de esas cosas que o se pillan a la primera o no se consiguen entender jamás. Los que están en este segundo grupo acaban soltando tarde o temprano el tópico maldito ("salvapantallas"), y los que pertenecemos al primero podriamos pasarnos dias contemplando fascinados las evoluciones dinámicas sobre la pantalla de un grupo de pixels que se comportan como si tuviesen vida propia y normalmente muestran un desprecio absoluto ante la idea de interacción. Ser pro o anti arte generativo no tiene nada que ver con el grado de sofisticación de nuestro gusto;un ala importante del movimiento del software art contemporáneo desprecia estas piezas porque las considera poco más que "eyecandy" masturbatorio propias de diseñadores flasheros venidos a más. (La mayoría, por cierto, están en Berlin en estos días).

Otros preferimos prescindir de análisis políticos y sociales y simplemente nos dejamos conquistar por la innegable belleza de la obra de artistas como Jared Tarbell. Aunque lleva tiempo trabajando desde su base de operaciones en la Red, Levitated, Tared acaba de lanzar una excepcional colección de piezas de software en Complexification, su "galería de computación." Pequeños trabajos que, como en buena parte de su producción anterior, exploran la belleza intrínseca de los procesos de la ciencia.

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Bit . 10001

Revelando el curso de las partículas mientras aceleran alrededor de un atractor numérico infinito, podemos observar un proceso de flujo que va desde lo grácil hasta lo caótico. Es increible poder renderizar 10001 partículas en tres dimensiones y en tiempo real. Este sistema nos permite hacer eso registrando simultáneamente los resultados a lo largo del tiempo.

Si tienen una máquina mínimamente rápida, pinchen sobre la imagen y jueguen con la nube de partículas un rato. Jared sigue además los pasos de Joshua Davis y ha abierto el código de todas las piezas para que los curiosos puedan escudriñarlas por dentro. Si disfrutan con esto, no dejen de explorar a fondo tanto Complexification como Levitated, donde por ejemplo pueden encontrar toda una serie de obras basadas en los autómatas celulares de Stephen Wolfram.

Levitated / Complexification

(Vía K10K y dedicado a los excépticos ante las posibilidades de Processing)


Amiga Andy

402.04


aworld1_sm.gifEl 23 de Julio de 1985, Andy Warhol se subió al escenario del Lincoln Center de Nueva York con un Comodore Amiga 1000 y Deborah Harry, la cantante de Blondie. Ante un público de dos mil personas, Warhol pintó un retrato del icono de la new wave utilizando un programa llamado Graphicraft. El acto fue organizado por Commodore para presentar el nuevo modelo de Amiga y aunque su objetivo era totalmente promocional -algo que no creo que a Andy le molestase mucho- , es un episodio fascinante y bastante desconocido de la prehistoria de las artes digitales y de su escenificación en directo.
Durante el siguiente año y medio, hasta su muerte en febrero de 1987, Warhol utilizó esporádicamente el Amiga, capturando frames de video y coloreándolos digitalmente; no es de extrañar que el procedimiento le resultase tremendamente Warholiano. Sin embargo, su incapacidad absoluta como usuario de ordenadores le obligaba a trabajar con un operador de Amiga a su lado.
Artnode ha destapado una curiosísima entrevista concedida por Warhol a la revista Amigaworld en enero de 1986 en la que Andy habla de su relación con su Commodore y su fascinación por explorar sus posibilidades, y especulaba sobre el probable auge en el futuro del "Computer Art".

Andy Warhol:An Artist and His Amiga. A conversation about art and the amiga with artist Andy Warhol. -(PDF, 2 megas.)


Pájaros ucranianos

2001.04


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Y es que cuando uno está muerto de sueño y quiere poner algo en el blog antes de irse a la cama, no hay nada mejor que una sencilla fotografía siniestra...


Robots y Cyborgs en Santiago

1901.04


La actualidad se empeña en seguir dándonos razones para esta revisión/nostalgia/revival cyberpunk que se pasea por elástico últimamente con demasiada frecuencia. Uno de los efectos de la fascinación por las estéticas y las ideologias gibsonianas a comienzo de los noventa fue el auge de la robótica en el ámbito de las artes electrónicas, sobre todo en la fusión de la carne y la máquina en el trabajo de grupos de performance como SRL o en los robots artistas de Chico McMurtrie y el español Carlos Corpa. Esa dirección se agotó pronto, y el lugar que la robótica ocupa actualmente en la escena del media art oscila entre irrelevante y folclórico, según opiniones. Algunos de sus mayores exponentes se reunen esta semana en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago (de Compostela):

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ROBOTIC @ CGAC:Nuevas interfaces tecnológicas para la creación y percepción de la obra de arte. Con Marcel.lí Antúnez, Massimo Bergamasco, Roberta Bosco, Antonio Frisoli, Claudia Giannetti, Gunnar Jansson, Ken Rinaldo, Stelarc.

Del 22 al 24 de enero.Además de las conferencias de gente como Stelarc o Ken Rinaldo (especialmente recomendable), el ciclo se cierra con una performance a cargo del hombre-máquina español oficial, Marcel.li Antunez. Si están cerca pásense, merecerá la pena.


La caída de la fotografía de modas

1301.04


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Vía Kottke, condena de la fotografía de moda, con muchas imágenes-prueba para el jurado. Lo único que en realidad parece valer hoy día son las ilustraciones.


Vida Subterránea

901.04


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Stop Motion Studies es un precioso proyecto que muestra todo lo que puede hacerse empleando sólo algo tan básico como una cámara de fotos digital. David Crawford ha tomado imágenes en vagones y estaciones de metro de Estados Unidos, Japón o Gran Bretaña y ha montado con ellos estas pequeñas secuencias de impresiones urbanas que capturan perfectamente el ritmo de las grandes ciudades contemporáneas.

Vía Boingboing

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Esas pequeñas instancias de lo siniestro

501.04


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Ahora que la casa está a punto de llenárseles de juguetes, no se olviden que las cosas pueden estar (o parecer) más vivas de lo que piensan. Abajo nos daba por hacer de Marx, hoy toca Freud.

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El Museo de las Catástrofes

2312.03


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"La civilización contemporánea se diferencia en una característica particular de todas las que la precedieron: la velocidad. El cambio se produjo en una generación", apuntó el historiador Marc Bloch en los años 30. Esta situación ha dejado en su estela una segunda peculiaridad: el accidente. La progresiva difusión de acontecimientos catastróficos no afectan únicamente nuestra realidad cotidiana, sino que produce angustia y ansiedad de sobra para las próximas generaciones. La vida diaria se ha vuelto un caleidoscopio de incidentes y accidentes, catástrofes y cataclismos, en los cuales estamos continuamente topándonos con lo inesperado, con todo eso que ocurre, diríase, saliendo de la nada. En un espejo roto debemos aprender a adivinar qué es lo que se cierne sobre nosotros cada vez más y más--pero sobre todo cada vez más y más rápido, esos eventos que se nos echan encima de modo inoportuno, si no simultáneo. Enfrentados a una temporalidad acelerada que afecta a los hábitos, las costumbres y el arte tanto como lo hace la política internacional, hay una necesidad particularmente urgente: sacar a la luz, revelar y exhibir el accidente del Tiempo.
Del Prefacio de Paul Virilio en el sitio del Museo de las catástrofes. En la foto, torres eléctricas vueltas garabatos cerca de Montreal, en 1998. No me dirán que no sabemos cómo alegrarles las fiestas. Enlace hallado en el espléndido Thingsmagazine.


Comunidades Digitales, el premio

2212.03


El festival austriaco Ars Electronica, padre de todos los eventos sobre cultura digital y poseedores del sentido del zeitgeist mejor afinado de la galaxia, celebrará su 25 aniversario en el 2004 añadiendo una nueva categoría a sus premios:comunidades digitales.

"Digital Communities" encompasses the wide-ranging social consequences of the Internet as well as the latest developments in the domain of mobile communications and wireless networks. Among the projects, phenomena and fields of activity subsumed under the heading Digital Communities are:
Social software, collective weblogs, social networking systems, filtering and reputation systems, gaming communities, free net initiatives, wireless LAN projects, digital cities, urban development projects...

Otros que se apuntan al carro del "social software", etiqueta de moda que se queda ya como gran contribución del 2003 al diccionario digital. Dos premios de 10.000 Euros para dos ganadores, por cierto. Puestos a hacer futurología, sería de esperar que el premio de la primera edición fuese a parar a algún proyecto pionero de largo recorrido que haya ayudado a definir el terreno de juego de las comunidades digitales. Por ejemplo, Slashdot, Blogger,Everquest,Freenet o por supuesto algún P2P, quizás Gnutella. Aunque lo más bonito sería Napster in memoriam...

Vía Joi Ito, que será uno de los jueces del premio, junto a Howard Rheinghold y Jane Metcalfe, entre otros.


Blinkenlights all over again (luces de navidad para hackers)

2012.03


allyourbase.blm.gifDel 22 de diciembre al 4 de enero, la Haus des Lehers en la Alexanderplatz de Berlin vuelve a convertirse en una pantalla interactiva de ocho plantas de altura en la que se juegan partidas de pong vía móvil y se pasan películas pixeladas low-fi creadas por internautas de todo el mundo. Blinkenlights Reloaded es obra de los genios uberhackers del Chaos Computer Club, que celebran su congreso anual a finales de diciembre.

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Glow!!

612.03


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Con la nevada que lleva cayendo ya casi 20 horas aquí en Cambridge, MA, no puedo estarle más agradecido a Bachus...

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Clásicos populares

2511.03


mario.gifGames:Computer games by Artists.Una amplia retrospectiva bastante bien comisariada de la historia de la modificación de videojuegos con fines artísticos en los últimos años. En Dortmund hasta final de mes, aunque en realidad la visita a la web es casi tan interesante como la exposición en si misma, porque incluye documentación sobre y enlaces a todas las piezas, muchas de ellas descargables. Entre los participantes, amigos de la casa como Retroyou o Cory Arcangel, este último con su encantador Super Mario Clouds. Cory hackeó un cartucho del Super Mario original para NES para borrar todos los elementos del juego menos el cielo y las nubes. Del resto de la exposición, los inventores del género de la modificación artística se descuelgan con una pieza realmente entrañable.

JODIinstall1a.jpgLas "Variaciones sobre Jet Set Willy" de Jodi son diez modificaciones de este juego clásico de ZX Spectrum lanzado en los ochenta. El código ha sido alterado de tal manera que, aunque las funciones básicas del juego siguen siendo las mismas, los gráficos recuerdan a la obra de pintores abstractos como Mondrian o Peter Halley. Las "variaciones" son además el homenaje de Jodi a la cultura de los programadores aficionados de los ochenta, donde los principales desarrolladores de juegos eran adolescentes que realizaban todos los gráficos y sonidos por si solos en los primeros ordenadores domésticos.


Dile que la quieres, regálale un glofish

2511.03


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Esta es la receta: tomen un pez cebra, métanle un gen de anémona marina luminosa, agiten con cuidado, y tendrán glofish, el pez que brilla en la oscuridad, la alegría de su acuario, la luz que les faltaba allá en su hogar. Hagan todo esto en un laboratorio de la Universidad Nacional de Singapur... o acérquense a Pet'R'Us, porque dentro de poco la primera mascota modificada genéticamente saldrá a la venta. El cinco de enero, exactamente, con muy optimistas predicciones comerciales. Grupos conservacionistas ya han empezado a mover hilos para impedirlo, mientras que las tiendas de animales domésticos anticipan una muy lucrativa precuela navideña del verdadero boom, precuela en forma de acuarios y otros accesorios para tan bonito juguete. A ver lo que dura la polémica.

Hallado aquí en Plastic. Y sí, lo de ponerlo en la sección de arte será quizá un error, pero no involuntario.


Boing, Boom Tschak

2411.03


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The Robots are Back. Kraftwerk anuncian su primera gira en años. Barcelona, 31 de marzo. Madrid, 1 de Abril de 2004.


Hombres y Robots en Paris

2111.03


kenji_yanobe.jpgHasta el 31 de Enero. Hommes et Robots:De l'utopie a la Réalité. Impresionante exposición sobre el robot como objeto cultural y tecnológico. Con la participación estelar de ASIMO, el famoso robot de Honda que utiliza el primer ministro de Japón para impresionar a las visitas, y Maywa Denki, un delirante proyecto artístico japonés que ha ascendido al estrellato pop en el oriente. Tres tipos con monos azules que afirman ser dirigentes de una corporación aparecen rodeados por toda clase de instrumentos robóticos que se mueven a espasmos, mientras ellos permanecen hieráticos recitando canciones que podrian ser la banda sonora de cualquier serie de anime de los 70. Lo más pasado que he visto encima de un escenario en la vida.


Jenny Holzer cubre de LEDs la basura de Madrid

1311.03


camion[1].jpg Hasta el 23 de noviembre, recomendamos a los elásticos madrileños que se fijen en cada camión de la basura con el que se crucen. La grandísima Jenny Holzer, una de las artistas más importantes de las últimas décadas famosa por sus instalaciones de LEDs, está realizando la intervención más importante de su carrera en la capital. Es además el proyecto más ambicioso de arte urbano que se haya realizado en Madrid.

Más de 150 camiones cisterna municipales recorrerán durante los próximos 12 días las 21 Juntas Municipales de Distrito de la ciudad de Madrid con la obra Truisms de la artista norteamericana Jenny Holzer. Truisms es una obra compuesta por una serie de sentencias, oraciones cortas o koan-zen modernos que circularán por las calles de la ciudad, insertadas en los rótulos luminosos, LED’S de los camiones, mientras estos realizan su habitual labor de limpieza del espacio urbano. Será la primera vez que Jenny Holzer utilice un soporte móvil, los leds de los camiones, para proyectar sus ya legendarios truisms (tópicos).

El proyecto forma parte de las actividades de la exposición Banquete, en el Conde Duque. Felicidades, Kepa.


Sol de aras ciento

1710.03


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El danes Olafur Eliasson le deja los vellos de punta a los visitantes de su Weather Project, un sol que se eleva a lo largo de los más de 300 metros de alto a su disposición en la londinense Tate Gallery.
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"Y entonces un dedo de luz escribió sobre las nubes..."

1510.03


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"Suspensión amodal será una instalación interactiva a gran escala en la cual los participantes podrán enviarse mensajes de texto unos a otros desde un celular o la Internet, conectándose a la dirección www.amodal.net. No obstante, en lugar de ser transmitidos directamente, dichos mensajes serán codificados como secuencias únicas de flashes y enviadas al cielo mediante una red de 20 focos controlados por robots".


Hasta aquí la cita traducida del comunicado de prensa. El encargado, Rafael Lozano-Hemmer.


Lo ha visto Attu.

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CopyFight Files: nuestro proyecto paso a paso

  

  

  



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POR FAVOR, ¡PIRATEEN MIS CANCIONES!
Por qué son más rentables 100.000 fans piratas que llenen mis conciertos a 10.000 originales.

CUANDO LA SGAE DESPERTÓ, LA TECNOLOGÍA TODAVÍA ESTABA ALLÍ
que la música sea gratis para ustedes, los consumidores, no significa que los artistas no podamos ganar dinero con ella

POLITICAL GAMES: DE ESCAPE FROM WOOMERA A UNDERASH
La industria del entretenimiento ha desviado la propaganda de guerra del cine a la consola.

EL MERCADO DE LAS IDEAS
Las buenas ideas estan en todas partes. Patentarlas es la mejor manera de evitar su materializacion.

LA MUERTE DEL PERIODISMO Y OTROS CUENTOS APOCALÍPTICOS
Es verdad, el periodismo está en crisis. Pero es una crisis que debemos celebrar.